Bajo su tutela se han producido algunos de los entretenimientos más populares y rentables de los 80 y 90 (’Top Gun’, ‘Superdetective en Hollywod’, ‘Dos policías rebeldes’, ‘La Roca’, ‘Con Air’, ‘Piratas del Caribe’, etc.).

Sus producciones son casi siempre sinónimo de entretenimiento y dinero, pero parece que éste no está siendo su año.

Sería muy precipitado decir que su reinado ha tocado fondo, más cuando se está gestando ya la cuarta entrega de Jack Sparrow y cía., una de sus sagas más productivas, pero lo cierto es que ni ‘Prince of Persia’ ni ésta ‘El aprendiz de brujo’ están cumpliendo las expectativas.

A la adaptación consolera de Mike Newell su abultado presupuesto de 200 millones de dólares le impide ser un éxito, habiendo recaudado la tampoco nada despreciable cifra de 329 millones en todo el mundo. Poquito a poco ha ido cubriendo costes y maquillando un poco su recaudación, pero sus pretensiones de franquicia relevo de los piratas caribeños parecen haberse esfumado.

A ‘El aprendiz de brujo’ aún le quedan algunos países en los que estrenarse, pero su taquilla doméstica ha sido bastante floja, y nuevamente el mercado internacional es el que permite, como mínimo, cubrir esos 150 millones que ha costado realizarla.

Malos tiempos pues para Bruckheimer, aunque nada que no pueda resolverse en los años venideros. _

Balthazar Blake (Nicolas Cage) es un gran hechicero que vive en el Manhattan de nuestros días. Su mayor enemigo es otro hechicero, Maxim Horvath (Alfed Molina), antiguo compañero y amigo de Blake  hasta que se pasó al ‘lado oscuro’. Horvath quiere liberar a la pérfida Morgana de su cautiverio y traer consigo las fuerzas del mal a la tierra. Balthazar tratará de impedirlo, pero no podrá hacerlo solo, por lo que reclutará a un joven aprendiz, Dave Stutler (Jay Baruchel), un chico aparentemente normal pero que oculta un gran potencial en su interior.

Sin quererlo ni beberlo, Stutler se convertirá en su protegido, instruyéndose en el enigmático arte de la antigua magia. Sólo juntos podrán vencer a las fuerzas de la oscuridad.

La película se inspira muy libremente en el segmento de ‘The Sorcerer’s Apprentice’ del musical animado de Disney Fantasía, aquél en el que Mickey Mouse es un aprendiz de mago que pierde un poco el control de sus poderes. Esta misma historia tendría una nueva versión en Fantasía 2000, secuela del clásico de los años 40.

Añadir además que este segmento está a su vez basado en un poema sinfónico de Paul Dukas de 1890 y en una balada de 1797 de Johann Wolfgang von Goethe.

Pese a esto, debe quedar claro que esta cinta sólo se inspira en dicha historia, y que todo lo demás es pura invención de los guionistas, que en base a esa premisa han construido un blockbuster familiar cargado de hechizos y efectos especiales.

La historia empieza contándonos el pasado de Balthazar, Horvath y Veronica, tres discípulos de del poderoso Merlín. En pocos minutos, conocemos sus orígenes, a su archi-enemiga - la no menos poderosa Morgana le Fay (Alice Krige)- y lo que ocurre para que su lucha se extienda hasta nuestro días.

Este prólogo es atractivo e interesante para conocer bien la historia de Balthazar y cía, y nos ahorra tener que verlo en un posible flashback a lo largo del metraje (que no deja de ser otra opción narrativa), pero quizás el problema radique en que está explicado de forma un tanto apresurada, como si tuvieran prisa por pasar rápidamente a la actualidad.

El resto de la historia es bastante típica: chico empollón y poco social será el elegido para la luchar contra el mal. Entre tanto, intentará también conquistar a la chica de sus sueños.

La trama, previsible al 100%, se apoya básicamente en la pareja ‘maestro y pupilo’ que forman Balthazar y Dave.

El mago instruirá al joven aprendiz en el arte de la magia para poder vencer juntos a Horvath, que tampoco perderá el tiempo en su intento de liberar a Morgana. La magia tiene su parte de ciencia, por lo que Dave, que es estudiante de física, no tiene muchos problemas para comprender su funcionamiento. Aunque practicarla, ya es otra cosa…

Los entrenamientos propician momentos simpáticos, con Balthazar guiando a su aprendiz con mano dura y éste sudando la gota gorda para poder dominar unos poderes que ni siquiera sabía que tenía. Además, su torpeza inicial da pie precisamente al momento en el que la cinta hace honor a su nombre y recrea el segmento de Fantasía.

Entre lección y lección, Dave va estrechando lazos con Becky (Teresa Palmer), esa amiga de la infancia por la que siempre estuvo coladito (el detalle de la notita tiene su gracia, tanto al inicio como al final).

A lo largo del metraje se van sucediendo también los enfrentamientos entre los magos, procurando así que el camino hasta el climax final sea lo suficientemente entretenido como para el espectador no se aburra.

En ese sentido, las secuencias más cañeras están bien rodadas y con unos efectos especiales competentes, aunque tampoco nada que no hayamos visto antes. De todas maneras, no olvidemos que estamos ante un film familiar, con lo que la épica y la acción son bastante contenidas, más teniendo en cuenta que se maneja una historia muy localizada.

Algunos de los trucos u hechizos que utilizan los magos son llamativos, aunque básicamente sus duelos se basan en la telequinesis y en lanzarse ‘Kame Hames’ (de hecho, la batalla final entre Dave y Morgana es puro Dragonball). En ese aspecto, quizás es demasiado reiterativa y se le habría podido sacar más jugo.

Del reparto apenas hay quejas, ya que tampoco hay mucho que exigirles.

Nicolas Cage, que luce una estrafalaria indumentaria a medio camino entre un brujo y un vagabundo, hace un trabajo aceptable. Su Balthazar es bastante campechano, y el actor parece encontrarse a gusto en el papel. Quizás sea difícil recuperar al Cage de los 90, pero al menos esta vez, como en ‘Kick-Ass’, le echa un poco de ganas (sin caras de acelga ni molestos histrionismos).

A Jay Baruchel el papel de chico del montón y sin demasiada suerte con las chicas le viene que ni pintado. Con su físico y su soltura en estos papeles, hace de Dave un simpático empollón.

Al igual que en ‘She’s Out of My League’ (típica y tópica comedia romántica juvenil que, inesperadamente,  se deja ver con agrado), lo vuelven a emparejar con otra rubia pibón. En este caso, con la guapísima Teresa Palmer, con la que congenia bastante bien en pantalla. La chica, además, cumple con su rol.

El genial Alfred Molina es el villano de la función, pero tampoco es demasiado cruel dadas las características del film y el público al que va dirigido. Su Horvath y el Balthazar de Cage están a la par en poderes, así que el que más le teme es Dave. Un malo maloso un tanto infantil, pero con su toque cínico.

Toby Kebbell es Drake Stone, el estrafalario -y ridículo- ayudante de Horvath. Su personaje podía haber dado algo más de sí, pero tampoco está mal.

Alice Krige apenas tiene minutos en pantalla, por lo que poco importa quién interpretase a Morgana. De hecho, su duelo final con Dave es un tanto breve y no alcanza las cotas de espectacularidad que quizás requería la película.

Más de lo mismo para una casi anecdótica aparición de Monica Bellucci, que luce sus exuberantes 45 primaveras y poco más.

‘El aprendiz de brujo’ es una tontorrona pero entretenida película de aventuras para toda la familia. No molesta pero tampoco entusiasma. Quizás con el 3D de turno hubiera rascado algo más de taquilla (cosas peores se han estrenado y han arrasado con el añadido estereoscópico).

P.D.: Atención al guiño a Toy Story y a la escena tras los créditos, la cual no dice nada que no imagináramos ya en el desenlace.

En ella, un comando de mercenarios contratados por la CIA era enviado a la selva Centroamericana en una supuesta misión de rescate. A su llegada, se daban cuenta que alguien o algo les observaba muy de cerca, y no eran precisamente los guerrilleros a los que debían hacer frente.

Tras cumplir su objetivo sin bajas, el viaje de regreso se convertía para ellos en un verdadero infierno debido a la desafortunada presencia de un implacable cazador alienígena dispuesto a aniquilarles uno a uno.

El film fue un rotundo éxito de taquilla y terminó de afianzar a Arnold Schwarzenegger, su estrella protagonista, como héroe de acción, a la vez que servía como magnífica carta de presentación -dentro del género- para su director, John McTiernan, que a posteriori se convertiría en uno de los mejores artesanos -para mí el mejor- de su época, con títulos a sus espaldas como ‘La jungla de cristal‘ (1988), ‘La caza del Octubre rojo’ (1990) o ‘El último gran héroe’ (1993), entre otras.

La monstruosa criatura venida del espacio, el Predator, se convertiría también, por derecho propio, en uno de los alienígenas más míticos de la historia del cine, junto al ya por entonces célebre Alien de Ridley Scott.

Como toda película de éxito que se precie, la secuela no tardaría mucho en llegar (amén de las copias y plagios que también originó).  Desgraciadamente, tanto Schwarzenegger como McTiernan tenían la agenda ocupada, así que hubo que hacer retoques en el guión (eliminar al personaje de Dutch/ Schwarzenegger, por ejemplo)  y buscar reemplazos.

La dirección recayó en el jamaicano Stephen Hopkins, cuyo anterior trabajo había sido la quinta secuela de la saga Pesadilla en Elm Street. El papel destinado al austriaco fue convenientemente modificado y adjudicado a Gary Busey, actor que después de interpretar al  villano de ‘Arma Letal’ volvería a coincidir aquí con Danny Glover, asumiendo este último el rol protagonista de la película.

El cambio de escenario (la exótica jungla centroamericana por la ‘jungla de asfalto’ de Los Ángeles), de estrella principal y de director no pareció jugar muy a su favor, y el resultado en taquilla fue desalentador.

Aún cubriendo costes, la película no llegó a ser un éxito y fue -injustamente- denostada por público y crítica (aunque estos últimos tampoco es que fueran muy indulgentes con la original), lo que anuló cualquier posibilidad de continuar la saga.

Cierto es que comparándola con su predecesora, esta segunda parte resultaba inferior (ya tenía las de perder…), pero no por ello era una nefasta continuación, sino más bien un estimable entretenimiento que, entre otras cosas, amplió la mitología del personaje.

De hecho, el guiño al cráneo del alien de Scott propició el crossover comiquero, el cual años más tarde nos devolvería, con peor fortuna ahora sí, a Depredador a la gran pantalla (aunque a estas Alien vs Predator habría que darles de comer a parte).

Para volver a ver en solitario a una de las criaturas más emblemáticas y mortíferas de la ciencia-ficción, ha habido que esperar 20 años. Y he aquí el resultado.

Un grupo de guerreros de élite son arrojados a una selva sin saber cómo ni quién les ha capturado  y llevado hasta ese lugar. Desconcertados pero bien armados, formarán una piña para intentar averiguar qué es lo que ha ocurrido y por qué les han juntado sin despojarles de sus armas. Cuando descubran que han sido llevado a otro planeta para servir de presa de unos cazadores alienígenas, empezará la lucha por la supervivencia.

Con la excepción de un médico desprestigiado, todos ellos son unos desalmados asesinos -mercenarios, yakuzas, presidiarios, miembros de escuadrones de la muerte-, ‘depredadores’ humanos que ahora serán cazados y eliminados sistemáticamente por otra raza depredadora superior. Sólo los más fuertes y astutos podrán sobrevivir.

Si algo funciona, ¿para qué cambiarlo? Eso debió pensar Robert Rodríguez cuando allá por  el 94 le encomendaron la escritura de un guión para continuar la saga de Depredador.

El director y guionista mexicano afrontó la petición buscando repetir las claves del éxito del film original (del cual se considera ferviente admirador). Para ello, nada mejor que mantener la misma fórmula de ‘grupo de mercenarios vs alienígena’, pero aportando ideas propias y aumentando el número de ‘depredadores’ que iban a dar caza a las presas humanas.

Los cimientos de ese guión son los que, años más tarde y con un poco de reescritura, han servido para crear ‘Predators’.

Ejerciendo de productor y supervisor, Rodríguez ha dejado las riendas del proyecto en manos de Nimrod Antal, director húngaro americano que después de Kontroll, se debut tras las cámaras, comenzó a dar sus primeros pasos en Hollywood con películas de bajo presupuesto y escasas pretensiones como ‘Habitación sin salida (Vacancy)’ y ‘Blindado (Armored)’ (Curiosidad: el título -original- de todas sus películas hasta la fecha lo forma una única palabra).

La cinta que nos ocupa es otra serie B en su filmografía, pero no es cualquier serie B. Es la secuela de una de las películas de ciencia-ficción y acción más emblemáticas de los 80 (y de todos los tiempos), por lo que aquí su trabajo y el de Rodríguez iba a ser observado con lupa.

Como ya he mencionado en párrafos anteriores, la fórmula inicial concebida por los hermanos Thomas se repite aquí con mayor o menor similitud y acierto.

De nuevo, tenemos a un grupo de tipos duros armados para hacer frente a la amenaza. La diferencia estriba en que ya no son un comando de élite acostumbrado a trabajar juntos sino un grupo de asesinos y mercenarios habituados a combatir por su cuenta contra el enemigo.

Otra diferencia -y no serán pocas-,  es que no se encuentran en una jungla terrestre (aunque la fauna bien podría hacernos creer que sí…), sino en un planeta que sirve a los predators como coto de caza para soltar a sus presas, ponerlas a prueba y luego cazarlas y despedazarlas.

Por supuesto, el aumento de ‘cazadores’ es otro factor en contra añadido, por lo que las posibilidades de supervivencia se ven reducidas considerablemente.

Con Royce a la cabeza (el personaje interpretado por Adrien Brody) y a regañadientes, este grupo de guerreros hará frente común a la amenaza en un territorio desconocido para ellos.

La presentación de personajes es rápida pero certera. De hecho, no se necesita mucho más, ya que algunos de ellos serán mera carnaza para los predators; y a los que logren sobrevivir al primer asalto ya los iremos conociendo a medida que transcurran los minutos.

De todas formas, en una producción de estas características no se necesita mucho más, y con cuatro pinceladas que definan bien a nuestros protagonistas (desde sus virtudes hasta sus puntos flacos), nos basta para seguirles con atención a lo largo de la caza.

Los primeros minutos se apoyan en el misterio y el suspense que provoca la situación en sí misma; esa incertidumbre de tener a unos perfectos desconocidos en un lugar inhóspito, sin recordar siquiera cómo han sido traídos hasta allí ni cuál es el propósito de ello.

Para los que ya conocemos a los ’simpáticos’ depredadores, el factor sorpresa es prácticamente nulo, pero aún así la narración que imprime Antal es lo suficientemente eficaz como para mantenernos alerta tanto a aficionados como a ajenos a la franquicia (aunque está lejos del pulso narrativo que tan bien imprimía McTiernan)

Al igual que los cazadores, el espectador observa al grupo para conocer a sus componentes, ve cómo se relacionan entre sí y averigua cómo manejan la desconcertante situación.

Royce es el que llevará la voz cantante y el que trazará el plan que les llevará a descubrir no sólo que se hallan en otro planeta -el menor de sus problemas- sino que han sido capturados como divertimento, como presas de caza de unos despiadados seres alienígenas.

A partir de ahí, lo que viene no es difícil de imaginar: la cacería en estado puro.

Las bazas con las que cuenta Antal son básicamente los hándicaps que afrontan los propios personajes, es decir, el hecho, por ejemplo, de que éstos no se conozcan y deban confiar entre sí, pudiendo ser engañados o traicionados en cualquier momento, lo que supone un aliciente para al espectador al no poder ‘fiarse’ de ellos ni saber cómo van a reaccionar (aunque el supuesto golpe de efecto final se ve a leguas desde el principio).

Luchar en un terreno que, al contrario que sus cazadores, ellos desconocen por completo, será otra desventaja, aunque a éste no se le saca demasiado partido, ya que la selva es un elemento muy secundario, y aquí no supone una amenaza en sí misma, más allá de lo que supondría cualquier otra selva terrestre (podrían haber aprovechado para hacer del planeta un enemigo más).

Pero quizás lo peor para ellos y lo mejor para nosotros sea el aumento de cazadores y la aparición, por vez primera, de sus ‘perros de caza’, unos bicharracos con muy malas pulgas -y tan o más feos que los propios predators-, que amplían un poco más la mitología del universo predator (además de otro detalle que más adelante se nos desvelará).

El guión es tan esquemático y sencillo como pudiera serlo el de ‘Depredador’, y a su vez, tan efectivo y acorde con sus pretensiones como aquél. Esta es una película de acción, y por ello, ésta es la que prima la mayor parte del tiempo.

Vale decir que, además de bien rodada (Antal sabe muy bien dónde colocar y cómo mover la cámara), está correctamente dosificada a lo largo del metraje, consiguiéndose, además, que los ‘tiempos muertos’ se digieran con facilidad y contribuyan a ensamblar y fortalecer la beneficiosa sencillez de la trama (apuntes sobre el carácter y el pasado los personajes o el proceder de los depredadores, etc.).

La violencia que ostenta no es muy desmesurada y la mayor parte de las amputaciones afectan a los predators, pero aún así, humanos y alienígenas sangran, y eso siempre es de agradecer en un film de estas características.

Hay que apuntar también que los efectos especiales están conseguidos y que el uso del ordenador está limitado a casos muy puntuales.

Se recurre a él tan sólo cuando es realmente necesario (como en la original), dejando que el maquillaje, las caracterizaciones y los trucajes tradicionales hagan la mayor parte del trabajo. Esto le otorga cierto regustillo a producción de los 80-90, notándose así la acertada mano de Rodríguez como productor.

Del reparto tampoco se pueden sacar pegas. Todos cumplen con su papel, lo cual tampoco es difícil viendo que físicamente dan el pego. Incluso Alice Braga, que viendo algunas de sus últimas películas (’Soy Leyenda’ o la bizarra ‘Repo Man’), parece que no le hace ascos al cine de acción.

Obviamente, hay personajes/actores que nos gustaría verlos más tiempo en pantalla (a uno en particular, se le podría haber sacado mucho más provecho) y puede que su presencia nos sepa a poco (no diré nombres para no caer en el spoiler), pero hay que conformarse con lo que hay y agradecer que tengan su pequeño momento de gloria.

También es cierto que, al principio, todos recelamos de Adrien Brody, ya que con su físico y su filmografía no nos cuadraba mucho su fichaje. Sin embargo, el primer trailer despejó un poco nuestras dudas (o al menos las mías), y hay que decir que el actor convence gracias sobre todo al personaje que le han escrito.

A fin de cuentas, la intención no era la de emular al Dutch de Schwarzenegger - cosa, por otra parte, imposible- sino crear a otro tipo de personaje, más del tipo antihéroe, para evitar así las odiosas comparaciones. Eso no quita que acabe también recurriendo al estado más primitivo del ser humano para hacer frente a la bestia parda que es el predator.

De hecho, el desenlace es muy del estilo del original, como casi toda la película.

Y es que Predators bien podría pasar por un homenaje en toda regla de la de McTiernan. No sólo por repetir la fórmula de aquella sino también por la cantidad de guiños que nos ofrece y que van desde el armatoste de ametralladora (una mini gatling) que lleva el ruso hasta la referencia directa al suceso de la primera entrega contado por uno de los personajes, pasando por el Yakuza que emula el cara a cara de Billy (el indio de la primera) o la genial canción ‘Long Tall Sally’ de Little Richard que suena en los créditos finales y que, recordemos, sonaba mientras Dutch y su equipo viajaban en helicóptero hacia la selva.

No podemos negar que si esta secuela funciona, es gracias a todos esos elementos, además del buen oficio delante y detrás de la cámara.

La secuela de Antal se situaría entre la primera y la segunda entrega (anclada ésta en una especie de futuro cercano), si bien no es necesario haber visto a su predecesora para ponerse al día, ya que la información necesaria nos viene dada en la propia película, amén de empezar siguiendo la misma pauta de no mostrar al bicho hasta bien entrados en materia.

Se respetan, además, todas las características básicas del Predator (visión térmica, imitación de sonidos, camuflaje invisible, etc.) y se aporta alguna de nueva, que nunca está más.

‘Predators’ es, por tanto, una digna y satisfactoria secuela de la saga y una monster movie francamente disfrutable.

Es el mejor regreso que podría tener el depredador a la gran pantalla, y viendo cómo dejan claramente la puerta abierta a la secuela, ¿quién no se apuntaría a otra? . Un servidor lo tiene claro: rotundamente sí (y quizás, con un poco de suerte, en la cuarta veamos el planeta Predator en todo su esplendor, aunque eso ya lo veo un poco difícil, a menos que aumenten considerablemente el presupuesto).

Tampoco tardó mucho en convertirse en una pequeña pieza de culto para los aficionados al subgénero licántropo.

Tres años más tarde, y contando con el mismo presupuesto (3,5 millones de dólares), rodó ‘The Descent’, un brutal y claustrofóbico survival con el que demostró que la precariedad de medios no era un impedimento para hacer una buena película (y cuya secuela directa a DVD, ya sin Marshall, es bastante más decente de lo uno esperaba).

Cuando su nombre ya empezaba a coger fuerza, llegó la fallida ‘Doomsday’, bizarrada repleta de acción que, aunque entretenida, se perdía entre demasiados homenajes y guiños, dejando, en el mejor de los casos, un sabor agridulce en el espectador (no fueron pocos los que directamente la tacharon de bodrio).

Y ahora, dejando claro que se atreve con cualquier género (más o menos…), Marshall nos trae una de romanos… . _.

En el año 117 de nuestra era, en Bretaña, un grupo de soldados romanos lucha por salvar sus vidas tras un salvaje ataque a su fuerte fronterizo por parte de la tribu de los pictos. Quintus Dias (Michael Fassbender), el único superviviente de la masacre, termina uniéndose en su huida a la legendaria IX Legión del general Virilo, que se dirige hacia el norte para aniquilar al enemigo.

Tras otro duro ataque sorpresa, la legión se ve mermada, y tan sólo quedan en pie unos cuentos soldados, que liderados por el propio Quintus, tratarán de rescatar al capturado general Virilo y llegar a la frontera antes que las hordas guerreras de la fiera y vengativa Etain (Olga Kurylenko) acabe con todos ellos.

‘Centurión’ no es un péplum al uso ni esa épica película de romanos al estilo Gladiator que parecen estar vendiéndonos por televisión (y flaco favor que le hacen, la verdad). Lo que tenemos aquí no es más que otro survival en la misma línea que el resto de trabajos del director, con un pequeño grupo de personas haciendo frente a un feroz enemigo.

Que esta vez la historia se ubique en la antigua Roma es casi lo de menos, ya que bien podría haberse situado en otra época (el far west o la actualidad) y lo único que cambiaría sería el vestuario, algún que otro escenario y poca cosa más. A fin de cuentas, casi toda la acción transcurre en el bosque, lo que entre otras cosas, convierte los bellos parajes de Escocia en un protagonista más.

El pretexto de ver a los pictos repartiendo estopa a los romanos es poder ver hachazos y desmembramientos a tutiplén. Toda arma blanca que se precie le sirve a Marshall para mostrar con excelsa brutalidad las batallas entre ambos bandos.

Y ahí es donde el director se desmadra -para bien- y donde encontramos el mayor -por no decir el único- aliciente que nos depara la hora y media de metraje (al menos la versión exhibida aquí, pues al parecer habría otra extendida de 130 minutos).

Las combates son violentos y extremadamente sanguinarios, destacando por encima de todos el ataque sorpresa a la novena legión; uno de los más bestias que he visto en mucho tiempo, al menos en un film de estas características.

Quizás la hemoglobina digitalizada -muy de moda últimamente- desvirtúe un poco estas secuencias, pero por lo demás, éstas se distribuyen de forma compensada en el transcurso de la historia y son bastante cañeras y disfrutables. Lo peor, quizás, es que también resultan un tanto reiterativas, pues no parece haberse sacado mucho provecho al escenario -salvo el momento de los lobos-, y la cosa se reduce básicamente a espadazos, flechazos y hachazos.

De todas maneras, entre ésta y ‘Los Mercenarios’ de Stallone, la cartelera queda (re)compensada por todo el PG 13 que tenemos que tragar a lo largo del año (y a la espera estamos de que ‘Machete’ y ‘Piraña 3D’ llenen el cupo de gore anual).

Donde realmente flojea Marshall es en la pretendida profundidad que quiere otorgarle a la historia y al personaje principal, sirviéndose, entre otras cosas, de la voz en off de Quintus (o Quinto). Y si bien ésta no molesta, tampoco se puede decir que logre su propósito.

Con haberse limitado a la acción y aventura propias de la cacería humana que nos propone el director/guionista, hubiera bastado. Y aunque, por otra parte, se vea con buenos ojos que quiera hacer un producto menos superficial y con algo más de chicha, lo cierto es que no lo consigue del todo, y hay momentos en que eso afecta un poco el tono general de la película y también al ritmo (un tanto irregular).

Si a eso le añadimos una historia de amor metida con calzador y que bien podría haberse ahorrado (aunque tampoco moleste en exceso), nos queda un producto un poco descafeinado aunque entretenido, dentro de sus límites y pretensiones.

Los personajes son esquemáticos, así que en este aspecto, quizás lo más destacable sea que esta vez el rol de villano principal recaiga en una mujer (rompiendo un poco el estereotipo habitual del macho cabecilla).

Por lo demás, es lo mismo de siempre, así que los actores se limitan a cumplir con lo poco que se les exige, aunque algunos de ellos, como Fassbender o Dominic West (aquí, por raro que parezca, haciendo de bueno) sean capaces de ofrecer mucho más.

Al héroe y a su némesis se les otorgan motivaciones convincentes, lo que hace que al menos no sea acción por la acción, aunque insisto en que el trasfondo no es tan trascendental como se pretende.

A nivel histórico, Marshall, como cualquier otro, se habrá tomado sus licencias. Siendo éste un mero entretenimiento, no creo que a éstas haya que prestarles demasiada importancia, aunque quizás los más eruditos pongan el grito en el cielo en más de una ocasión (supongo que en su pellejo, yo haría lo mismo).

La aún hoy inexplicable desaparición de la Novena Legión en las montañas de Escocia le sirve al británico para inventarse su propia versión de lo ocurrido mezclando realidad y leyenda, y dando rienda suelta a su imaginación (y a la casquería).

Como entretenimiento de serie B que es, ‘Centurión’ cumple sin más, y los pocos medios con los que cuenta no afectan para nada al resultado final, pues tanto la ambientación, como las caracterizaciones y el trabajo de fotografía, son complacientes.

Ahora bien,  para un servidor no deja de ser una ligera decepción, pues esperaba bastante más de Marshall. Veremos si en su próximo proyecto (’Burst 3D’) remonta y consigue de nuevo el buen pulso mostrado en The Descent, pues desde aquella, parece que el director ha ido a menos.

Y es que la siempre cotizada Angelina Jolie se hacía con el papel principal en este thriller de espías, por lo que el nombre del protagonista pasaba de ser un hombre (Edwin) a una mujer (Evelyn), obligando así a su guionista, Kurt Wimmer, a reescribir el guión para hacer encajar este cambio de sexo en la historia.

Lo que iba a ser un vehículo para lucimiento exclusivo de Cruise pasó a ser exactamente lo mismo para Jolie, algo que ya queda bastante claro tan sólo con ver el cartel que luce la película, siendo la actriz el principal y único reclamo de ésta.

En cierto modo, quizás esta sustitución haya beneficiado la taquilla del film, o al menos en lo que se refiere a la doméstica, ya que por estas fechas lleva recaudados 96 millones de dólares, 22 millones más de lo que ha hecho, por ejemplo, ‘Noche y Día’ de Cruise, llevando esta última un mes más en cartelera.

Claro que, aún siendo ambas películas de acción y espías, también son dos propuestas distintas, por lo que habría que tener en cuenta otros factores, como el tono o el público al que van dirigidas para saber si realmente el cambio ha sido o no clave en su recaudación.

Por otro lado, habría que añadir la propia calidad de la película, ya que hasta el momento ‘Salt’ ha contado tanto con el favor del público como con el de la crítica.

Y a fin de cuentas, esto es lo que a nosotros nos interesa: la calidad del producto y no lo que éste recaude, aunque viendo lo que ha costado (unos demasiado abultados 110 millones, que en gran parte se deberán al caché de Jolie, porque para lo que se ve, no lucen tanto), seguramente el estudio se preocupe más de lo otro.

Evelyn Salt (Jolie) es una agente de la CIA que juró servicio y lealtad a su país.  Ahora, dicha lealtad se verá puesta a prueba cuando un desertor la acuse de ser una espía rusa. 

Antes de acabar en una sala de interrogatorio, Salt decidirá darse a la fuga. Utilizando todo lo que ha aprendido en sus años de experiencia como agente encubierto, tratará de evitar ser capturada y buscará probar su inocencia ante el FBI y su propia agencia. Sin embargo,  su comportamiento aún sembrará mayores dudas acerca de su verdadera identidad.

La pregunta sigue en el aire: ‘¿Quién es Salt?’. 

Pues Salt es una espía que se pasará gran parte de la película huyendo del FBI y de la CIA, a la vez que tratará de resolver ella solita el entuerto en el que le ha metido el presunto desertor.

La película es un ‘non stop’ desde el momento en que se descubre que Salt podría ser una espía rusa. A partir de ahí, el ritmo es intenso y trepidante, sin dejar apenas respiro al espectador.

La presentación de los personajes es rapidita, por lo que enseguida se entra en el meollo de la cuestión.  Justo después de revelarse la posible identidad oculta de la protagonista, es cuando empieza una carrera a contrarreloj en la que no sólo peligrará su vida sino también la de altos cargos políticos.

Como guionista, Kurt Wimmer es capaz de lo mejor (’El Secreto de Thomas Crown’, Equilibrium’) y de lo peor (’Esfera’, ‘Ultravioleta’).

En general, se decanta por los thrillers, y aunque de buenas a primeras sus premisas suelen ser apetecibles, siempre hay algún momento en que la cosa se le va un poco de las manos. A menudo, suele ser la inverosimilitud con la que lleva a cabo la resolución final. Y aquí, desde luego, no es la excepción, aunque entraría dentro de los límites aceptables (no como en ‘Un ciudadano ejemplar’, cuyo desenlace manda al garete una película de venganzas de lo más disfrutable).

Aún así, la trama está más o menos bien construida y se aguanta la mayor parte del tiempo sin ponerle demasiadas pegas. Además, el ritmo es frenético y la acción constante, con lo tampoco hay mucho tiempo para relejarse y darle al coco, y menos con unos ajustados 100 minutos, duración que a un producto de estas características le sienta de perlas.

Existe el siempre agradecido -y mayormente fallido- intento de jugar un poco al despiste sobre la verdadera identidad e intenciones de la protagonista, pero está claro que visto un thriller, vistos todos, y uno sabe perfectamente el papel que va a desempeñar Jolie.

Por ello, casi cualquier intento de sorprender al espectador con algún giro de guión o golpe de efecto termina cayendo en saco roto, aunque se las apañe suficientemente bien para que al menos resulten complacientes.

Las pretensiones de darle algo de profundidad a Salt y a su relación con su marido se quedan en el mero intento, ya que en ese aspecto es una película bastante hueca. Lo importante es ver como la protagonista se las apaña para poner en jaque al FBI y a la CIA, y comprobar que más que una espía, es una superespía a la que no se le resiste ningún obstáculo.

Angelina Jolie tiene sobrada experiencia en este tipo de papeles, así que no le cuesta mucho ponerse en la piel de la protagonista. Está bastante habituada a poner cara de perdonavidas y a empuñar un arma, aunque con esa acusada delgadez de la que hace gala, algunas piruetas se me antojan excesivas (los saltitos por la autopista… )

La actriz está bien acompañada por Liev Schreiber y Chiwetel Ejiofor, quienes interpretan a sus perseguidores y que se limitan a cumplir como secundarios de turno, ya que el peso de la cinta recae básicamente en ella.

Phillip Noyce (que ya trabajó con Jolie en la correcta ‘El coleccionista de huesos’) es un director bastante irregular, pero también es un tipo con bastante oficio si el guión acompaña, y su forma de rodar a la vieja escuela es lo que le da un cierto toque a thriller de los 90.

Además, las escenas de acción están resueltas eficazmente y sin demasiados aspavientos, y tirando más de dobles que de ordenador, lo cual siempre aporta algo de credibilidad -por muy fantasmona que sea la secuencia- a lo que uno ve en pantalla.

Como ya he sugerido anteriormente, el mayor achaque que le podemos hacer a la película es el final, dado que algunos detalles resultan un tanto inverosímiles o pillados por los pelos SPOILERS — la máscara a lo Misión Imposible, que en la saga de Ethan Hunt el tono fantasioso y el hecho de recurrir a los propios actores ayudaba a dar el pego, mientras que aquí es bastante risible y no cuela; los saltitos que Salt se pega en el ascensor;  el argumento que justifica el ‘cambio’ de bando de Winter/Schreiber o lo poco convincente que resulta que el agente de la CIA deje marchar a Salt para llevar a cabo su personal venganza, y dar así paso a una futurible secuela — FIN SPOILERS.

De todas formas, son pequeñeces para un film de carácter claramente palomitero. Un thriller de acción sumamente entretenido y bien ejecutado, aunque a veces ralle lo imposible o recuerde a otros (como El Fugitivo, La sombra de la sospecha o la mismísima saga Bourne).

De todas ellas, ésta es la que tiene a la pareja protagonista más joven, pero en vista de su taquilla actual, no parece que eso sea mucho reclamo para el público.

Ésta es su trama: Jen es una técnica informática que llega de vacaciones a Niza acompañada de sus padres con la idea de recuperarse de una dolorosa ruptura sentimental. Spencer es un superagente secreto que llega a la ciudad francesa para llevar a cabo una misión.

Ambos se hospedan en el mismo hotel, y cuando coinciden en el ascensor, surge entre ellos el amor a primera vista (el torso desnudo de él habrá influido lo suyo).

Spencer, harto ya de su trabajo, decide sentar cabeza junto a Jen, así que tras unas románticas vacaciones, acaban casándose.

Tres años después, la pareja disfruta de un idílico matrimonio… hasta que el pasado de él surge de forma tan imprevista como molesta. Al parecer, alguien ha puesto precio a su cabeza.

A Spencer no le quedará más remedio que sincerarse con Jen e intentar averiguar quién le desea ver muerto y porqué. Por si el hecho de hacer frente a un grupo de asesinos no fuera suficiente, el ex agente deberá preocuparse también de salvar su matrimonio.

El director Robert Luketic prosigue con la comedia romántica, género al que más atención le ha dedicado a lo largo de su carrera. Debutó primero con la exitosa ‘Una rubia muy legal’, y otras tantas le siguieron hasta llegar a ‘La cruda realidad’, su película más taquillera hasta la fecha (205 millones de dólares de recaudación por tan sólo 38 de presupuesto)

El interesante thriller ‘21 Black Jack’ (su trabajo más decente) ha quedado ya como un mero espejismo dentro de su filmografía.

Precisamente, por lo poco que invierte en sus películas y lo mucho o bastante que, en comparación, suele recaudar, los productores debieron pensar que sería el director ideal para una nueva comedia, pero añadiendo esta vez unos toques de acción, algo que sin duda permitiría ampliar el rango de público al que va dirigida. Pero parece que el tiro -nunca mejor dicho- les ha salido por la culata… .

Luketic vuelve a tener bajo sus órdenes a Katherine Heigl, actriz que ha vivido una resurrección profesional gracias a la serie ‘Anatomía de Grey’, lo que le ha permitido volver a la gran pantalla y ser considerada como la nueva ‘novia de América’ (título que han ostentado actrices como Julia Roberts, Sandra Bullock o Meg Ryan)

Como pareja, nadie mejor que otra cara guapa y joven de Hollywood, Ashton Kutcher, otro al que le van las comedias.

Ambos encabezan el reparto de ‘Killers’ en los papeles de Jen y Spencer, respectivamente. Físicamente dan el pego, pero no se puede decir que haya mucha química entre ellos.

Heigl se esfuerza tanto en no perder la compostura, no despeinarse y estar sexy en cada plano, como en caer simpática al espectador.

Lo cierto es que a la actriz se le da bien la comedia, por lo que su actuación es convincente, aunque de vez en cuando haya momentos en los que nos saque de quicio con sus chillidos y su autoritarismo (si bien he de admitir que su presencia es más soportable de lo que pensaba en un principio, a juzgar por el trailer).

Ashton Kutcher, que resuelve con fortuna las escenas de acción, es un cero a la izquierda al lado de ella. El actor se muestra bastante apático la mayor parte del tiempo, y no parece creerse demasiado su personaje (aunque con lo que le han escrito, tampoco me extraña).

En films como ‘El Efecto Mariposa’ o ‘The Guardian’ lo he visto más acertado que aquí (incluso haciendo de lerdo en ‘Colega, ¿Dónde está mi coche?’ o en la serie ‘Aquellos maravillosos 70′).

De todas formas, la trama urdida por Bob DeRosa y Ted Griffin tampoco es que sea gran cosa, con lo que un actor mejor hubiera servido de poco.

‘Killers’ es una especie de mala copia de ‘Mentiras Arriesgadas’ mezclada con un poquito de ‘Sr&Sra Smith’. No le llega ni a la suela de los zapatos a la de Cameron, pero quizás para algunos se haga más digerible que el espantoso vehículo para lucimiento de ‘brangelina’, lo cual tampoco es decir mucho.

Los primeros minutos ya nos indican por dónde van a ir los tiros. Tiene algunos momentos dignos de postal romántico-pastelosa (aquellos en que la parejita empieza a conocerse), pero dentro de lo que cabe, tampoco son una mala carta de presentación para el que asiste a la sala sabiendo a lo que va.

Luego la película se desmadra un poco y se va volviendo más boba a medida que transcurren los minutos, saliendo asesinos hasta de debajo de las piedras para acabar con Spencer (aunque eso más o menos está justificado)

No le vamos a negar que tiene algún que otro momento lúcido y hasta simpático (la escena del supermercado), pero en general no ofrece nada que no hayamos visto antes y mejor.

Luketic tampoco está muy acostumbrado a las escenas de acción, y eso se nota, por lo que no hay ninguna que sea realmente destacable. Un par de persecuciones (a coche y a pie) sin demasiado interés y unos cuantos tiroteos en la misma línea.

Lo mejor son un par de enfrentamientos cara a cara entre Spencer y sus verdugos, que están bastante bien coreografiados.

Eso y algunas discusiones de pareja con cierta chispa hacen más distraída la cinta. Ahora bien, el intento de rematar la trama con un giro final sorpresa es de lo más lamentable y no se lo deben creer ni los propios guionistas.

Tom Selleck y Catherine O’Hara también andan por ahí como los veteranos secundarios. Cuentan con un papel más bien reducido, aunque tienen su gracia (sobre todo O’Hara como la madre alcohólica de Jen).

Por lo demás, ‘Killers’ es una pobre y tontorrona comedia de acción y romance que está muy por debajo de sus semejantes, aunque aburrir no aburre.

Recomendada exclusivamente a los fans de Heigl y de Kutcher.

Comenzad por ‘Acorralado’ (1982), su secuela (1985), e incluso ‘Rambo III’ (1988); añadidle ‘Cobra, el brazo fuerte de la ley’ (1986); y agregadle incluso ‘Tango y Cash’ (1989) por poner la dosis correspondiente de humor entre compañeros.

Incluid también en el paquete lo último de Sly, ‘John Rambo’ (2008).

También coged lo que tengáis guardado de Jason Statham y Jet Li. No sé, de Jason toda la franquicia ‘Transporter’, y también la saga ‘Crank’, y de Li ‘El beso del dragón’ (2001) y ‘El asesino’ (2007), por eso de tener a los dos citados actores en la misma película.

Y ahora, mezclad todas estas cintas como si fuera un cocktail explosivo, nunca mejor dicho.

Lo que os salga de ese mix será ‘The Expendables’ (’Los Mercenarios’), una bebida afrodisíaca con gusto y regusto al cine de acción los 80. Un reconstituyente para aquellos que no les termina de entonar el nuevo ‘mojito’ de filmes del género.

Y es que este filme tiene los mismos elementos cinematográficos que todos los anteriores largometrajes que figuran como marcas de guerras victoriosas en el currículum vitae de los protagonistas de esta función, con mayor influencia las de Stallone.

Es el entretenimiento hecho celuloide, la adrenalina convertida en palomitas, la tensión transformada en pelotazo de refresco.

Ya, lo sé, algunas de aquellas películas de Sly tenían un aire a truñazo que tiraba de espaldas, rozando las más viejas la línea de la serie B, pero a mí particularmente me gustaba aquel cine ‘artesanal’ donde todo parecía más auténtico, a pesar de las fantasmadas a tutiplén y esas frases geniales de tipos duros que han pasado a la gloriosa historia sonora de nuestro cine (veáse aquí, por ejemplo, el ‘porque yo lo valgo’ de Statham, y la conversación de kedada de chuache y Stallone en la iglesia).

‘Los Mercenarios’ es una más de esas cintas, y sobra decir que está pensada para unos espectadores muy concretos, que abundan eso sí en todo el mundo: todos aquellos que disfrutan de un largometraje ‘de los de antes’ con ciertas actualizaciones (cámara al hombro a pie de acción y violencia extrema y explícita), voluntariosa, y sin más pretensiones que tenerte con la tensión a mil, el corazón en un puño y el cerebro gustosamente atontado con valeriana durante unas dos horas de puro trallazo.

Bah, el argumento no importa, y menos cuando es el de siempre: pequeño equipo de muchachotes experimentados en hacer ‘trabajitos’ de guerrillas por pasta, desarraigados, liderados por el mejor (Barney Ross), capaces de acabar ellos solitos con un ejército completo de soldados armados hasta las muelas, con el encargo remunerado de dar muerte a su jefe malote (un dictador de un país sudamericano, otro clásico), y con una chica buenorra de por medio en peligro que tiene colado al protagonista, y que es el punto débil que aprovecha el villano de turno para cogerle por los güitos.

A todo eso le metes un complot, explosiones, tiros hasta hacernos reventar los oídos, lucha salvaje cuerpo a cuerpo con desmembraciones, y un poquitín de humorcete para desatascar tralla, y montas películas de este rollo a miles.

Lo que ocurre es que ‘Los Mercenarios’ tiene el valor añadido (= gancho comercial confesado) de que cuenta con un grupete de actores carismáticos, de la antigua y nueva escuela, que conforman un reparto como si fuera el de un equipo de la Champion League: el propio Sly, Arnold Schwarzenegger, Mickey Rourke, Jason Statham, Jet Li, Randy Couture, Terry Crews, Dolph Lundgren y Eric Roberts.

Oid, y todos sorprendentemente en forma. Al menos no se nota apenas (sólo en primeros planos) que son perros viejos en esta industria y que han pasado demasiado tiempo en secano.

Ellos son los que van a atraer el movimiento fan que llenará las salas de todo el mundo, como debemos de suponer. Es lo que quería Stallone, y sólo le han faltado los recordados Steven Seagal y Jean-Claude Van Damme, para que esta película fuera histórica por reunir a tanta megaestrella del antaño ’star-system’ de acción. De eso se beneficiará la nueva entrega, si al final se hace.

De hecho, si no fuera por esa reunión de amigotes cincuentenarios-sexagenarios, y de no estar firmado por Sly, ‘Los Mercenarios’ sería un hit del DVD.

Hay escenas muy bien coreografiadas y montadas, bastante espectaculares (SPOILER el ataque aéreo al embarcadero de la isla de Villena es un pasote FIN DE SPOILER), pero algunas otras son dignas de las producciones de la mítica The Asylum que hasta sonrojan un pelín.

Es más, de todo el citado reparto, los protagonistas reales del largometraje son Sly, Statham y Jet Li. La cacareada escena de Stallone, Bruce Willis y Arnold Schwarzenegger es para el recuerdo, pero es el único momento en que coincidirán en la película, y lo de Bruce y Arnold es un cameo (divertido) en toda regla.

Luego está Mickey Rourke (el colega tatuador de Barney), y Giselle Itié (la muchachilla de la película), que chupan más cámara. Y finalmente Dolph Lundgren, Eric Roberts (algo descafeinado su malvado), Randy Couture y Terry Crews (pedazo de bestiajo su personaje), que hacen un buen relleno.

Todos en definitiva con la interpretación justa y necesaria para soltar con la mínima solvencia  los diálogos ochenteros escritos por el alma mater de esta producción junto con Dave Callaham.

En fin, que hay que ser sincero: para disfrutar plenamente de esta película es necesario saber a lo que se va.

Si no os gusta este tipo cine, el filme os parecerá un truñamen. Si adoráis esta clase de producciones vais a flipar de lo lindo.

Y en eso Stallone ha sido honesto y no ha engañado a nadie.

De ‘Los Mercenarios’ no se puede contar nada más, es lo que es, simple, llena de tópicos y para el puro entretenimiento explosivo y testosterónico de sus fans, ya está, ¿o acaso el que irá a verla esperará otra ‘Origen’?.

La temática zombi se está haciendo muy fuerte sobre todo dentro de la serie B y la serie Z.

Con muy pocos medios, sangre a borbotones y algún que otro argumento descabellado, tenemos película al canto. Pero de vez en cuando, entre tanto subproducto de escaso interés, sobresale una película que, por los motivos que sea, capta nuestro interés.

Y ese es el caso de ‘Dead Snow’ (bautizada aquí con el explícito y poco imaginativo título de ‘Zombis Nazis’ que encabeza esta crítica), una cinta de serie B procedente de la gélida Noruega, y cuyo mayor reclamo son un grupo de zombis nazis (sic) deseosos de hincarle el diente a unos jóvenes excursionistas.

El punto de partida es simple y tópico hasta la médula (como casi toda la película): _

Un grupo de amigos decide pasar unos días de fiesta en las nevadas montañas de Oksfjord (Noruega), instalándose en la cabaña de la novia de uno de ellos. Todo son risas, cerveza, cachondeo y algo de sexo, hasta que un tipo misterioso, salido de la nada, aparece para contarles una terrorífica historia que tiene que ver con el lugar. Los jóvenes procuran no tomarse demasiado en serio las advertencias del extraño, quién sugiera que el lugar está maldito desde tiempo atrás.

Sin embargo, pronto las palabras del misterioso individuo empezarán a tener a sentido… .

No es la primera vez ni tampoco será la última que los nazis se convierten en decrépitos zombis sedientos de sangre. Sus orígenes datan ya de los años 70 y 80, con casposas producciones como ‘Shock Waves’ (1977) o la francesa ‘Le Lac Des Mors-Vivants’ (1980). Si bien la inglesa ‘El Bunker’ sería uno de los ejemplos más recientes -y decentes- de esta corriente zombi-nazi.

En todo caso, la particularidad de ‘Dead Snow’ reside en su procedencia noruega, ya que pocos son los films de dicho país que consiguen causar un poco de revuelo en la blogosfera (la muy correcta ‘Cold Prey’ sería uno de esos casos aislados).

Pero gracias a su bizarro argumento y a un tráiler prometedor, la película de Tommy Wirkola consiguió llamar nuestra atención y crear una notable expectación entre los aficionados al subgénero zombi.

Obviamente, las distribuidoras de nuestro país tienen la mirada tan puesta en la industria yanqui, que muy pocas veces este tipo de películas llegan a nuestras carteleras (aunque sí se pudo ver en el pasado Festival de Sitges). A lo sumo y con un poco de suerte, acaban directas a DVD.

Sin embargo, recientemente DeAPlaneta -que ya nos trajo producciones  como ‘Infectados (Carriers)’, ‘Pandorum’ o la fantástica e infravalorada ‘Outlander’- adquirió los derechos de distribución, con lo que aquellos que estuvieran deseando verla en pantalla grande, ahora tendrán su oportunidad.

Esta adquisición probablemente haya estado motiva por la buena recepción y positivos comentarios que la película ha generado en Internet, pues son muchos los que abandonando toda esperanza de verla en pantalla grande, se espabilaron en disfrutarla por su propia cuenta.

Tanto retraso puede repercutir negativamente en su estreno, dado que una buena parte del público al que va dirigida ya ha tenido el placer de verla.  Y es que muchas veces no se apuesta por estos productos hasta que es demasiado tarde. Aunque como reza el dicho, ‘más vale tarde que nunca’.

De todas maneras, la cinta en cuestión tampoco es que vaya más allá de ser un simple y simpático producto de videoclub para echarse unas risas con los amiguetes (o a solas, si así se tercia).

Los primeros minutos son el obligado preámbulo en el que se nos pone en situación y se nos presenta a los personajes.

Teniendo en cuenta que los protagonistas son un grupo de jóvenes, es de cajón que la mayoría de los diálogos sean banales y a menudo referidos al tema del sexo o del ligoteo. Aún así, Wirkola consigue que los personajes -entre los que se incluye un friki del cine de terror- nos resulten hasta simpáticos.

Y es que a aunque sean simple carnaza para los zombies, es de agradecer que no sean el típico grupo de adolescentes borrachos, fumetas y con encefalograma plano a los que les deseamos la muerte nada más empezar.

Incluso llegado el momento, todos harán acopio de sus fuerzas para hacer frente a la amenaza zombi. Cualquier objeto punzante a su alcance se convertirá en un arma infalible para zurrar y acribillar a todo no-muerto que se cruce en su camino.

Gracias a que no se toma en serio a sí misma, a sus pinceladas de humor negro, a sus eventuales referencias cinéfilas y a su incontrolado gore, ‘Dead Snow’ consigue caer en gracia, convirtiéndose en una divertida propuesta que consigue su objetivo primordial: entretenernos.

No por ello está exenta de ciertos errores argumentales.

Por ejemplo, la presencia del extraño individuo está metida con calzador, justificándose como mera excusa para contarnos el escabroso pasado nazi del lugar, no encontrando sus guionistas un recurso mejor para hacerlo (un viejo diario o cualquier otro detalle, aunque poco original, hubiera sido más acertado que el incrustar a dicho personaje por la fuerza). El por qué el destacamento nazi termina convirtiéndose en zombis también queda sin resolver. Aunque la verdad, poco nos importa.

Pequeños detalles que hubiera que pulir, pero aún así, insignificantes para perjudicar el desarrollo de la trama.

Quizás lo peor sea la torpeza con la que se filman algunas secuencias de acción y la excesiva fijación que tiene Wirkola por los intestinos. Pero por lo demás, la cinta entretiene a base de bien.

Guiños a ‘Evil Dead I’ y II (atención al momento de la motosierra y la autoamputación), y a Braindead entre otros; gore a mansalva (litros de sangre salpicando la inmaculada blancura de la nieve) y momentos cómicos hilarantes, son los mayores alicientes de un cinta a la que quizás le podamos reprochar que deje lo mejor para el final.

Eso sí, esa sádica traca final es bastante disfrutable y logra compensar la espera (aunque gracias a alguna que otra muerte y a ciertos momentos de lograda tensión dentro y fuera de la cabaña, tampoco se puede decir que su primera hora se haga pesada, ni mucho menos).

Tras debutar con una parodia del ‘Kill Bill’ de Tarantino (y que prefiero ahorrarme), Wirkola sorprende con una descabellada y sangrienta película de zombis nazis que hará las delicias de todo buen aficionado al terror cómico y sobre todo al gore.

Ahora bien, tampoco hay que exaltar en demasía sus cualidades, pues dejando de la lado su nacionalidad, no deja de ser un producto un tanto chorra con el que pasar un buen rato.

Sus humildes pretensiones se ven cumplidas, así que esperemos que el director siga en esta misma línea en sus futuros trabajos. Por cierto, ¿alguien duda que, con o sin él, caiga una secuela de ‘Dead Snow’? Pues eso.

Por eso es polémico, porque siempre habrá gente que lo vapulee y otra que se rebele, casi nunca hay un término medio.

La crítica ha sido casi unánime, y ‘Airbender, el último Guerrero’ no ha sido esa redención que se esperaba del director tras ‘El Incidente’, un film que sin ser ningún desastre podía echar bien la culpa a un actor inepto y a una trama que se iba en revesando desde una premisa simple lo que provocaba que al final uno acabara algo chafado.

Eso parece ser la firma más reciente  de Shyamalan: complicarse tanto tanto la vida que todo acaba siendo un tremendo despropósito. No puedo negarle que el estilo es impecable, pero la ejecución empieza a ser desastrosa.

Hace dos años la Paramount Pictures le daba 150 millones a M- Night Shyamalan para lo que iba a ser su ‘reinvención’ como director tras varios palos severos en critica y taquilla. Al ser la primera línea argumental no original del director y estar basada en una serie de dibujos animados todo el mundo vio el posible resurgir de un creador de historias y quizás se ha visto ahogado por su propia visión de ‘cine de autor’.

Eso no significaba que el guión no se pusiera en manos de Shyamalan, y Dios sabe que con todo lo anterior a su favor (presupuesto, estructura de la trama, cine de acción), el director vuelve a pifiarla de principio a fin. Aquí nada queda de el escritor de ‘El Sexto Sentido’ o ‘El Protegido’ y ya podemos compararlo al inefable Justin Marks, uno de los perores del año pasado. ¿Quizás le pedimos demasiado a Shyamalan?, puede que sí.

Aang es el Avatar, ese semidiós que es capaz de controlar los cuatro elementos (agua, aire, tierra y fuego). Con su aparición tras una ausencia de 100 años se desatará su búsqueda por el malvado Principe Zuko (Patel), desterrado de la Nación del Fuego, y cuya necesidad por capturar al Avatar está ligado a su ansiado trono. Aang contará con la ayuda de mientras aprende a dominar sus poderes para el futuro bien del mundo.

No sé cómo es posible que, con una trama a priori básica para construir el primero de una serie de tres largometrajes (o eso querían), uno acaba al final sin poder ordenar las secuencias y toda la historia que nos han querido contar se nos antoja caótica. Shyamalan comienza el film a trompicones, de forma forzada y con la aparición del protagonista salida de la nada para seguir contando su origen, el de sus compañeros y el villano en flashbacks constantes, desordenados y que interrumpen la acción una y otra vez.

Al final uno termina por no saber muy bien cual es el objetivo del grupo y a donde se encaminan. No se puede hacer una película pensando en que tendrá dos continuaciones porque al final, como ocurre en ‘Airbender’, no le encontramos gracia ni a la primera.

¿Que hay que hacer para captar la atención del espectador?, presentaciones cortas, ritmo constante y un mínimo de contenido. Seguramente hay más reglas básicas de cómo hacer un blockbuster veraniego, pero Shyamalan se las come todas con patatas. Hay que pasar todo un tramo aburridísimo de conversaciones estupidas para llegar a una escena de acción, y cuando estas acaban volvemos a lo mismo: diálogos sin sentido y más manidos que un chicle bang-bang.

Es cierto, es cine infantil y sólo deberíamos guiarnos por si es entretenida o no…¿seguro?, porque dudo yo que la Paramount no quisiera pegarle un mordisco a los más mayores. De todas formas ’Airbender’ no es ninguna montaña rusa de emociones (aburre a la par que mantiene el tipo) y el cine infantil no es sinónimo de cine idiota, y a veces creo que Shyamalan no sabe que PARECE que nos esta tomando el pelo.

Por eso lo único que encuentro a favor en ‘Airbender’ es cómo se han invertido los millones en los efectos especiales y cómo se traslada de forma correcta una serie japo americana con tintes anime a la pantalla. Sobre esto último ya hubiéramos querido que Dragonball se hubiera realizado por Shyamalan. Es harto difícil hacer una adaptación en condiciones, pero ‘Airbender’ es todo un ‘anime’ en movimiento. Espectacular la ambientación, vestuario y fotografía, amén de los movimientos básicos de las artes marciales, que aquí no hay patochadas inventadas.

Para cuatro escenas chulas que hay en el film, están tremendamente bien rodadas. Shyamalan no es ningún chapucero y quizás son las mejores secuencias de artes marciales fantásticas que hemos visto en años, con una realmente increíble frente a los guerreros de la Nación de Fuego y la final…pero ATENCION SPOILERS me parece inaudito que el colofón final de ‘Airbender’ con esa ola que se come los barcos malvados sea una de las primeras imagenes que salen en el trailer y en los spots de televisión para vender el film FIN DE SPOILERS.

Cuando tienes que tirar de tu escena estrella para levantar los ánimos, mal vamos.

Del casting mejor ni hablo. Fallo garrafal de Shyamalan en coger a cuatro niños sin dotes de actuación y que parecen hinchados de cafeína y azucar. Si pensáis que el doblaje puede estropear la película no os canséis: en versión original es peor. El protagonista es debutante y quizás no deba salir en nada más, con una forma de recitar sus frases penosa y con menos capacidad interpretativa que un monje budista. El resto, incuido Dev Patel, de risa. Quizás sea porque sus frases no dan para lucirse a ninguno.

Yo se que M. Night Shyamalan considera que no tiene otra forma de hacer cine, pero sinceramente, quizas entonces es que el publico no quiera más cine de ‘éste’ Shyamalan. ‘Airbender’ lleva recaudado 127 millones en los USA y con la taquilla internacional cubrirá su presupuesto lo que significa que ha funcionado bien en taquilla aunque un periódico hablaba hoy de decepción en esos términos.

Sin embargo, si con esta promoción y esa oportunidad de oro uno no llega ni al mínimo puede que sea hora para que Shyamalan se deje de mega-proyectos y vuelva a sus raíces, historias menos pretenciosas y mejor elaboradas. Cada vez que le dan dinero a espuertas se le va la cabeza.

• Vía Pic | septimoarte.net

Lo poco que sabíamos de este nuevo film es que estaría basado en una historia y guión propios, y que se enmarcaría en el género de la ciencia-ficción.

Luego llegaría la frase descriptiva que nos dejaría a todos descolocados: la historia iba a tener lugar en el ‘interior de la arquitectura de la mente’. A saber qué diablos quería decirnos Nolan con eso… .

Poco a poco, y a golpe de fichajes, la película fue cobrando un mayor interés, hasta que por fin llegó el primer teaser. Un avance breve pero impactante que dejó a muchos con la boca abierta.

Ya han pasado meses de eso, y en este tiempo hemos visto el tráiler y nos ha quedado mucho más claro el argumento. Lo último que nos quedaba era comprobar si la calidad de la cinta estaría a la altura de las expectativas. _

Dom Cobb (Leonardo DiCaprio) es el mejor del mundo en el arte de la extracción, es decir, en apropiarse de los secretos del subconsciente justo en el momento en que la mente de la víctima es más vulnerable: durante el sueño.

Su habilidad le convierte en un hombre muy codiciado en el mundo del espionaje corporativo, pero también le ha causado problemas que le han convertido en un fugitivo internacional.

Gracias a la oferta de un inesperado nuevo cliente, Cobb tendrá la oportunidad de redimirse y recuperar la vida que una vez perdió y que tanto anhela. Esta vez, no obstante, la tarea a desempeñar será mucho más complicada, ya que no consiste en sustraer una idea del subconsciente sino en implantarla; lo que suele llamarse como ‘origen’.

Para conseguir su propósito, Cobb reunirá a un eficiente equipo de colaboradores y urdirá un complejo plan con el que introducirse en la mente de su futura víctima. Si la tarea de Cobb es difícil, la mía no es lo menos a la hora de hablaros de esta película sin revelaros más datos de los que necesitéis saber.

Por lo pronto, conviene decir que ‘Origen’ tiene una trama compleja pero no complicada, es decir, que con un poco de atención es fácilmente comprensible, aunque luego en su tramo final vaya enmarañándose sobremanera.

Los propios personajes se encargan de explicarnos cómo funciona el mundo de los sueños y cuál será su tarea en él a la hora de realizar la ‘inception’ que da título al film (lo que para nosotros es origen).

Ya en los primeros minutos nos adentramos de lleno en la historia, lo que puede ser un tanto confuso debido a lo poco o nada que sabemos de la trama. Obviamente, aquí se juega con el factor sorpresa, introduciendo al espectador en la acción nada más empezar, pero sin revelarle los detalles de la misma hasta que el suceso de presentación llega a su fin.

Luego de esto llega el encargo de ‘origen’, lo que llevará al protagonista a reclutar al equipo necesario para llevar a cabo la difícil tarea de introducir una idea en el subconsciente de su víctima. Una idea que debe incrustarse en su cabeza como si fuera propia y que eso le lleve a actuar como ellos deseen.

Lo cierto es que las comparaciones que se han establecido entre la película de Nolan y Matrix no son gratuitas, pero tampoco son exactas.

De hecho, recuerda también a ‘Dark City’ (más que nada porque la película de los Wachowski se ‘inspiró’ en la obra magna de Proyas), ‘La Celda’ o incluso la reciente ‘Shutter Island’, también con DiCaprio (especialmente en el tramo final y en lo que respecta al personaje de Cobb).

Pero estas comparaciones son algo inevitable teniendo en cuenta que se toca el mismo género y una temática similar; y que al fin y al cabo, el cine se nutre del cine, y actualmente es prácticamente imposible encontrar una película 100% original.

Así que pese a todo, Origen tiene su propio sello, su propia personalidad y sus propias reglas, y en una época plagada de remakes, secuelas y refritos, nadie debería cuestionarle el adjetivo ‘original’.

Precisamente esas reglas que Nolan establece sobre el mundo de los sueños son lo que dan más juego a la trama (el desfase temporal/horario entre el sueño y la realidad, la modificación del espacio, las autodefensas de las víctimas, la forma de despertarse o caer en estado comatoso, etc.).

Además, no tira de demasiada parafernalia para impactar al espectador y los efectos especiales son un apoyo a la historia y no un fin en sí mismos.

A eso unamos una forma de rodar elegante y contemplativa en la que las escenas de acción -muy al estilo Michael Mann y quizás demasiado moviditas- son un mero trámite para desencadenar otros sucesos que hacen avanzar el relato, y un reparto de lo más competente, y ya tenemos ante nosotros a una de las mejores propuestas del año.

Esto no significa que estemos ante una película perfecta, pero sí muy recomendable.

Uno de los puntales de la misma es su  personaje principal, que nos guía a través del mundo de los sueños atormentado por un oscuro pasado y condenado a dudar constantemente de lo que es real y de lo que no lo es (atención al detalle de los tótems, algo que será crucial durante y al final de la historia).

DiCaprio vuelve a demostrar aquí que es uno de los mejores actores, sino el mejor, de su generación. Una sólida interpretación que reafirma su calidad como intérprete, y el por qué los más grandes de Hollywood (Scorsese, Scott, Spielberg…)  quieren tenerlo en sus películas.

El actor sobresale entre el resto de sus compañeros tanto por su trabajo como por el elaborado rol que le ha tocado llevar a cabo.

Y es que si bien el resto de actores y actrices están también a la altura de las circunstancias, sus personajes son algo más superficiales o están mucho menos desarrollados (no sabemos nada de sus vidas, de sus motivaciones…).

De hecho, en el plano actoral, los únicos que pueden permitirse mayor lucimiento son Marion Cotillard (que está excelente), Cillian Murphy y, a ratos, Ellen Page. El resto, aunque imprescindibles, no son más que meros peones en la partida orquestada por Nolan (el papel de Tom Berenger es un regalo para el actor -al igual que lo fue el de Rutger Hauer en Batman Begins- y la presencia de Michael Caine es meramente anecdótica).

La narración es pausada, que no es lo mismo que lenta o pesada, pero quizás el excesivo metraje (dos horas hubieran bastado) provoque algún que otro bajón en el ritmo de la película. Aún así, el tiempo transcurrido no parece tanto, y si uno se sumerge completamente en la trama, el entretenimiento está asegurado.

Quizás algún tramo, como el final, se  perciba un tanto alargado (ATENCION SPOILER esos 10 segundos para que la furgoneta termine en el río se hacen un poco eternos, aunque el montaje entre los sueños es espléndido FIN DE SPOILER).

Pero por lo demás, Nolan mide bastante bien el tempo de las secuencias y, como ya he comentado anteriormente, tampoco tiene intención en recrearse en la espectacularidad de los momentos más efectistas y digitalizados (y muy bien digitalizados, que conste en acta), sino en darle un carácter algo más épico una historia que perfectamente podría prescindir de acción y aún así seguiría siendo igual de adictiva.

También cuenta con  algún que otro toque de humor -las puyas entre los personajes de Gordn-Levitt y Hardy, por ejemplo- que alivia un poco la tensión imperante.

Con todo, tan sólo resta decir que ‘Origen’ es un notable, intenso e hipnótico thriller de ciencia-ficción en el que Nolan confirma nuevamente que el cine comercial puede ser también inteligente.

Una especie de regreso a sus orígenes (’Memento’), pero con casi 20 veces más de presupuesto (aunque la historia/guión es lo que sigue importando y estando por encima de todo lo demás).

P.D.: ATENCION SPOILER El plano final es de lo más puñetero y Nolan lo sabe. Lo dejaré para los comentarios, pero ya advierto que no es tanto lo que se ve sino lo que no se ve pero sí se intuye. Ahí lo dejo. FIN DE SPOILER.

En aquellos tiempos, las series de acción eran las que llenaban la parrilla diaria y las que más triunfaban entre los más jóvenes. Somos toda una generación que recuerda con cariño muchos de los shows de la época. Puede que no hubiese grandes guiones, e incluso se podría decir que se pecaba a menudo de cierta ingenuidad, pero eran una sana y gratificante distracción con la que disfrutábamos de lo lindo.

Hubo grandes personajes que han pasado a la historia de la ficción televisiva, y eso es gracias a que dentro de su formato ofrecían exactamente lo que se les pedía, ni más ni menos.

Series como ‘MacGyver’, ‘Magnum’, ‘El coche fantástico’ (y sus variantes: ‘El halcón callejero’ y ‘Airwolf’) o la misma ‘El Equipo A’ eran series que destacaron sobre todo por sus carismáticos personajes e intérpretes y por sus livianas pero muy entretenidas tramas. Unos 45 ó 60 minutos de diversión diaria que nos dejaron nombres, frases, vehículos y sintonías para el recuerdo.

Quizás por eso, cada vez que oímos hablar de una adaptación a la gran pantalla de alguna de aquellas míticas series nos echamos a temblar. Dados los precedentes (las buenas adaptaciones se pueden contar con los dedos de una mano), a menudo tememos que otro ejecutivo de Hollywood nos fastidie el bonito recuerdo que conservamos de ellas.

De una película de ‘El Equipo A’ se llevaba hablando desde los 90, cuando ya la serie había finalizado (duró cinco temporadas, del  83 al 87). Stephen J. Cannell, productor de la misma, no cesó nunca en su empeño de llevarla a los cines, y el proyecto fue pasando de mano en mano,  de guionista en guionista, descartándose una idea tras otra y con rumores y desmentidos constantes.

En 2008 parecía que la cosa estaba a punto de cuajar, con John Singleton (’Shaft. The Return’, ‘A todo gas 2′) como director y la mirada puesta en algunos actores para interpretar los papeles principales (se pensó en Ice Cube  para el papel de B.A. Barracus) Pero Singleton se bajó del carro y la adaptación volvió a pararse.

En 2009 el proyecto cogería un nuevo y definitivo impulso… .

John ‘Hannibal’ Smith (Liam Neeson), Templeton ‘Face’ Peck (Bradley Cooper), Bosco B.A. Barracus (Quinton Jackson) y HM ‘Howling Mad’ Murdock (Sharlto Copley) forman la mejor unidad de élite de combate del Ejército de los EE.UU.

Durante su estancia en Irak, se les encomienda una misión secreta que sólo ellos son capaces de hacer y sólo su General conoce. El resultado es todo éxito, pero a su regreso a la base la cosa se complica y se dan cuenta que han caído en una trampa. Los cuatro hombres son acusados de un crimen que no han cometido y se les condena a diez años de prisión. No tardarán en fugarse de su encarcelamiento para llevar a cabo su venganza y limpiar sus nombres.

Esta puesta al día de la mítica serie es un ‘orígenes’ en toda regla. Básicamente lo que se ha hecho es construir una historia en base a la conocida frase que aparecía en la intro. De esto modo, nos cuentan qué sucedió para que esos cuatro hombres acabaran convirtiéndose en prófugos y soldados de fortuna.

Los primeros minutos nos presentan uno a uno a los cuatro protagonistas principales, que son los que luego formarán el Equipo A (la A es de Alpha, nombre con el que se conoce a su unidad), y nos explica de forma breve cómo llegaron a conocerse.

A partir de ahí, damos un salto en el tiempo de 8 años, con el equipo de misión en Irak. Ahí es donde les tienden la trampa que les lleva a prisión, hecho que desencadenará el resto de acontecimientos (la posterior huida y la venganza que llevarán a cabo)

Obviamente, para actualizar la historia de la serie había que ubicarla en un contexto más reciente, por lo que la guerra de Vietnam pasa a ser la guerra de Irak. Se trata de un cambio tan inevitable como legítimo. A fin de cuentas, lo verdaderamente importante es el ‘qué’, el ‘cómo’ y el ‘por qué’, y no tanto el ‘dónde’ o el ‘cuándo’.

Cada miembro del Equipo tiene una función específica.  Hannibal es el cerebro, el experto en planificar las ingeniosas misiones, por muy arriesgadas que éstas sean. ‘Faceman’ o ‘Face’, apodado así por su condición de guaperas y ligón (aunque aquí es conocido por Fénix), es el que se encarga de conseguir todo lo necesario para llevar a cabo la misión con éxito.  M.A. Barracus (las siglas ‘M. A.’ corresponden a ‘Mala actitud’, sustituyendo así al original ‘B.A.’, ‘Bad Attitude’), es el conductor y músculo del equipo (si hay que repartir hostias, es el primero que se apunta). Y finalmente está Murdock, un enfermo mental capaz de pilotar cualquier vehículo aéreo.

Juntos buscarán justicia y venganza.

El guión no es ninguna maravilla, pero quizás no sea tan malo como muchos críticos pregonan. Es sencillo, fluido, disparatado y con alguna que otra sorpresa y/o golpe de efecto de agradecer.

Tampoco se toma demasiado en serio a sí mismo y bebe de la fuente original lo justo y necesario.

Si acaso, lo que más chirría son los momentos en los que deciden ponerse un tanto serios, pero por lo demás, funciona sin demasiados quebraderos de cabeza.

De todas maneras, aquí el peso de la película lo llevan tanto los protagonistas principales como las secuencias de acción, por lo que la trama no es más que un ligero sustento en el cual apoyar toda esa pirotecnia y esos chistes malos de los que hacen gala.

George Peppard, Dirk Benedict, Dwight Schultz y Mr. T son irremplazables. Es prácticamente imposible que una adaptación contemporánea pueda suplir, igualar y mucho menos superar lo que estos cuatro actores consiguieron a lo largo de casi cien episodios.

De todas formas, el reparto es competente y todos los implicados hacen lo posible para honrar a los personajes originales.

De todos ellos, Liam Neeson es el mejor. El actor se mete en la piel de Hannibal sin problemas, llevando la voz cantante en el grupo, planificando los alocados planes (aunque no todos…),  fumando sus habituales puros y soltando su ya mítica frase ‘Me encanta que los planes salgan bien’.

Se echa de menos su afición a los disfraces (aquí solamente se ‘tiñe’ el pelo;  o lo que es lo mismo, aparecer tal cual es, sin caracterización), pero imagino que esa es una faceta que quizás prefirieron dejar para un posible secuela, ya que Hannibal utilizaba a menudo los disfraces para cerciorarse de que sus futuros clientes no fueran un trampa urdida por sus perseguidores.

Al guapito de Bradley Cooper el papel de Fénix le viene como anillo al dedo, y por tanto, se desenvuelve son soltura en el papel. Luce pectorales de vez en cuando, seduce a toda chica que se le pone por delante y consigue todo lo que se propone tanto para su propio beneficio como para el del grupo.

Quinton ‘Rampage’ Jackson y Sharlto Copley son los que lo tenían más difícil, ya que sus personajes son las más peculiares y también los más queridos.

El 90% de M.A. lo ponía Mr. T, y por eso cualquier sustituto tiene las de perder. Pese a ese obstáculo, Quinton se defiende bastante bien, más aún teniendo en cuenta su escasa trayectoria como actor. Se mantienen sus peleas con Murdock y su fobia a volar, dos cosas cuyo por qué quedará explicado en esta versión para la gran pantalla. Luce un look más moderno (mantener las cadenas hubiera quedado demasiado hortera) pero se mantiene el corte de pelo, una de sus señas de identidad que aquí también tendrá su explicación.

Y finalmente está Copley, que ofrece una actuación convincente aunque su Murdock no esté a la altura del original. Quizás le ha faltado una locura más agudizada, pero ahí entra en juego la labor de los guionistas y no tanto la del actor, que todo hay que decirlo, le pone empeño y consigue un Murdock aceptable. También he de admitir que éste era mi personaje favorito, y me cuesta ver a otro actor interpretarlo.

Esta Equipo A es un blockbuster de acción ‘de nueva generación’. Esto es, exageración por un tubo y pirotecnia a tutiplén. Es cierto que en la serie había fantasmadas, pero aquí están elevadas a la máxima potencia gracias sobre todo al ordenador, que hoy día permite hacer visualmente posible lo imposible (si bien aquí canta más de lo que debería).

El tono de la cinta es en todo momento exagerado y excesivo, y con algunas secuencias de acción demasiado pasadas de rosca (la del tanque empeora a medida que avanza, y acaba de la forma más inverosímil posible).

Ahora bien, estamos ante un caso similar al de ‘Noche y día’ de Cruise y Cameron. Si entras en el juego, puedes disfrutar del desfasado espectáculo. En caso contrario, es posible que te parezca una tomadura de pelo.

Se consiguen momentos divertidos gracias a la camadería de sus protagonistas y a lo descabellado de sus planes (la evasión del hospital psiquiátrico no tiene desperdicio), y el director rueda con eficacia y mucha espectacularidad todas las secuencias de acción, desde las más burras hasta las más comedidas (el robo en Irak y el secuestro del árabe son, para mí, las mejores; cañeras a la vez que creíbles).

Los villanos juegan bien su papel. El agente de la CIA Lynch (un correctito Patrick Wilson) es un claro guiño al Coronel Derrick Lynch, el militar que perseguía al Equipo A en la primera temporada de la serie.

Sin embargo, aquí el verdadero papel de perseguidor lo desempeña una mujer, la Capitana Charisa Sosa, interpretada por Jessica Biel. La actriz no está para lucir palmito, ya que se pasa toda la película o bien en uniforme o bien en traje, pero tampoco para demostrar sus aptitudes interpretativas (que en mi opinión, es de las pocas jóvenes buenorras de Hollywood que sí las tiene), ya que son menos minutos de los deseados los que permanece en pantalla.

Ella es una pieza destacable en la trama, y el hecho de que sea mujer es para que, entre otras cosas, salten chispas entre ella y Fénix. La aportación de su personaje a la historia funciona, y se agradece la presencia de una fémina entre tanto macho (algo que nunca gustaría a Peppard).

Y Brian Bloom, que repite con Carnahan tras Ases Calientes, interpreta de forma convincente a Pike, el mayor incordio del Equipo A.

La mítica furgo GMC tiene su momento de gloria y poco más. Es una breve concesión que se le hace a los fans, ya que resulta un tanto anacrónico que con la sofisticada tecnología que manejan estos Rangers, se desplacen de un sitio a otro en una furgoneta de hace 30 años.

Los que salen mal parados son los cameos, no muy inspirados y metidos a la fuerza justo cuando menos lo esperas. Para eso, mejor que no hubieran aparecido.

El siempre competente Alan Silvestri (Depredador, Regreso al futuro) se encarga de la potente banda sonora (de carácter muy militar) y readapta para la ocasión la theme original de la serie, que se hace derogar mucho (no la escucharemos entera hasta el final).

Con todo, ‘El Equipo A’ es un disparatado cóctel explosivo de acción y humor. Un espectáculo tan recargado y grandilocuente como entretenido, aunque le sobren algunos minutos. Cumple como entretenimiento palomitero y no deshonra la serie original, pero puede que no todos salgan igual de satisfechos (las expectativas y la nostalgia pueden influir sobremanera)

En cuanto a la taquilla, de momento ha salvado los platos por los pelos, por lo que la secuela no estaría asegurada. Una lástima, ya que sin ser un peliculón, te deja con ganas de ver de nuevo en acción a este habilidoso y alocado Equipo A, sobre todo después de ese desenlace que homenajea al opening ochentero.

P.D.: Quedaos hasta el final de los créditos  u os perderéis lo que muchos estábais deseando ver.

Las películas de terror en las que un psicópata asesino mataba  -normalmente con arma blanca- a un puñado de adolescentes, resultaron ser un gran reclamo sobre todo para el público más joven, lo que convirtió a algunas de ellas en éxitos de taquilla.

Los estudios encontraron un nuevo filón y lo explotaron todo lo que pudieron, y más.

Bob Clark con su ‘Black Christmas’ (1974) y Tobe Hooper con ‘La matanza de Texas’ (1974) fueron los pioneros y sentaron las bases de una fórmula que aún hoy día sigue dando sus frutos.

Luego llegarían ‘La noche de Halloween’ (1978) y ‘Viernes 13′ (1980), que terminaron convirtiéndose en longevas franquicias, pese a que la calidad de las películas fuera menguando con cada secuela (lo mismo que le ocurriría a ‘cara de cuero’, aunque contase con menos continuaciones en su haber).

Otros títulos a tener en cuenta fueron ‘Prom Night’ (1980), ‘El tren del terror’ (Terror Train, 1980), ‘Siete mujeres atrapadas’ (’The House on Sorority Row’, 1983) o ‘San Valentín sangriento’ (’My Bloody Valentine’, 1981).

Todas, sin excepción, han tenido su respectivo remake a lo largo de la pasada década y principios de ésta, quedando demostrada la alarmante falta de ideas que Hollywood lleva padeciendo desde hace ya demasiado tiempo.

En un intento de reactivar sus sagas, los psicokillers más icónicos de la historia -Michael Myers, Jason Vorhees y Leatherface- volvieron de nuevo a la gran pantalla, pero en el mejor de los casos para los productores, la cosa acabó en dos películas (remake y secuela o precuela). Pero aún faltaba uno por resucitar: Freddy Krueger.

Con ‘Pesadilla en Elm Street’, un inspirado Wes Craven aportó su granito de arena a los slashers (y lo volvería hacer, vuelta de tuerca mediante, en los 90 con ‘Scream’, década de resurrección del subgénero con títulos como Sé lo que hicisteis el último verano o Leyenda urbana), creando el que probablemente sea el psicokiller más original de todos; un asesino capaz de matar a sus víctimas a través de sus sueños, o mejor dicho, sus pesadillas.

Tal característica ofrecía muchas posibilidades, especialmente en lo que a la forma de matar se refiere, ya que en su mundo, el amigo Freddy podía hacer lo inimaginable para torturar y asesinar a los adolescentes de turno.

Al igual que sus coetáneos, y después de seis pobres secuelas (aunque podríamos salvar la tercera) y un crossover (la nefasta ‘Freddy vs Jason’), a Krueger le ha tocado pasar por ‘cirugía’ para actualizarse a los nuevos tiempos, aunque la mayoría de veces eso sólo signifique una mejor puesta en escena.

La historia es la misma que en la original. Un grupo de jóvenes sueña con un individuo con el rostro quemado y cuchillas en los dedos que intenta asesinarles. Lo que en un principio parecen meras pesadillas, se vuelve algo real cuando uno de ellos muere después de haber sido asesinado en su sueño.

Poco a poco,  cada uno de ellos es acechado por el misterioso asesino. No tardarán en descubrir que algo en su pasado les une a él. Así que mientras intentan mantenerse despiertos para evitar ser víctimas de sus cuchillas, indagarán sobre ello para descubrir su verdadera identidad y saber cómo hacerle frente.

Pese a la coletilla ‘origins’ que se ha sacado de la manga la distribuidora en España, esta ‘nueva’ ‘Pesadilla en Elm Street’ lo único que tiene de precuela es un pequeño segmento en el que nos descubren cómo acabó Freddy Krueger con el rostro quemado. Si la memoria no me falla (que bien podría ser…), es algo que en la ochentera no se vio, aunque probablemente sí en alguna de las secuelas.

Por lo demás, la historia es casi un calco del film de Craven, cambiando algunos nombres y personajes y alguna que otra muerte, pero repitiendo básicamente el mismo esquema.

Los guionistas no pierden el tiempo y desde el primer minuto empieza la sangre a ser la protagonista.

De hecho, uno de los mayores problemas de esta nueva versión es que en apenas tres cuartos de horas se cepillan a la mayor parte de las víctimas adolescentes. No se paran a desarrollar ni la trama (eso lo dejan para luego) ni los personajes (eso ya ni se molestan en hacerlo).

Durante estos minutos, todo son sustitos mil veces vistos que ya no asustan a nadie, y asesinatos a cuál más resultón. Y aunque todo suene a apresurado y a déjà vu, hay que decir que es la parte más entretenida de la película, así que imaginaos el resto… .

Tal como he comentado en párrafos anteriores, la forma de matar de Freddy da mucho juego, con lo cual, cada vez que sus víctimas sueñan, se despliega todo el potencial visual que sus responsables son capaces de ofrecernos.

Así pues, tenemos escenarios  de lo más tétricos, llamativas escenas oníricas, planos bastante sugerentes (algunos copiados de la Craven, por supuesto), efectismos visualmente atractivos y efectos especiales competentes, además de a Freddy Krueger, el alma de la función.

En lo que queda de metraje, es cuando los pocos supervivientes que quedan empiezan a indagar sobre su pasado y el de su verdugo. Esta es la parte más pesada, y en la que un servidor no paraba de mirar el reloj (mala señal…). Los errores cometidos al inicio tienen aquí sus consecuencias.

Los supervivientes que quedan son, precisamente, los peores intérpretes del reparto (SPOILER— ella, insulsa e incapaz de transmitir sus emociones; y él, con cara de alelado la mayor parte del tiempo; nada que ver una breve pero muy convincente Katie Cassidy, que debió ser la protagonista… otro error garrafal –FIN SPOILER) y encima lo que les pase a sus personajes nos importa un bledo.

No conectamos con ellos porque no han sabido presentárnoslos debidamente ni desarrollarlos convenientemente, por lo que el único interés reside en ver de qué manera se los querrá cargar Freddy.

Para los que hemos visto la original, el misterio es nulo, así que quizás las nuevas generaciones sí le presten algo más de atención a la escasa trama, además de a los asesinatos. Pero la sensación de que la cinta va cuesta abajo creo que será  más o menos igual para todos.

Empieza con demasiadas prisas, sin centrarse en nada más que en los crímenes de Freddy y luciendo una notable puesta en escena, eso sí (ahí nada que reprochar). Luego el interés decae y Freddy no puede hacer mucho para levantarlo, aunque sus apariciones sigan siendo lo mejor.

Jackie Earle Haley tampoco puede hacernos olvidar al gran Robert Englund. Eso es algo prácticamente imposible. No obstante, y a su manera, es un buen Freddy.

Apenas queda nada del humor negro característico del personaje, pero eso es algo que se vio más en las secuelas que en la original, por lo que tampoco hay muchos motivos para quejarse.

Su caracterización está conseguida y es en gran parte fiel al Krueger de toda la vida, aunque un servidor sigue prefiriendo el rostro de siempre (cuestión de gustos, supongo), ya que éste, aun siendo quizás algo más realista, le resta también bastante expresividad al actor. De hecho, Earle resulta mucho más inquietante, siniestro y amenazador sin maquillaje, es decir, antes de calzarse las famosas cuchillas.

Puede que hoy día la película de Craven no sea ninguna maravilla, e incluso algunas escenas den más risa que miedo, pero era original y resultona, y aún hoy día resulta bastante efectiva. Y de lo único que puede presumir este remake es de un notable diseño de producción y un actor (Earle) entregado a la causa. Por lo demás, es insulso y del todo innecesario.

Samuel Bayer, reputado director de videoclips (fue el que rodó el ‘Smells Like Teen Spirit’ de Nirvana) debuta demostrando buena técnica, pero el desaborido guión le impide ofrecer algo más que un slasher del montón. Para aquellos que topen por primera vez con Freddy Krueger, puede no ser una mala opción para pasar el rato, pero los fans de la original harían bien en ahorrársela.

Krueger es un gran personaje y merecía algo mejor que este anodino remake; el peor, sin duda, de los tres que llevamos vistos de la filmografía de Craven (’Las colinas tienen ojos’ fue brutal y superior a la original -cosa fácil, dicho sea de paso-, y ‘La última casa a la izquierda’ fue bastante decente).

Desde entonces, muchos otros estudios se han sumado a la animación CGI, pero de momento ninguno ha alcanzado el grado de calidad -en cuanto a historia y personajes se refiere- que Pixar ofrece en cada uno de sus trabajos. Ellos fueron los pioneros y ellos han sido siempre los mejores.

Al enorme éxito de crítica y público de su primer largometraje, le siguieron otras tantas películas que han hecho las delicias de millones de espectadores de todas las edades. Incluso se atrevieron, años más tarde de su debut, a realizar una secuela de aquella cinta protagonizada por juguetes, y el resultado fue tan bueno o incluso mejor que con su predecesora.

Y lo han vuelto a hacer con esta tercera. Pixar se ha vuelto a superar, pese a lo alto que estaba el listón. _

La historia de esta ¿última? entrega arranca con un Andy de 17 años preparándose para ir a la universidad, hecho que provoca una enorme incertidumbre entre Woody y el resto de sus amigos acerca de su futuro.

Y es que cuando un niño se hace mayor, deja de jugar con sus juguetes, y éstos sólo pueden acabar en dos sitios: en el trastero o en la basura. Ante los temores que acechan al grupo, aparece un rayo de esperanza, un destino que podría ser el ideal: la guardería, lugar en el que otros niños podrían seguir disfrutando con/de ellos.

Una vez consiguen llegar allí, los juguetes reciben una calurosa bienvenida por parte de los miembros más veteranos, liderados éstos por un oso de peluche llamado Lotso. Los recién llegados se sienten rápidamente a gusto con su nuevo hogar y entusiasmados por la posibilidad de jugar eternamente con generaciones y generaciones de niños, sin el temor de ser reemplazados o tirados a la basura. Woody, sin embargo, añora a Andy y decidirá regresar a su lado.

Quién iba a imaginar que pasados diez años desde ‘Toy Story 2′ tendríamos ante nosotros una tercera parte.

Lo cierto es que Disney, poseedora de los derechos de explotación de los personajes, a punto estuvo de llevar a cabo ‘Toy Story 3′ bajo la producción de un nuevo estudio, ‘Circle 7 Animation’, prescindiendo así de los servicios de Pixar. Pero cuando la compañía del ratón compró a la del flexo, un nuevo acuerdo puso a Edwin Catmull y John Lasseter a cargo de todas las animaciones de Disney, por lo que Woody y cía. volvían a manos de sus creadores,  Lasseter, Andrew Stanton, Pete Docter y Lee Unkrich empezaron con la lluvia de ideas, y en un fin de semana ya tenían la historia de la nueva película.

De la escritura definitiva del guión se encargó luego Michael Arndt, guionista de ‘Pequeña Miss Sunshine’, y la dirección de la cinta pasó a manos de Lee Unkrich, que anteriormente había ejercido de co-director en ‘Monstruos, S.A.’ y ‘Buscando a Nemo’, y que sustituía así a Lasseter, responsable de las anteriores entregas.

Como ya se apuntaba en la primera secuela, el argumento de ésta gira en torno al futuro de los juguetes de Andy después de que éste se haya hecho demasiado mayor para jugar con ellos.  Su marcha a la universidad deja a Woody y a sus amigos sin dueño y sin hogar, por lo que no les queda otra que resignarse y aceptar su nuevo destino.

Tras una serie de altercados y confusiones, Woody y cía. acaban en la guardería Sunnyside, lugar en el que harán nuevos amigos pero también nuevos enemigos. Y es que no todo será tan bonito e idílico como al principio parecía.

De nuevo, nos reencontramos con los personajes principales de la saga, es decir, con Woody y Buzz Lightyear.

En este tiempo transcurrido ha habido bajas, pero aún están con nosotros aquellos que han tenido una mayor relevancia en películas anteriores. Así pues, tenemos de vuelta a la vaquera Jessie; a Perdigón, el fiel caballo de Woody; a Rex, el dinosaurio; al perro Slinky; a Ham, el cerdito hucha; y al gruñon Mr. Potato y el resto de su familia, la Sra. Potato y sus hijos adoptivos, los tres extraterrestres del Pizza Planet.

Todos ellos se verán envueltos en la más peligrosa aventura de sus vidas.

El inicio de ‘Toy Story 3′ es el más espectacular de la saga. Si en la segunda parte el comienzo era parte de un videojuego de Buzz Lightyear al que jugaba Rex, aquí todo será fruto de la imaginación que le echan los juguetes cuando están solos. No desvelaré nada más del mismo, pero si alguna vez visteis de pequeños la serie de dibujos ‘Muppets Babies’ (’Los Pequeñecos’ en España), sabréis más o menos por dónde van los tiros.

Luego de este trepidante arranque llegan unos breves y entrañables minutos en los que recordamos al pequeño Andy y contemplamos el paso del tiempo para él y sus juguetes.

Pero no será hasta la llegada a la guardería cuando se desencadene toda la acción que sustenta la trama de esta nueva entrega.

La mayor parte de la cinta es algo así como un homenaje al cine de evasiones, ya sean bélicas o carcelarias. Por motivos que no voy a revelar, los juguetes deberán escapar de la guardería, y eso será todo un reto que pondrá de nuevo a prueba la valentía y la unión de nuestros protagonistas (similar a los films previos, pero a mayor escala).

Con todo ello, vuelven los momentos divertidos, que nos sacan más de una sonrisa o incluso una cómplice carcajada gracias al humor elegante e inteligente del han hecho siempre gala.

No tiene desperdicio el momento en el que Buzz acaba funcionando en su ‘modo español’. Por supuesto, se recurren a los típicos tópicos de nuestro país (o la idea que se ha exportado del mismo al extranjero) para distinguir el cambio, además del idioma. Y es que sin esos tópicos, seríamos todos iguales (por lo menos nos dejan como unos seductores).

También vuelven a reivindicarse y enaltecerse valores como la amistad y el compañerismo, que han estado muy presentes a lo largo de la saga y que aquí vuelven a ser el pilar fundamental de la historia.

Se les saca mucho partido tanto a los personajes de siempre como a los nuevos. Es más, Barbie, que no apareció hasta la segunda entrega (en la primera Mattel no permitió la presencia de la famosa muñeca), juega aquí un papel mayor, y sus encuentros con Ken propician algunos de los momentos más hilarantes de la película.

Regresan también los guiños cinéfilos y las autoreferencias.

Tenemos a Woody emulando al Tom Cruise/Ethan Hunt en una de las más emblemáticas secuencias de la primera ‘Misión Imposible’. Hace acto de presencia el mismísimo Totoro de ‘Mi vecino Totoro’ de Hayao Miyazaki (Lasseter y el artista japonés son amigos desde hace más de 20 años); y aparecen en la guardería, en forma de muñecos, algunos de los personajes de ‘Buscando a Nemo’ y diversas alusiones a ‘Cars’.

Y no nos olvidemos tampoco de Sid, el terrible vecino de Andy de la primera parte (el destroza muñecos que casi acaba con Buzz), y para el que también han pasado los años, aunque sigue llevando la misma camiseta negra con una calavera blanca estampada (la mejor forma de hacernos reconocible al personaje).

Pero además, con el paso de los años, Pixar ha ido adquiriendo una mayor madurez como creadores y contadores de historias, y esto se nota en esta tercera entrega, ya que tiene un componente emotivo superior al que tenían sus predecesoras.

Estos señores saben cómo tocarnos la fibra, y aquí reinciden, pero lo hacen con mucha soltura y sin abandonar el tono cómico y aventurero que caracteriza ‘Toy Story’.

Los últimos 15-20 minutos son apoteósicos, tanto por la tensión y la vibrante acción que se desencadena en el transcurso/desenlace de la huida de Sunnyside, como por ese inevitable nudo en la garganta (y ojos cristalinos, si se me permite la confesión) que se produce ante el cúmulo de emociones cargadas de melancolía y nostalgia que atesoran esos minutos finales.

La compañía no sólo ha mejorado la calidad visual de su animación (a diferencia de sus inicios, los personajes humanos y caninos gozan ya de un acabado excelente), sino que también lo ha hecho en cuanto a la creación de personajes e historias, sin perder la frescura y sorprendiendo una y otra vez con cada nuevo trabajo. Incluso el cortometraje previo al film, ‘Día y Noche’, una pequeña muestra de la genialidad de estos artistas.

‘Toy Story 3′ es el broche de oro a una brillante saga que ha ido un paso más allá con cada secuela. Para muchos, y me incluyo, sería la mejor de las tres, y la que, en mi opinión, cerraría a la perfección la franquicia.

No habría ninguna necesidad de ofrecer más continuaciones, pero viendo cómo han sabido superarse con cada entrega, ¿quién podría resistirse a otra gran aventura protagonizada por estos entrañables y queridos juguetes? Un servidor, desde luego, no podría, por ideal y redonda que sea esta conclusión.

P.D.: El 3D bien, gracias. No mata, pero que cada uno compre la entrada que guste.

Series como ‘True Blood’ (nada que ver con la ñoñería de Stephenie Meyer) o ‘The Vampire Diaries’ están teniendo buena aceptación entre el público más joven, lo que anima a los productores a seguir apostando por este nuevo filón.

En la gran pantalla, los ‘gusiluz’ de Meyer todavía no han encontrado rival que les arrebate el trono, pero de seguro no cesarán los intentos en conseguir otra saga vampírica taquillera.

Por lo pronto, Universal Pictures ha lanzado su primera apuesta: ‘El circo de los extraños’, basada en una serie de novelas del escritor Darren Shan.

La película adapta los tres primeros libros publicados hasta la fecha de un total de 12 novelas que completan la colección (a eso le llamo yo sacarle partido a una idea), si bien el título original, ‘The Vampire’s Assistant - Cirque du Freak’, es la fusión de los títulos de las dos primeras (’Cirque du Freak’ y ‘The Vampire’s Assistant’). _

La historia gira en torno a Darren Shan (Chris Massoglia), un chico de 14 años que siente verdadera fascinación por las arañas, y su mejor amigo Steve (Josh Hutcherson), obsesionado éste con los vampiros. Ambos acuden al Cirque du Freak, un extraño circo ambulante recién llegado a la ciudad en el que se pueden ver seres de lo más extraños, como por ejemplo un hombre serpiente o una mujer barbuda.

Durante el espectáculo, Darren queda impresionado por las habilidades de la araña de una de las representaciones, por lo que antes de regresar a casa decide robársela a su propietario, Larten Crepsley (John C. Reilly), un vampiro de 500 años.

Cuando Steve descubre la araña, intenta aplastarla con una escoba, pero durante el ataque el arácnido se defiende propinándole una picadura mortal. Con la intención de salvar la vida de su amigo, Darren acude a Larten en busca de un antídoto, ofreciéndose éste a dárselo con una condición: que el muchacho acepte medio vampirizarse y convertirse en su servicial ayudante. Darren sella el pacto con el vampiro sin pensar en las consecuencias que dicha transformación le acarreará…

Pese a estrenarse en octubre de 2009, la película no llegado a nuestras carteleras hasta ahora.

Por lo general, estos retrasos pueden deberse a cualquier motivo, o a veces incluso a ninguno en concreto, pero puede que esta vez la causa de su demora se deba a sus poco halagüeñas críticas, lo que sin duda explicaría también su batacazo en taquilla.

Y es que con un presupuesto de 40 millones, ‘El circo de los extraños’ sólo ha logrado 13 millones en suelo doméstico y unos insuficientes 25 millones en el extranjero para cubrir costes. Aunque los pocos países en los que queda por estrenarse quizás le permitan, como mínimo, recuperar lo invertido.

Eso sí, de la/s secuela/s mejor ir olvidándose, algo que sin duda lamentarán los seguidores de las novelas (o al menos aquellos que hayan quedado satisfechos con la adaptación).

Lo cierto es que la película no empieza nada mal, incluyendo unos elaborados títulos de crédito que da gusto ver y que preceden a la presentación, voz en off mediante, de nuestro principal protagonista , el cual se encuentra en una situación que ya nos provoca cierta curiosidad.

Esos primeros minutos son un pequeño adelanto de lo que ocurrirá después, por lo que en seguida retrocedemos en el tiempo para que nos cuenten la historia desde el principio, introduciendo a nuestros dos jóvenes protagonistas en ella y su visita al ‘Cirque du Freak’, lugar donde las decisiones de éstos desencadenarán el resto de los acontecimientos.

El look siniestro  y bizarro de la película es bastante atractivo, y su séquito de estrafalarios personajes son probablemente lo mejor de ella, pero desgraciadamente no se le saca demasiado partido ni a estos últimos ni a las posibilidades que ofrece la historia.

La originalidad de la trama termina más o menos cuando Darren se habitúa al ‘campamento base’ de los freaks. Allí aparece la típica chica por la que el prota se sentirá atraído, observaremos al villano desarrollar su pérfido plan, el amigo Steve pasándose al bando enemigo, desencadenándose la eterna lucha del bien contra el mal, etc.

La idea sobre la que se sustenta es la de una inminente guerra entre dos tipos de vampiros, los que se alimentan de sus víctimas sin matarlas, y los que disfrutan dejándolas sin gota de sangre. Larten pertenece a los primeros, así como su nuevo pupilo Darren, y quiere evitar a toda costa el enfrentamiento que Mr. Tiny, un supuesto individuo neutral,  pretende iniciar aprovechándose del desamparado de Steve.

Hasta aquí todo más o menos típico pero aceptable. Incluso se agradece que se les dé una vuelta de tuerca a ciertos rasgos característicos de los vampiros. Lo malo es que el desarrollo de la cinta no puede ser más anodino.

Uno de los principales escollos es la poca o nula simpatía que transmite Darren al espectador, algo a lo que contribuye la insulsa interpretación de Chris Massoglia.

Si no fuera porque el personaje de John C. Reilly comparte gran parte del peso protagónico de la cinta, la cosa hubiera sido bastante difícil de digerir. Y debo admitir que  Josh Hutcherson no es santo de mi devoción, pero aquí le gana la partida a su rival cinematográfico.

El villano principal no cuenta con la suficiente presencia como para resultar realmente un enemigo amenazador, y menos aún cuando sus mayores aliados son un niñato vacilón y un vampiro (encarnado por un sorprendente -por versátil- Ray Stevenson) que da más pena que miedo.

Por otro lado, los enfrentamientos cuerpo a cuerpo entre ambos bandos, desde el primer encuentro hasta el último, son poco satisfactorios. Están rodados de forma confusa, con una ridícula aceleración de movimientos y con planos poco inspirados, lo que denota la poca habilidad que tiene Weitz para planificar este tipo de secuencias.

Y es que este primer acercamiento al cine fantástico en una carrera plagada de comedias mayormente olvidables, evidencia que probablemente él no era el director indicado para tales menesteres (quién sabe si un Brad Silberling, por ejemplo, le hubiera sabido sacar más partido a esta adaptación).

No hay ninguna escena realmente llamativa, ni espectacular ni tampoco emocionante, aparte de que los efectos especiales -digitales y artesanales- son más bien discretos (y en algunos casos pobretones, como el irrisorio hombre-lobo, la cantosa araña venenosa de Larten, los veloces movimientos vampíricos estilo ‘Flash’ o los duendecillos comeratas que parecen unos mini Gollums de saldo).

Los extraños componentes del ‘Cirque du Freak’ no aportan casi nada a la trama.

Ken Watanabe y Salma Hayek (que luce tan atractiva -sin la barba, claro- como en su debut hace 15 años en ‘Abierto hasta el amanecer’) están desaprovechados, al igual que Orlando Jones o Jane Krakowski, cuya vis cómica podría haber sido beneficiosa para ciertos segmentos del film.

Luego tenemos a un efímero Willem Dafoe en lo que podríamos calificar como un cameo más que otra cosa.

A esto debemos sumarle uno de los mayores lastres que arrastra casi toda pretendida franquicia cinematográfica juvenil: que la primera película empieza pero no acaba.

Lo peor es que tratándose de una saga literaria de 12 volúmenes, se podría decir que la cinta de Weitz no es más que el prólogo. Sienta las bases y poco más, por lo que uno tiene la sensación de que apenas se le ha contado nada. Y lo poco que se le ha contado tampoco era para entusiasmarse.

Quién sabe si el sabor agridulce que deja la película es porque obviaron partes importantes de las novelas o bien porque las que estaban no supieron trasladarlas con acierto ni darles el toque adecuado.

La verdad es que acentuar el aspecto cómico de la misma en vez de tener pretensiones épicas (el bien contra el mal y bla bla bla…), y sobre todo darle un tono mucho más excéntrico y disparatado, le hubiera sentado increíblemente bien a este grupo de variopintos personajes.

Y es que la historia no es mala, y seguro que podría haber salido una frikada mucha más amena y entretenida que este intento de película, pues más parece un episodio piloto (mismo caso que ‘The Losers’).

‘El circo de los extraños’ puede llegar a contentar a los lectores de Shan si el tema fidelidad lo han respetado, cosa que no puedo certificar, pero está claro que se trata de una película fantástica realmente floja. Entretiene a duras penas, siendo lo mejor la ambientación, la banda sonora ‘elfmaniana’ (a destacar también el tema ‘Red Right Hand’ del genial Nick Cave) y John C. Reilly en un registro inusual en su carrera.