Un éxito considerable tratándose de una comedia juvenil, algo que no ocurría desde hacía eones. Digamos que “American Pie” fue para la comedia gamberra de adolescentes lo que “Scream” fue para el slasher, es decir, un revitalizador en toda la regla.

No es que la cinta de Weitz reinventará el género, pero sí logró rescatarlo del pozo en el que se encontraba sumido, resucitando el espíritu de las old school tipo Porky’s (todo un “clásico” de referencia), y consiguiendo que toda una generación de adolescentes llenara las salas de carcajadas. Otro de sus logros fue popularizar el término “MILF” (aka “MQMF”), acrónimo de “Mother I’d Like to Fuck” (no creo que haga falta traducción) y que ha supuesto una gran contribución a la industria del porno (por decir algo).

Pero toda resurrección que se precie conlleva, a menudo, otros efectos: secuelas y copias/sucedáneos. De lo primero, American Pie tuvo hasta tres, llamémoslas, oficiales, es decir, que se estrenaron en cines (al menos en España) y congregaron al reparto original o a la mayoría del mismo; luego se produjeron para el mercado doméstico otras cuatro secuelas en las que solamente se dignó a aparecer Eugene Levy (el padre de Jim/Jason Biggs).

De lo segundo, hubo diversas intentonas, pero de todas ellas la que mejor recepción tuvo fue “Roap Trip”, dirigida Todd Phillips (de moda en la actualidad por “Resacón en las Vegas” y su continuación en Tailandia) y que aún sin llegar a los números del filme de Weitz, logró hacerse con una más que respetable taquilla (119 millones de dólares frente a los 16 que costó).

Ahora, y pese al desgaste sufrido tras tanta secuela, nos llega “American Reunion”, rebautizada aquí como “American Pie: El reencuentro”, última entrega que reúne de nuevo a todos sus protagonistas para, tal como sugiere el título, volver a juntarlos en un reencuentro muy especial.

Años después de aquél lejano verano de 1999, el grupo de amigos vuelve a reencontrase para una reunión de viejos alumnos. Jim (Jason Biggs) y Michelle (Alyson Hannigan) han formado una familia pero apenas encuentran tiempo para satisfacer sus necesidades de pareja; Kevin (Thomas Ian Nicholas) está muy enamorado de su mujer, pero aún conserva un recuerdo muy especial de Vicky (Tara Reid); Oz (Chris Klein) es una estrella de la televisión que mantiene una relación con una atractiva modelo, pero volver a ver a Heather (Mena Suvari) provoca que revivan en él viejos sentimientos; Finch (Eddie Kay Thomas) anda buscando aún el amor de su vida; y Stifler (Seann William Scott) sigue igual que siempre, pero trabaja para un tipo al que no soporta. Todos fueron amigos en el instituto, pero luego cada uno vivió su vida. Ahora han regresado a la ciudad como adultos, dispuestos a recordar y a inspirarse en los desaforados adolescentes que fueron antaño.

Está claro que para volver a lanzar otra entrega de la franquicia había que conseguir reunir, como mínimo, a aquellos cinco jóvenes actores que encarnaron al grupito de amiguetes formado Jim, Oz, Kevin, Finch y Stilfer. Y no creo que haya sido muy difícil convencerlos a todos teniendo en cuenta que ninguno de ellos parece tener mejores ofertas sobre la mesa.

Y es que pese a la popularidad de aquella primera película, prácticamente ninguno ha logrado labrarse una carrera cinematográfica exitosa, aunque a algunos, desde luego, les ha ido mucho mejor que a otros. Quizás el más afortunado de todos sea Jason Biggs (Jim), que logró afincarse dentro del género de la comedia (casi siempre romántica) gracias a sus dotes para la misma, lo que además le permitió trabajar bajo las órdenes de gente como Kevin Smith o el mismísimo Woody Allen.

Chris Klein, que debutó como el santurrón Paul Metzler en la estupenda “Election”, intentó seguir los pasos de su colega, pero sus limitaciones interpretativas fueron un lastre. Cambió de género y ahí cabo su tumba. Después del espantoso remake de “Rollerball” (indigna del gran John McTiernan) su carrera fue cuesta abajo, y ahora sobrevive a base de papeles secundarios.

A Seann William Scott tampoco le ha ido mal. No ha parado de trabajar, ya sea como actor protagonista o secundario en películas de distinta índole que se han proyectado en cines, y además a puesto voz a cintas de animación como la saga Ice Age. De todos modos, para la mayoría seguirá siendo Stifler y es difícil que se quite el sanbenito de encima, más teniendo en cuenta que casi siempre interpreta roles de gañán.

Thomas Ian Nicholas y Eddie Kaye Thomas tampoco es que se hayan quedado de brazos cruzados, pero es difícil recordar alguna intervención suya sin recurrir a Imdb, lo cual dice mucho de cómo les han ido las cosas.

Todos ellos le deben mucho a American Pie, y probablemente sea ésta la cinta más memorable (o la más recordada) que hayan rodado en toda su carrera.

Ahora Jim y cía están de vuelta con trece años más sobre sus espaldas pero demostrando que pese al paso del tiempo siguen siendo las mismas personas que antaño hicieron tan buenas migas. Obviamente, los conflictos que les depara la vida de adulto son bien distintos de cuando cursaban en el instituto, aunque no por ello dejarán de meterse en líos dignos de un púber.

Es evidente que la gran baza de esta entrega es el factor nostálgico, y de ahí que sus responsables jueguen esa carta a base de referencias y guiños constantes a la primera película, y a base de recuperar no sólo a sus protagonistas sino también a sus personajes secundarios más icónicos como, por ejemplo, la madre de Stifler o el padre de Jim (Levy), que siguen logrando sus pequeños momentos de gloria.

Hay apariciones estelares que, por supuesto, no voy a desvelar para no chafar la sorpresa, e incluso los directores, responsables de “Dos colgaos muy fumaos: Fuga de Guantánamo”, se permiten el lujo de incrustar un bienvenido cameo de Neil Patrick Harris, aunque su aparición es muy breve y no comparte plano ni con John Cho (protagonista de la citada película) ni con Alyson Hannigan, su compañera de reparto en la (magnífica) “Cómo conocí a vuestra madre”, serie en la que la actriz está viviendo una segunda edad de oro tras encarnar durante siete años a Willow en “Buffy Cazavampiros”.

Aunque los cinco amigos son la clave, es Jim quién sigue llevando la voz cantante, por lo que sus desventuras (los continuos intentos por conciliarse sexualmente con Michelle, el embrollo en el que se mete para evitar el acoso de una joven y atractiva adolescente con las hormonas disparadas o sus charlas con su padre) son las que propician los mejores momentos de la película, mientras que las subtramas que atañen al resto de sus colegas carecen de chispa.

Y claro, sin Stifler, el alma de la fiesta (o al menos el que se encarga de que todo se desfase), seguramente la película perdería muchos puntos, así que es bueno que siga ahí haciendo lo que mejor se le da: el capullo (hablando en plata).

Y es que la cinta intenta mantener el tono gamberro característico de la saga, pero no todos los gags funcionan a ese fin. La temática sexual sigue siendo el centro de muchas de las bromas, como no podía ser de otra forma, y cuando no es el sexo, es alguna situación escatológica la que busca arrancarnos una carcajada. Tiene sus momentos álgidos, sus salidas ingeniosas (el “rock clásico”…) y sus puntazos (cuando “Sherminator” entra en escena o todo lo relacionado con la “venganza de Stifler”), mientras que otros son muy flojeras.

Pero si bien se echan en falta más carcajadas, en general las dos horas (demasiados minutos para una comedia, todo sea dicho) se ven con una sonrisa en la boca.

Ahora bien, no hay duda de que la nostalgia juega mucho a su favor, y quiénes pillamos la primera “American Pie” en plena edad del pavo seremos, con toda seguridad, los que más disfrutemos de la película (siempre que guardemos un buen recuerdo de aquella, claro está). En parte, por volver a ver a esa entrañable pandilla metida en apuros, y en parte porque se crea un vínculo especial de empatía con ellos.

Del mismo modo que trece años atrás nos identificamos con sus gamberradas y su apetito sexual, ahora conectamos de un modo cercano por su forma de ver y afrontar la vida adulta. ¿Quién no ha tenido un jefe que le ha tratado –y explotado- como si fuera un Don Nadie?; ¿quién no se ha parado a pensar alguna vez en que no está viviendo la vida a la que aspiraba de crío o que no está cumpliendo con esos sueños que ocupan esas largas miradas perdidas al horizonte?; ¿quién no se ha reencontrado con el primer amor de instituto y ha vuelto a sentir un feeling especial?…

Es muy probable que esas sensaciones marquen una diferencia importante a la hora de disfrutar más o menos de la película, independientemente de que se haya visto o no la cinta original.

De todos modos, como comedia gamberra que es, cuenta con lo necesario para pasar un rato entretenido echando unas risas con los colegas. Como retorno de la franquicia deja buen sabor de boca aunque quizás tampoco cumpla con las expectativas de todos sus seguidores. En cualquier caso, el resultado es simpático, ameno y en consonancia con las tres anteriores entregas (las otras, como si no existieran).

P.D.: Rebecca De Mornay es una milf como la copa de un pino. Punto y pelota.

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El boom de los superhéroes en el cine podría comenzar perfectamente en el año 2000 (con todo respeto a ‘Blade’ del que hubo gente que no sabía que provenía de los comics), cuando en Julio se estrenaba ‘X-Men’, con las dudas propias de si un grupo de mutantes de la Marvel podría conquistar a un público que básicamente había visto a Batman y Superman, iconos de la editorial rival, en pantalla grande.

El resultado no sólo fue un bombazo, sino que además dio pie a más adaptaciones, entre ellas la ansiada ‘Spiderman’ que muchos años antes andaba atascada en un Estudio sin viabilidad económica (Carolco) y con promotores como James Cameron que se quedaron en el camino.

El arácnido, ‘Daredevil’, ‘Los 4 Fantásticos’, ‘Elektra’, ‘Hulk’, las secuelas de ‘X-Men’…parecía que los films se sucedían como churros, pero no vivían en el mismo universo, ese llamado ‘universo marvel’ y que se resistía por el hecho de ser personajes coproducidos por la Marvel Studios y la Fox, Universal o la Sony. Eso no permitía cruzar historias ni cameos entre ellos, hasta que el Estudio dio el golpe en la mesa.

La idea: producir de forma exclusiva la película y dar los derechos sólo de la distribución. Nadie tendría la libertad de hacer lo que quisiera con sus superhéroes a excepción de su propia casa, y el pistoletazo de salida lo daría el hombre de acero, el ‘Iron Man’ que iba a protagonizar Tom Cruise para la New Line Cinema en el 2005

Y entonces, simplemente ocurrió. En el 2008, cuando Tony Stark (Downey Jr.) volvía a aparecer tras los créditos finales del film, un Samuel L. Jackson, al estilo Nick Fury ultimates, soltaba las palabras mágicas: ‘Inciativa Vengadores’.

La tarea no era nada fácil, pero se iba materializando. Mientras nos ibamos enterando de la posibilidad de que la Marvel  uniera a sus superhéroes tras el anuncio del rodaje ‘Thor’, ‘El Increíble Hulk’ se estrenaba tan sólo un mes después de ‘Iron Man’ y ya teníamos al Capi enterrado en el hielo en una ‘easter-egg’ del film y a Stark en una nueva escena post-créditos que confirmaba la ilusión: ‘Los Vengadores’ estaba en movimiento.

En cuatro años hemos asistido a la llegada de sus miembros a los cines, a un acto en la Comic-Con en Julio del 2010 que provocó el delirio de los fans juntando a los superhéroes del Estudio y a una promoción incesante que ha conseguido su propósito: que todo amante del cine, sea cual sea, ponga sus ojos en uno de los blockbusters del año, bien para odiarla o bien para aplaudir como un loco.

La premisa que llevó a la Marvel a crear ‘Los Vengadores’ en 1963 es muy sencilla: envidia de ‘La Liga de la Justicia’, que estaba reportando ventas fabulosas a la D.C.. Así Stan Lee y Jack Kirby, a los que la editorial había concedido dos nuevos títulos bimestrales, decidieron formar equipo, girando en torno a Hulk, cuya serie había sido recientemente cancelada.

En el primer número publicado en Septiembre, Loki engañaba a Hulk para provocar el caos. Rick Jones, amigo del gigante verde, intentaba contactar con los 4 Fantásticos para pedir ayuda, pero la señal era interceptada por el villano que la redireccionaba a Thor (creado tan sólo un año antes) y así aseguraba que el Dios del Trueno acudiera a la batalla contra Hulk. Pero Iron Man, Ant-Man y la Avispa también respondían y al final todos luchaban juntos.

No sería hasta Marzo del 64 (’The Avengers #4) cuando el Capitán América se unía al grupo.

Trasladar esta historia a la adaptación cinematográfica del cómic no hubiera sido coherente con los que se nos ha ido presentando durante todo este puzzle que conforman las películas del Estudio. El agente Coulson (Clark Gregg), que aparecía ya en ‘Iron Man’ en nombre de S.H.I.E.L.D., el propio Nick Fury en sus constantes cameos, la sensual Natasha Romanov (Johansson) alias Viuda Negra en ‘Iron Man 2′…la primera aventura del grupo en el cine iba a ser grande y con muchas más ramificaciones, pero al menos el gérmen inicial, con Loki (Hiddleston), iba a mantenerse.

Y el film no decepciona: GRANDE, descomunal, verde y en proporción al mejor cómic puesto en pantalla de la historia. ‘Los Vengadores’ salen con todo y en tromba, y uno tan sólo puede dejarse arrastrar y disfrutar de lo lindo.

No se necesitan presentaciones, lo cual hace que la película comience desde el segundo uno. Ya hemos tenido tiempo de conocer S.H.I.E.L.D y de sus instalaciones parte la primerísima escena, una aparición, huida y persecución que es el prólogo de y razón de la trama.

Nos reencontramos con el cubo cósmico (llamado de otra manera) que tantos dolores de cabeza ha dado en las películas de la ’saga’ y sabíamos que por éste se desataría la historia. Tan viejo como el hilo negro y retomando la obsesión de Cráneo Rojo, la fuente de poder cae en manos de Loki que a su paso recluta a uno de los nuestros y a Selvig (Skarsgard), que ya se antojaba pilar fundamental al efecto en ‘Thor’.

No es original que digamos, pero suficiente para ponerlo todo en marcha. Tampoco terminan de rematar las explicaciones necesarias sobre el objeto en cuestión, que se desvela como una simple excusa para un fin mayor,  pero ya estabamos familiarizados con el artefacto, así que a seguir con el metraje, y con lo que conforma la idea básica del film.

Que es ni mas ni menos que la formación del grupo. Joss Whedon sabe de cómics, y el mayor acierto de la Marvel ha sido contratar a un tipo que no sólo es ducho en esto de dirigir para el cine, amén de ser un fiera en televisión (’Buffy’, ‘Firefly’), sino que además controla las viñetas a la perfección. Suya fue la excelente ‘Astonishing X-Men’, y el ritmo que impregna a las escenas parecen salidas de un tebeo y dela el listón pare futuros films a un nivel imposible.

Ojo, tampoco es que necesitábamos para el trabajo a un Jim Jarmusch. Para saber llevar este circo de 3 pistas no hay que apuntar a directores complicados, sólo a uno que tenga la visión en conjunto, y Whedon ha sido una elección perfecta.

Con este segundo acto, en el que debemos juntar a Thor, Capi, Iron Man y Hulk en el mismo bando llega la parte nostálgica, esa en la que empezamos a comprobar que en una escena puede coexistir el Dios del Trueno y el hombre de hierro, a la vez. El guión no se anda con chiquitas: Thor vs Iron Man, Capi vs Thor, Hulk vs Viuda Negra, Hulk vs Thor….las combinaciones se suceden y el espectador no termina de respirar cuando otro follón se ha montado.

Lo sabemos, esto es ir a lo fácil, ¿pero acaso no se trataba de eso? , ¿Realmente tiene uno que comerse la cabeza con situaciones dramáticas o profundas cuando tienes a los superhéroes más populares del planeta en el mismo sitio y a la misma hora?.

La personalidad de los personajes es tan importante como lo que se cuenta y se dibujan perfectamente en el guión. El Capitán America, serio y bajo reglas militares, Thor shakesperiano y pomposo, Banner/Hulk como rata de laboratorio y el gran Iron Man que se sale.

Si os decepcionó ‘Iron Man 2′, perdonaréis por completo a Tony Stark. Sus líneas y diálogos son de lo mejor de la película, con constantes chistes, puyitas a sus compañeros y salidas de tono. Esto debería haber sido una secuela perfecta del hombre de hierro, y lo extraño es que su personaje se imponga con claridad al resto de compañeros.

Otro que gana en su salto al coro es Loki. Cruel y despiadado, un atormentado villano que se mueve por la venganza, por la sangre y mucho más amenzador que en ‘Thor’, donde tanto aire elegante le restaba la contundencia que ahora gana el hijo de Odin.

Y en volandas, sin enterarnos y entretenidos como chiquillos nos plantamos en el tercer acto y final de fiestas. El acabose. Un espectáculo digno del producto y a la altura de lo que podíamos esperar de ‘Los Vengadores’. Una invasión alienígena en toda regla. Nada de mandar a tres o cuatro marcianos para ver que pasa, no. Toda la maldita infantería y sus mamotrecos.

Y en medio, Hulk. Sabemos por el Presidente de la Marvel que el gigante verde no tendrá nueva película en solitario, pero su contribución al film se merece eso y más. Es el sitio natural de Hulk, rodeado de supervillanos y dando a mansalva sin respiro. En la zona de caos es la máquina de destrucción definitiva y el guión encima lo premia con tres escenas memorables: su puntilla a la batalla conjunta con Thor, su breve enfrentamiento con Loki y el susto final.

En ‘Los Vengadores’ no nos hemos encontrado con un guión de Oscar pero si con un guión impropio de un blockbuster al uso que sólo pretende darnos de comer CGI por un tubo. Hay una trama, consistente, hay un desarrollo, muy bien alineado, y hay una batalla final perfectamente coreografiada. Emoción y espectáculo por igual.

¿Flipado?, tal vez. El mayor problema del film hubiera sido tener a 6 personajes en línea y desperdiciarlos a todos. Entrar en una maraña imposible y toparse con un ir y venir sin sentido alguno, pero aquí cada uno tiene su momento y su plaza, su puesto en el guión y en la historia.

Podemos entonces obviar algunos fallos. Fallos argumentales, como no dejar bien explicada la aparición repentina de Thor si en su película lo dejamos buscando la manera de regresar a la Tierra, o ser algo más claros con una alianza entre Loki y alienígenas que sólo los muy frikis descubriran en la escena post-créditos. Fallos como aminorar la personalidad de Thor, que tiene menos fuerza que en su aventura en solitario o ser algo contradictorios sobre si Hulk controla o no su transformación.

Casi dos horas y media de metraje, y lo difícil era entretenernos. Al final lo difícil ha sido no hacerlo. No decae, no flojea y no decepciona, con toda la espectacularidad que la técnica permite y aprovechando en cada fotograma el potencial que se tenía en las manos. Si tuvieran que colgar una imagen junto al término ‘blockbuster palomitero’, el traveling sobre los héroes en las calles de Nueva York sería la idónea.

‘Los Vengadores’ se han unido. Que no los separen las secuelas precipitadas.

P.D. ¿El 3d?, profundidad nada más.

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Tras la jubilación de unos magos adolescentes y con unos vampiritos luminiscentes y hombres-lobo a puntito de enterrar el hacha de guerra, hacía falta otra franquicia que arrastrase a los jóvenes (y no tan jóvenes) a las salas de cine. Para ello, qué mejor que tirar nuevamente de un superventas para llevarse el gato al agua. En esta ocasión es Lionsgate quién está detrás y la elegida es la trilogía de ‘Los juegos del hambre’ de la escritora estadounidense Suzanne Collins, autora de otra aclamada saga titulada “Las crónicas de las Tierras Bajas”.

Esta primera película, correspondiente al primer libro, nos sitúa en Panem, las ruinas de lo que antaño fue Norteamérica y gobernado ahora, tras décadas de caos y guerra, por el Capitolio, órgano de poder que tiene sometido al pueblo a una dura y represiva dictadura.

Para evitar cualquier nuevo levantamiento, el Capitolio organiza anualmente los conocidos como Juegos del hambre, un cruel y sádico acontecimiento retransmitido por televisión en el que 24 jóvenes participantes son obligados a luchar a muerte hasta que sólo uno de ellos quede en pie. Los participantes son elegidos por sorteo -siempre que no se presenten voluntarios- entre los adolescentes que viven –o malviven- en los doce distritos que componen Panem. Cada distrito debe enviar a un chico y a una chica adolescente a competir y luchar por su vida.

La protagonista de este (clásico) futuro distópico que nos presenta la obra de Collins es Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence), una joven de dieciséis años de edad que se presenta voluntaria para participar en los juegos en lugar de su hermana pequeña. Katniss, residente del Distrito 12 (una humilde comunidad minera), es llevada bajo custodia junto al elegido masculino, Peeta (Josh Hutcherson), hasta el Capitolio, lugar en el que son entrenados para enfrentarse al resto de participantes y, en especial, a los despiadados “Tributos profesionales”, voluntarios que proceden de los distritos más ricos de Panem y que llevan toda su vida preparándose para los Juegos.

Durante los días previos, ambos trabajan baja la supervisión de un antiguo –y ahora alcohólico- vencedor de los juegos, Haymitch Abernathy (Woody Harrelson), quién trata de afinar su instinto de supervivencia y convertirlos, con la ayuda de Cinna (un estilista “interpretado” por Lenny Kravitz) en estrellas mediáticas para ganarse la admiración del público y así conseguir patrocinadores mediante los cuales poder aumentar sus posibilidades de ganar.

Precisamente es en estos minutos en los que “Los juegos del hambre” se nos muestra como un producto con cierta entidad, mostrando unos mimbres que ya quisieran otras producciones juveniles. De hecho, el estreno de la cinta ha venido precedido por una especie de campaña difamatoria (porque no se la puede tildar de otra forma) al ser comparada con la obra crepusculiana de Stephenie Meyer. Nada más lejos de la realidad.

Es cierto que en la película hay romance, pero dudo que alcance las cotas de “ñoñería de telenovela barata” que ostentan los films de Pattinson y cía. Es más, pese a que se sugiere un triángulo amoroso entre la pareja protagonista y un tercero en discordia, nunca se da la sensación de que esto sea el motor de la historia (principalmente, porque no lo es), amén de que este triángulo cojea de una pata: Katniss. SPOILER– Peeta deja entrever sus sentimientos hacia su compañera de distrito, pero éstos no son correspondidos hasta que ello supone una ventaja para la supervivencia de ambos, es decir, Katniss aprovecha el romance para ganarse al público, aunque eso no signifique que a lo largo de la aventura germinen sentimientos de aprecio hacia su compañero –FIN SPOILER.

El verdadero motor de la historia es el juego en sí y lo que ello supone para las gentes que lo padecen. Desgraciadamente, no se puede decir que el tema esté suficientemente bien aprovechado.

Ya desde la vertiente crítica se nos muestra muy escuetamente cómo el público de la alta sociedad disfruta del dantesco espectáculo, y poco menos se nos enseña al público más humilde sufriendo por él, con lo que la decadencia cínica de esta sociedad futura se pinta a muy finas pinceladas. No es suficiente diferenciar a las clases sociales a golpe de estilismo (¿se habrán gastado la mayor parte del presupuesto en laca para el pelo?) haciendo que unos vistan como en la casa de la pradera y otros parezcan vivir en un permanente y escandalosamente hortera desfile de moda para talibanes del buen gusto. Hay que apuntalar con mejores cimientos la visión distópica que se nos está ofreciendo…

En cuanto a la implicación de los presentadores en el evento (los personajes interpretados por Stanley Tucci y un desaprovechado Toby Jones), queda ésta tan limitada, que la sensación de “entretenimiento para las masas” se ve reducido a la mínima expresión, lo que por otro lado limita la implicación del espectador en el show.

Además, nos topamos de nuevo con el problema de la blanda clasificación por edades (un anodino PG-13) en respuesta al ansia de los estudios por ampliar el rango de público objetivo al que se destina el producto y así poder hacer más caja.

Por supuesto, no les importa que por el camino se degrade la esencia misma de la historia, y es que con un escenario tan violento asombra lo poco perturbadora que resulta la ferocidad del juego. Y eso, queramos o no, reduce considerablemente la intensidad y fulgor del mismo, el cual queda encorsetado dentro del consabido “apta para menores de…” y convirtiéndose la película en una pseudo “Battle Royale” (cinta con la que guarda bastantes similitudes) para “mojigatos”. Y tampoco es que un servidor considere aquél filme japonés como una obra modélica (su guión era peor, la justificación del juego mucho más endeble y el gore pocas veces compensaba sus carencias), pero con semejante argumento lo que uno pide es más caña. Caña como la que ofrecía “The Running Man” (aka “Perseguido”) o, si me apuráis, ese subproducto de videoclub llamado “La isla de los condenados”, dos películas que al menos sabían a lo que jugaban e iban a por todas.

Los orígenes de los juegos a muerte para entretener al pueblo pueden encontrarse en la época romana y sus coliseos, lo cual ya ha sido fruto de inspiración para novelas y películas previas a la obra de Collins (aunque la escritora insista en que la idea surgió del mito de Teseo y el Minotauro), con lo cual la originalidad, tanto en contexto (futuro distópico mil veces visto) como en argumento (los juegos), es bastante escasa, si bien eso tampoco es motivo de queja si al menos se consigue hacer un producto medianamente digerible.

Y “Los juegos del hambre” lo es, pese a que se exceda en metraje y no aproveche del todo el potencial que tiene entre manos.

Gary Ross, director de la espléndida “Pleasantville” y la estimable “Seabiscuit, más allá de la leyenda” no parecía el tipo más indicado para hacerse cargo de esta adaptación, y el resultado quizás me dé la razón. Pero probablemente no exista director adecuado para ello si cualquiera que asuma dicha responsabilidad se ve limitado por la mano negra de los productores. Ahora bien, con Ross tras las cámaras ganamos en profundidad dramática, algo que quizás echaríamos en falta con algún otro mercenario manipulable de esos que tanto pululan por Hollywood.

Lo mejor de la película reside en su capacidad para captar las emociones de sus personajes y especialmente las de Katniss. Por supuesto, a ello contribuye también Jennifer Lawrence (pilar básico de la trama), transmitiendo la entereza de su personaje en las situaciones que requieren de un gran valor.

Por el contrario, en las escenas de acción Ross se empeña en marear la cámara sin orden ni control, emulando a un Greengrass pasado de vueltas y consiguiendo que muchas de estas secuencias sean un auténtico despropósito escénico y una tortura para la vista (a menos, claro, que se tenga una cajita de Biodramina a mano). Durante los primeros minutos el abuso es constante y no hay trípode que valga; ni que sea para rodar un maldito plano panorámico. Muchas de las escenas de acción son un embrollo monumental en el que no se aclara ni el cámara, haciendo que estos momentos pierdan gran parte de su efectividad (lo que, de paso, le sirve a Ross para ahorrarnos ver sangre, ese liquidillo de color rojizo que le sale a uno del cuerpo cuando padece una herida).

No hay más que ver el inicio de los juegos, breve segmento en el que el director se cepilla a más o menos la mitad de participantes en cuestión de minutos sin que sepamos muy bien quién ha muerto o cómo ha muerto. Aunque el quién es lo de menos porque los contrincantes de Katniss más que personas son números. Vamos, que los guionistas consiguen que nos importe un bledo quien viva o quién muera mientras nuestra protagonista se mantenga en pie (con la excepción, quizás, de la niña que la acompaña).

Ni tan siquiera se ofrece un némesis a la altura de la heroína para darle algo de vidilla al asunto (un niñato malcriado que viene a demostrar sus habilidades no es rival para una experta cazadora que lucha por su vida). El enemigo es, en esencia, el juego y quiénes están detrás de él, haciendo todo lo posible, primero, para evitar que Katniss se convierta en la heroína de las clases bajas y, luego, para que no devenga en una mártir. De ahí que quiénes monitorizan el juego se saquen de la manga bolas de fuego o unos enormes perros sanguinarios creados de la nada (literalmente…).

Con todo, “Los juegos del hambre” no deja de ser un entretenimiento que cumple el propósito de mantener al espectador distraído y devorando palomitas durante un par de horas, que por largas que sean al menos no se hacen pesadas.

Ahora bien, el resultado está lejos, muy lejos, de justificar tan exultante acogida (534 millones de dólares recaudados en tan sólo cuatro semanas), por lo que no es descabellado pensar que su éxito se explique, en mayor medida, por el fenómeno fan que hay detrás de la novela. Un fenómeno fan en la misma línea que otras obras literarias llevadas al cine como Crepúsculo, Harry Potter o, dejando a un lado el target juvenil, El Código Da Vinci y Millennium.

Y no es que pretenda equiparar sendos productos, pues la calidad y sus características difieren dependiendo del tipo de material de origen que se maneje, pero la atracción y la popularidad son similares, es decir, el fenómeno nace de unas mismas raíces. Por ello no es extraño que antes incluso de que se estrene una película de estas características la venta de entradas anticipadas se dispare y, una vez ya estrenada, ostente una taquilla de órdago durante sus primeras semanas de proyección, que es cuando el lector –mayormente- visita la sala de cine ansioso por ver plasmado uno de sus libros favoritos en pantalla.

Por tanto, son producciones que cuentan con un amplio recibimiento por parte del público. A partir de ahí, y no siempre ligado a la calidad de las mismas, la aceptación de sus principales espectadores (los que conocen de antemano el producto por su origen literario) más la aceptación del espectador común (el ajeno a dicho fenómeno) es lo que invita, en el más afortunado de los casos, a la construcción de una franquicia y, por ende, al nacimiento de la gallina de los huevos de oro del estudio que la financie.

Porque no sólo del fan se vive, y es indispensable que la película llegue a cuantos más espectadores, mejor (¡hola de nuevo, PG13!); a veces eso se logra dentro del mismo target que se pretende agradar (el adolescente y mayormente femenino, en el caso de Crepúsculo, por ejemplo), y a veces ampliándolo (es el caso de Potter, que suele contentar tanto a grandes como a pequeños).

• Vía póster | LaButaca.net

El cartel ya de por sí es revelador. Un tipo, en un barco y delante de un mamotreco metálico de aspecto alienígena. Poco importa que sea la adaptación de ‘Hundir la Flora’, más que nada porque su título ni siquiera se ha cambiado al español, y a generaciones posteriores a los 80 lo del juego de mesa suena al siglo XVIII.

Vamos, que en nuestro país es un factor nulo por completo. Así que ‘Battleship’ es tan sólo la nueva bestialidad de 200 millones de dólares venida del otro lado del atlántico.

Por ello uno se aprovisiona de palomitas y bebida, que están de oferta, y se mete en la sala para ver si el festival aburre o no, si las dos horas se harán eternas o los 6 euros y medio gastados se nos atragantarán con mala leche.

Y es que pedirle guión, profundidad y trama remueve-conciencias a algo que ya de por sí nunca se ha vendido como un film de autor y que se jacta de ser un circo de 5 pistas es tan injusto como decirle a la go-go de la discoteca que te baile una jota. Estemos a lo que nos venden.

Sin palabras. Entretenimiento tan intenso como falto de neuronas, aunque no pretende ni siquiera tenerlas. Un placer culpable, culpable porque después del metraje me ha faltado saltar del sillón y aplaudir tal exceso de testosterona, fuegos artificiales y diversión infantil, porque al chaval de al lado, de menos de 15 años y que no vería ni un minuto de ‘The Artist’ ha pegado más botes en la butaca que un chinche.

¿Es esa la esencia de una popcorn movie?, posiblemente sí. ‘Battleship’ no tiene trasfondo ni dobles lecturas. Lo que se pone en la pantalla es lo que hay, pero eso no

significa necesariamente que sea una bazofia. Bazofia, para mí, es cuando miro el reloj 4 veces mientras en la pantalla se están gastando 10 millones en CGI por escena.

Si ni siquiera puedes captar la atención así, estamos muy jodidos, y ‘Battleship’, de la que nos olíamos un tufo a bodrio desde hace meses, está muy lejos de que le pase eso.

La trama es simple, concisa y no permite que te pierdas, regla A del blockbuster palomitero. Hooper (Kitsch) es un bala perdida con hermano (Skarsgard) responsable. Tras un incidente por impresionar a un pivón (Decker), el hermano lo enchufa en la marina. Aquí se hace como si metieras a tu primo en tu despacho de abogados, pero no se cuestiona porque si no paras la película.

En un plazo de tiempo desconocido (1 mes, 1 año vete a saber), Hooper tiene a la chica y un nuevo rapado de pelo como suboficial de marina (cágate tú de los ascensos costosos), y se prepara para pedir la mano a su padre (Neeson), capitán de capitanes mientras se organizan unas maniobras en Hawaii que sirven para tenerlos a todos en el agua, cosa que usualmente no ocurriría.

Como la NASA tiene antecedentes de estupidez según la historia de Hollywood, una señal enviada a un planeta parecido al nuestro nos trae a una raza alienígena que aterriza en el agua, pone a raya al resto de fuerzas armadas y mantiene una batalla frente a tres destructores/acorazados o lo que sean que nos tendrá dando cañonazos hasta el final del metraje.

Original no es, desde los ‘Transformers’ hasta ‘Independence Day’ se ve la sombra, pero con esa falta de originalidad se saca petróleo, tanto como para mover los barcos.

Lo que a uno le descoloca de ‘Battleship’ es su primera media hora. Peter Berg, que había demostrado ser un director muy particular (’Very Bad Things’, ‘Hancock’), parece mimetizarse con Michael Bay y nos regala escenas hilarantes como la del ‘burrito’, otras inútiles como el partido de fútbol y otras con un chorreteo patriótico que nada tiene que envidiar a ‘La Roca’ o ‘Pearl Harbor’.

Presentación de la marina estadounidense, homenaje a sus veteranos, publirreportaje de los que sufrieron lesiones y menoscabos físicos en acto de guerra…parece como si empezaramos mal, confundidos y desorientados sin saber qué tiene que ver todo eso con una invasión alienígena.

Gracias a Dios, y cuando se tiene la sensación de que nos vamos a acordar de esos 6 euros y medio cuando mañana no podamos pedir una cuarta y quinta ronda de cañas, COMIENZA EL ESPECTACULO.

‘Battleship’ se dispara, mete el turbo y en cuanto tenemos a los extraterrestres alineados, en el agua y preparados para arrasar, asistimos a uno de los films más entretenidos del año, que no deja respirar ni acomodarte en la butaca, justo lo que le pido a un producto que debe justificar dónde ha echado los millones invertidos.

Macho, si te han dado fajos de los verdes, que vea yo dónde están.

Un barco al fondo, una batería de fuego cruzado, retirada….y vuelta a empezar. Entrada a escena de los llamados yo-yos hijoputas (esos rulos que salen en los tráilers) que si les pones la insignia de los decepticons te hacen un ‘Transformers 4′ entera y unos misiles que vuelan por todos lados...y uno pegado a la pantalla.

Lo bueno: que los alienígenas no son invencibles, se pueden abatir y los personajes buscan las maneras más rebuscadas para ir cargándose uno detrás de otro. Lo malo: que todo eso salpicado con un guión plano te hace querer que hablen menos y actúen más.

Erich y Jon Hoeber, irreconocibles tras ‘Red’, plagan el film de frases tipo ‘Todos vamos a morir…pero no hoy’ y otras tan tópicas y manidas que te hace imaginar cómo sería el tamaño del guión si sólo juntaramos los diálogos: no más de un folleto del eroski.

No toméis en cuenta el juego de tablero del que coge su título. Apenas 3 minutos de referencia lógica, pero la Hasbro ha estado más atenta de vincularla a su otra franquicia, la de los robots, que al clásico ‘A5, tocado y hundido’.

El factor patriotismo de ‘Battleship’ es tan protagonista como sus barcos. Tengo el pleno convencimiento de que los yanquis van a salivar con el despliegue de barcos, datos y personal de la marina de su país, imprescindibles para salvar el planeta una vez más y orgullo para el resto de sus paisanos.

Cuando uno de los secundarios es un veterano sin piernas que se funde a hostias a uno de los malos, ya os podéis imaginar cómo fluye el resto.

El acto final es tan pasado de rosca como se podía esperar después de hora y media atronadora y hasta no falta el momento AC/DC,  ”Titanic’ y ‘Fast and the Furious’ (lo mejor que he visto en años), pero a esas alturas uno está anestesiado y tan metido en el film que podrían darnos la secuela y la trilogía entera a reglón seguido y ni nos enteraríamos.

Kitsch, Decker y Skarsgard, a lomos de un guión imposible pero dando buena réplica al orgasmo CGI que ‘Battleship’ impone. Neeson, poquito en pantalla. Los que vayan a verla creyendo que es el director de orquesta estarán muy decepcionados. Rihanna…por Dios, es su debut y bastante tiene que lidiar con su minuto (absurdo) de oro: ‘Mi padre me dijo una vez….’

Y es que me dolerá la boca de repetirlo. ‘Battleship’ no es un film de diálogos profundos, ni siquiera de diálogos decentes, pero nunca he visto tal capacidad de suplir dicha deficiencia con un ritmo tan frenético, una imagen tan potente y unos efectos especiales tan efectivos como los vistos en este nuevo festín pre-veraniego.

Desde que se anunció esta película ya sabíamos a lo que ibamos, ¿les importaba entrar en las nominaciones al Oscar a mejor película el año que viene?, evidentemente no. Esto va de hacer caja entreteniendo a un público que esperan vaya recomendándola boca a boca.

Sólo pretendíamos no arrepentirnos del desembolso y pasar un muy buen rato. Se cumplen dos de dos y para mí ya es suficiente para no entender a los que la califican de ‘mierda hortera’.

Creo que últimamente hay mucha gente que se equivoca de sala.

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Entre la nostalgia de la producción original de 1981, los recuerdos que me traía de mi niñez y lo que se podía hacer ahora con los efectos digitales del nuevo milenio el remake se antojaba perfecto para una nueva generación.

El problema es que a la solvencia de Louis Leterrier, al que le agradezco que no sea un director más de formato videocilpero, se le unía un guión pobre que dejaba escapar mucho potencial y terminaba de cabrear al personal con un pseudo-3D que levantó las iras en las salas.

Aún así, uno podía sentirse tentado por revisionarla puesto que un gran truño no era, o al menos para un servidor. De ahí a calificarla tan épica como para merecer secuela era otra cosa, y si la iba a tener, maldita sea que fuera para superarlo, que tampoco era tan difícil.

‘Ira de Titanes’ es la consecuencia de planear una continuación con demasiadas prisas y sin hacer autocrítica de lo que era la anterior entrega. Los casi 500 millones de dólares en todo el mundo no tenían porqué ser una carta blanca para tirar de contrato y obligar a los protagonistas a regresar para algo que tenía que madurar un tiempo.

Fallo garrafal. El film del 2010 era una forma más o menos entretenida de ver cómo los personajes iban de un punto A al punto C, pasando por varios monstruos, perdiendo compañeros por el camino y regresar al punto A para salvar a la chica y liquidar a un mastodonte.

El film del 2012 es ver de nuevo a Perseo ir del punto A al punto C, enfrentándose a varios monstruos y regresar al punto A para salvar (a todos) y liquidar al mastodonte. Otra vez lo mismo, otra vez con los mismos fallos y amigos, esta vez no se perdonan.

Perseo (Worthington) es ahora padre, viviendo de forma humilde y evitando aventuras como el semidios que es….pero el secuestro de su padre Zeus (Neeson) a manos de su hermano Hades (Fiennes) y de un nuevo aliado, Ares (Ramirez) con un plan de desatar al Titán de los titanes le fuerza a volver a sus batallitas contra todo ser que se le cruce en su camino junto al hijo de Poseidón y a la princesa Andrómeda (Pike), que ahora está más sueltecita en la batalla.

Así es, cambiamos a Andrómeda por Zeus, al Kraken por Kronos, a Medusa por el Minotauro…y poco más. Escenarios que nos suenan, mucho polvo en el camino (más que en el Rocío) y diálogos netamente absurdos que sólo rellenan minutos entre lucha y lucha.

Y muchos minutos no hay: hora y media de metraje, y aún así es tan eterna como el Olimpo.

Veamos en imdb quien o quienes son los guionistas…David Johnson, autor de ‘Caperucita Roja’, Dan Mazeau, sin curriculum alguno pero guionista de la posible adaptación del super héroe ‘The Flash’ (por Dios dejalo tranquilo) y, horror, argumento de Greg Berlanti, el que puso sus manos sobre ‘Green Lantern’.

Pues es un corta y pega de ‘Furia de Titanes’, sin el prólogo inicial que tenía su punto (perseo abandonado en el mar, la muerte de su familia, su descubrimiento como semidios) y con un acelerón tremendo por meterlo en el ajo sin sentar las bases del porqué y por quién debe hacerlo, máxime cuando el protagonista acabó como para una sesión de terapia con su padre Zeus, ahora en peligro de muerte.

Por lo que a un lado el (nefasto) guión de la secuela que hace de ‘Furia de Titanes’ una obra maestra, nos centramos en los efectos digitales, y ahí, con 150 millones de presupuesto, lo normal es que no fallen, y por mi parte no lo hacen.

Jonathan Liebesman, al que sólo le queda márgen de maniobra con el aspecto visual, se salva de mi particular quema con una forma acertada de dirigir el film y aumenta en espectacularidad las escenas de acción respecto a su anterior entrega.

CGI mejor conseguido, más currado y que alivia del resto del producto.

Sin embargo, al final tampoco la impronta del director se deja ver demasiado, y este film podría haberlo dirigido cualquiera, comiéndose al Liebesman de ‘Batalla: Los Angeles’.

Pero claro, en hora y media las ráfagas de acción son contadas. Una especie de perro rabioso al inicio, un apocalipsis, cíclopes gigantes en un bosque mortal, el laberinto y Kronos, la traca final. Del Minotauro ni hablemos, una de las mayores decepciones del año y si querían emular a Medusa de ‘Furia de Titanes’, no llegan ni al 10%.

¿3D?, No, por favor. Bastante caro ya es pagar 6 euros.

Worthington, pasable, pero sin ganas ninguna de retomar a Perseo. Obligado por contrato. Rosamund Pike se encuentra con un personaje que no tiene nada que ver con la Andrómeda de la primera parte. De chica florero pasa a espartana de ‘300′, totalmente fuera de sitio, una de las continuas pifias de los guionistas.

No falta el guiño al clásico del 81. Los más avispados lo verán.

El duelo Neeson-Fiennes es lo que brilla entre todo, pero macho, con esos diálogos tampoco se puede hacer mucho.

No hace falta que creáis ni una sóla de las palabras que escribo. La taquilla y el  boca a boca estan ahí, confluyendo en unos números mortales que van a dejar la franquicia en el punto final.

El problema de ‘Ira de Titanes’ no es su universo, uno de los más atractivos de la historia, ni sus personajes, con unos potenciales tremendos. El problema es querer repetir la misma fórmula que puede parecer funcionó hace 24 meses, pero que si escarbabas un poco te dabas cuenta que de los tantos millones recaudados, más del 70% hubieran pedido que se los devolvieran.

‘Ira de Titanes’ debía haber sido un paso adelante. Al final ha sido quedarse en el mismo sitio, y dos años después ninguno estabamos dispuesto a ello.

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Tras las magníficas ‘7 Vírgenes’ todo un soplo de aire fresco para nuestro cine, y la citada‘After’, en la que consiguió hacer un magnífico drama generacional con un canto nostálgico y dramático a una juventud que ya pasó, el cineasta sevillano encara su quinto proyecto embarcándose en un género al que no había acudido en sus cuatro anteriores producciones, un thriller policial.

Desde luego, se veía como una apuesta arriesgada y difícil, aunque los antecedentes muy cercanos de nuestro cine respecto a este género no pueden ser mejores. Ahí está ‘No habrá paz para los malvados’, que aclamada por la crítica especializada y gran triunfadora en los últimos premios Goya con 6 premios (entre ellos, mejor película, mejor director y mejor actor) había creado un precedente reciente con un listón muy alto.

Sin embargo, ‘Grupo 7’ no sale mal parada del intento, porque con ella Alberto Rodríguez consigue subir un peldaño más en una carrera cinematográfica que se va afianzado, pudiendo reconocerle incluso como en uno de los cineastas del momento en nuestro país.

En esta ocasión consigue hacer una película tremendamente efectiva y solvente con distintas virtudes y por supuesto mucho talento.

Para empezar, una espectacular y sólida ambientación, describiendo la atmósfera que se respira en los barrios sevillanos en donde se sitúa la trama. A lo que acompaña una magistral caracterización de todos y cada uno de los distintos personajes marginales que llenan de vida esta singular producción. A veces te crees que estás viendo ‘Callejeros’ de Cuatro.

Con un ritmo de narración bastante adecuado, la realización de ‘Grupo 7′ no está exenta de crudeza, sin ensañarse tampoco en la crueldad ni en la brutalidad, pero reflejando ostentosamente y mucho tino la realidad social de aquellos años en donde la lucha contra la droga y la limpieza de camellos y yonquis era una prioridad de los mandos policiales ante la próxima celebración de la Expo Universal del año 1992.

Un magnífico guión basado en una historia real, cuya autoría corresponde al propio Alberto Rodríguez y a Rafael Cobos, contribuye a que el cineasta consiga hacer un retrato magnífico de un grupo específico de la policía sevillana al que se le encomienda que reduzca la criminalidad y sobre todo, elimine la droga que circula por la ciudad.

A partir de aquí, y con ese objetivo, cuatro hombres, bajo el amparo de la ley se sumergen en este mundo oscuro de las cloacas de la droga, allí las concesiones y los abusos de poder campan a sus anchas.

El dinamismo y la emoción acompañan los 95 minutos de este drama policíaco.

No permite al espectador un respiro ni que pase de puntillas por la vida del ‘Grupo 7’, sino que hace que te vayas embriagando de cada uno de los cuatro miembros para, de esta forma, poder compartir la distinta evolución de sus personajes.

En este proceso evolutivo el cineasta sevillano se maneja como nadie, de una forma realmente excepcional traza con poco lenguaje, pequeños, abundantes detalles y por supuesto muchas imágenes marcan la vida de cada uno de esos personajes.

Será inevitable en este punto para muchos de nosotros su comparación con la referida ‘No habrá paz para los malvados’, en el sentido de compartir género, y apostar ambas por la propia honestidad de sus protagonistas, sus peculiares principios, y que en ciertas ocasiones en su labor policial el fin justifica los medios.

Aunque lo diferente en ‘Grupo 7’ es que tiene mucha más acción, hay mucha más marginalidad en su contenido, y es más coral en cuanto al reparto. No obstante, sin desmerecer ni un ápice este filme de Alberto Rodríguez, personalmente considero que no se acerca a la obra de Urbizu en cuanto a su profundidad, contundencia y su apelación incontestablemente al cine negro más clásico.

Respecto al apartado de los actores, Antonio de la Torre vuelve a demostrar que sin duda es uno de los actuales talentos interpretativos más grandes del cine español. Borda su papel metido en la piel de Angel un soltero, con problemas personales que proyecta toda su carencias en la actuación diaria policial, que pide a gritos otra nominación más nominación a los Goya del año que viene.

Mario Casas, alejado en esta ocasión del papel de guaperas e ídolo de quinceañeras, no desentona en su rol. Quizás en las escenas de acción deja alguna que otra laguna, a pesar de ello su actuación es más que acertada.

Junto a ellos José María Poga y Joaquín Nuñez los otros dos miembros del Grupo 7 que encajan bien, cada uno con su rol, en el puzzle que configura dicho grupo.

Junto a los cuatro policías, un plantel de secundarios perfectamente escogidos para la ocasión y que cumplen a la perfección con la labor encomendada, a los que destacaría a Inma Cuesta, a pesar de participa en muy pocas escenas, Lucía Guerrero y sobre todo Estefania de los Santos en el papel de una prostituta ‘La Caoba’, en una interpretación que personalmente me ha encantado.

En definitiva, una apuesta arriesgada y que ha cumplido con creces las expectativas creadas.

Éste es el tipo de cine español que se demanda, y un ejemplo palpable de que la industria cinematográfica nacional puede (y por lo tanto debe) funcionar entre el público patrio. Una clara evidencia de que a día de hoy existen cineastas en nuestro país que cuentan con la calidad suficiente para que des por bien empleados los 6,50 euros que te cuesta la entrada de cine.

‘Grupo 7’ se sitúa con todo merecimiento y por méritos propios como una de las grandes películas del cine español del 2012.

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‘[REC]‘ vino al mundo con un presupuesto de millón y medio y con la idea de ofrecer al público patrio una alternativa al popular -y cada vez más desgastado- terror americano y al más bien marginal terror español.

Tras su primera colaboración en la alimenticia ‘OT: la película’ (no es fácil abrirse paso en esta industria, así que no creo que a estas alturas alguien se lo reproche), Balagueró y Plazo volvieron a unir fuerzas para llevar a cabo una cinta de terror muy en la línea de la moda zombie-infectados imperante por aquél momento, pero intentando darle un enfoque -tanto visual como argumental- distinto.

La particularidad de su propuesta residía básicamente en el modo de filmarse, empleando la conocida técnica de la cámara en mano a modo de ‘falso documental’ o ‘found-footage’, con el operador de la misma ejerciendo como un personaje más de la película; y el fijarse toda la acción de la trama en un espacio único: un edificio de viviendas del centro de Barcelona.

¿Objetivo?. Buscar un mayor grado de realismo y credibilidad para con la historia e implicar al máximo al espectador en ella. ¿Lo consiguieron?.Teniendo en cuenta las críticas de prensa y público y el dinero recaudado, la respuesta es ‘Sí’.

Sus responsables no inventaron nada nuevo respecto al formato. La ochentera –y de culto- ‘Holocausto Canibal’ fue una de las precursoras, y desde entonces no han dejado de producirse, de forma más o menos intermitente, cintas apegadas a un estilo similar. Ahora bien, lo que sí consiguieron Balagueró y Plaza es revivir su popularidad y su efectividad en taquilla, algo que no ocurría desde finales de los noventa con la exitosa ‘The Blair Witch Project’.

Es más, aunque ya hubo producciones de corte similar durante esa franja de tiempo previa (entre 1999 y 2007), podríamos decir que fue este filme español el que puso la técnica nuevamente de moda, y de ahí que en estos últimos años nos hayan inundado con películas como ‘Paranormal Activity’ (y sus secuelas), ‘Cloverfield’, ‘The Last Exorcism’, ‘District 9′, la noruega ‘Troll Hunter’, ‘Apollo 18′ (producción americana dirigida por un español), ‘Grave Encounters’ o más recientemente ‘The Devil Inside’.

Incluso la televisión, por medio de Oren Peli (creador de la citada Paranormal Activity), no ha desaprovechado la oportunidad de subirse al carro con ‘The River’ (a un paso de ser cancelada, eso sí).

Tal como se puede comprobar, el terror es el género más propicio a sumergirse en el ‘found-footage’ debido, quizás, a que permite intensificar la sensación de tensión, angustia y/o claustrofobia que le son tan propias, logrando así una mayor empatía en el espectador, haciendo que el horror se sienta mucho más cercano y veraz.

La repercusión que tuvo ‘[REC]‘ tanto a nivel nacional (al éxito mentado en taquilla hay que añadir también sus galardones en el Festival de Sitges y en los Goya) como internacional hizo que en Hollywood se ganara un remake que, en opinión de quienes se tomaron la molestia de verlo, no era más que un calco plano por plano de la española.

Pero además, nuestra industria, falta de éxitos de este calibre (aquél fue uno de sus mejores años gracias a la susodicha y a ‘El Orfanato’ de J.A. Bayona) no ha querido desaprovechar la oportunidad de generar una franquicia y así exprimir la idea todo lo posible.

Así es como dos años más tarde vio la luz ‘[REC] 2′, que daba más de lo mismo pero con ligeras aportaciones y ofreciendo respuestas al consabido tema de la infección; respuestas que no fueron recibidas por todo el mundo con el mismo grado de entusiasmo.

Dicha secuela fue otro éxito, y aunque parecía que la saga no continuaría (ambos directores dejaron bien claro que aquella sería la última REC), lo cierto es que Filmax no tardó mucho en anunciar dos entregas más (poderoso es donde dinero…). Ahora bien, esta vez Plaza y Balagueró decidieron dividir fuerzas y centrarse cada uno en solitario en una película.

Y es ahora Paco Plaza quién nos trae ‘[REC] 3: Génesis’.

Esta tercera entrega transcurre en el marco de una boda, con la pareja de novios, Clara (Leticia Dolera) y Koldo (Diego Martín), como principales protagonistas del infierno zombie que se desatará en horas posteriores al enlace. En esta ocasión, son los amigos, familiares e invitados varios, junto al personal a cargo del evento, quienes sucumben a la infección y convierten lo que debería haber sido un alegre día de celebración en una auténtica pesadilla.

La película empieza mostrándonos a Clara y a Koldo antes de contraer matrimonio. Ambos se preparan para el día más feliz de sus vidas, pero no saben la que les espera…

En principio, todo transcurre con normalidad. Los invitados van llegando a la iglesia con sus mejores galas. Es un momento para el reencuentro y las felicitaciones.

En ese preciso instante, director y guionista ya nos indican cómo -o por culpa de quién- va a iniciarse el desastre que tendrá lugar horas más tarde. Además, la pista que nos ofrecen conecta la historia directamente con la primera película y nos pone sobreaviso: no estamos, ni mucho menos, ante una precuela.

Primera sorpresa: SPOILER– la historia transcurre de forma paralela a sus predecesoras, tal como podremos comprobar gracias a la retransmisión televisiva que ofrece un telediario –FIN SPOILER

Tras la boda propiamente dicha y el convite, empieza la fiesta y el baile con la música y el alcohol adueñándose del acto. Y todo son risas y jolgorio hasta que estalla el pánico… La desorientación es tal que nadie sabe qué hacer ni hacia dónde ir. La infección se extiende a la velocidad del rayo y los invitados huyen despavoridos hacia todas partes.

Hasta ese punto, en el que todo resulta muy natural, tal como sería una boda real (ojito al curioso detalle inicial del Dvd nupcial), el director ha mantenido la seña de identidad de la saga, es decir, la cámara en mano. Para ello ha utilizado a los personajes de Atún, un cámara profesional contratado para la ocasión (’un puntito cinema verité, muy canalla, muy online’), y Adrián (Alex Monner), el primo de Koldo.

Sin embargo, cuando la infección no ha hecho más que empezar, Plaza rompe -literal y figuradamente- con la cámara en mano y se lanza al formato tradicional, lo que le permite manejarse por el escenario con mucha más libertad creativa.

De este modo, también divide la narración en dos focos (Clara por un lado y Koldo por el otro) sin necesidad de excusarse con dos personajes filmando en escena. Y cuando lo necesita, también recurre a las cámaras de seguridad para enfatizar la tragedia.

Pero ésta no es la única diferencia remarcable respecto a las anteriores entregas, ya que también se rompe con el tono serio de aquellas y se afronta esta tercera parte con un toque mucho más gamberro y delirante.

Si ‘[REC] 2′ era a ‘[REC]‘ lo que ‘Aliens, el regreso’ (acción+terror) era a ‘Alien, el octavo pasajero’ (suspense+terror), podríamos decir que ‘[REC]3′ es a la saga REC lo que ‘El ejército de las tinieblas’ de Sam Raimi era a ‘Posesión Infernal’, ampliando el escenario, creando su propio personaje emblemático (Clara) en claro guiño al Ash de Bruce Campbell (¡esa sierra!) e incrustando un espíritu de aventura terrorífica y cómica que no se vio en las anteriores películas.

Plaza toma como referente el cine ochentero de Raimi, Peter Jackson y cía para montarse su propio festín gore y descacharrante, en donde incluso asoma, sin pudor alguno, la autoparodia (véase Atún, personaje sublime y, francamente, poco aprovechado).

Desde el primer ataque de infectados/poseídos, Clara y Koldo quedan separados, huyendo cada uno por su lado y esperando que el otro esté a salvo. Así pues, la trama se construye alrededor de ellos dos y de la odisea que viven con tal de poder reencontrarse y conseguir huir juntos de esta pesadilla.

Quizás se siente un poco precipitado (aún dentro de lo justificado que resulta dadas las circunstancias) el cambio radical de dulce novia a vengadora destroza-zombies que se produce en Clara, así como forzadas ciertas licencias narrativas (reducir la velocidad de los zombies según convenga) que el director se permite para poder regodearse en lo trágico y/o romántico de algunas secuencias.

De todos modos, esas licencias, que resienten un poco el resultado global de la cinta (junto a algún que otro bajón de ritmo), no impiden que el espectador disfrute sin complejos del show que el director se ha montado.

Un show en donde el amor juega una baza muy importante, pues no olvidemos que la historia se enmarca en una boda y que nuestros protagonistas son una joven y entusiasta pareja de enamorados, lo que da pie a momentos muy cursis pero, a la vez, muy necesarios para seguir jugando con el tono tragicómico y canalla que Plaza le otorga.

El director no afloja en los momentos de tensión o crudeza dramática, pues hay unos cuantos, pero en la mayoría de ocasiones predomina el cachondeo puro y duro aderezado con una buena dosis de violencia extrema muy socarronamente gore.

Momentos como SPOILER– el del Turmix –FIN SPOILER o el de Leticia a ‘motoserrazo’ limpio contra una horda de zombies en medio de un oscuro y húmedo túnel, son muestra fehaciente de ello (amén del desenlace final).

La película se siente muy autóctona, no sólo por el tipo de personajes -fiel reflejo cañí- que maneja o el conjunto de canciones rock que amenizan la velada (destacando, por encima de todas y en un momento cumbre, el mítico tema ‘Eloise’ de Tino Casal) sino también por las referencias y el contexto mismo de la historia, con un protagonista masculino que deviene en un improvisado Sant Jordi (con fiel escudero y todo, el ‘mexicano independentista’) en busca de su amada Princesa; o por esa puyita, con mucha sorna, que dejan caer sobre cierta institución de nuestro país que puede resultar tan o más repulsiva que un muerto viviente (no daré el nombre para no estropear la coña).

De entre tantos gags, algunos funcionan mejor (el animador infantil no tiene desperdicio) que otros, ya que en ocasiones se rebasa la fina línea que separa lo divertido de lo ridículo (la última charla entre Clara y su amiga francesa).

Sin embargo, lo importante es acudir a la sala de cine concienciado de lo que se va a ver: una comedia de terror muy cachonda y muy canalla, y no una peli de terror con ligeros toques de humor negro (que, para qué negarlo, es lo que servidor esperaba encontrarse).

Se trata de algo totalmente distinto a lo que hasta ahora nos había ofrecido la saga, así que el espectador común debe cambiar el chip. A los fans de la franquicia no les importará este cambio de rumbo e incluso lo celebrarán, pues serán ellos quiénes, seguramente, más disfruten de esta gamberrada.

Mientras esperamos a que Balagueró ponga punto y final a la saga con su ‘[REC] 4: Apocalipsis’ (que promete recuperar el tono de sus orígenes), tenemos en nuestra cartelera la que puede ser la boda más salvaje y sangrienta a la que seguramente hayamos asistido jamás. Y no hace falta ser pariente de ninguno de los novios para colarse en la fiesta.

P.D.: La novia con motosierra está destinada a convertirse en todo un icono del género. Y si no, al tiempo.

• Vía póster | LaButaca.net

Pero que aquella infausta perversión de la obra de Lewis Carroll triunfara no significa que las demás también lo hagan. La anodina versión crepusculera de Caperucita Roja que protagonizaron Amanda Seyfried y Gary Oldman, por ejemplo, no hizo tan buenos números, aunque gracias a su reducido presupuesto tampoco tuvieron que lamentar pérdidas económicas.

Ahora es el cuento de Blancanieves y los siete enanitos el que busca hacerse un hueco en las carteleras, y encima lo hace por partida doble (si no contamos la española –en blanco y negro y muda- que dirige Pablo Berger con Maribel Verdú ni la de Disney para el año próximo titulada “The Order of the Seven”).

Estos dos proyectos que se estrenan con apenas unos pocos meses de diferencia son, por un lado, “Blancanieves y la leyenda del cazador”, la versión épica y repleta de acción y efectos especiales que maneja Universal Pictures y que no veremos aquí hasta Junio; y por el otro “Blancanieves (Mirror, Mirror)”, la comedia para toda la familia que nos viene de la mano de Tarsem Singh, quién en diciembre del año pasado nos obsequiaba con un festín de sangre y violencia en la hiperbólica “Immortals”.

No es la primera vez que coinciden dos proyectos iguales o similares en el mismo año. No hay más que echar la vista atrás para encontrarnos con “Un pueblo llamado Dante’s Peak” vs “Volcano” en 1997, “Armageddon” vs “Deep Impact” un año más tarde, o más recientemente “The Descent” vs “La caverna maldita” (2005), entre otros ejemplos varios. Incluso “Sin compromiso” y “Con derecho a roce” se construían a partir de una premisa romántica idéntica. Ahora bien, aquí de lo que se trata es de la adaptación de un mismo cuento tradicional de los Hermanos Grimm que ha pasado de padres a hijos generación tras generación, y al que por lo visto cada estudio quiere darle su particular enfoque, a cuál más transgresor respecto al original.

Una malvada hechicera (Julia Roberts) se convirtió en Reina cuando conquistó el corazón de un honrado Rey. Pero tras la desaparición del soberano, la Reina ha sumido al reino en la pobreza, recaudando continuamente duros impuestos para celebrar sus fiestas de palacio. Ahora que su fortuna se agota, sus planes son casarse con un joven, rico y apuesto Príncipe (Armie Hammer). Sin embargo, un obstáculo se interpone en su camino: la dulce Blancanieves (Lily Collins), heredera por derecho del trono y cuya belleza se gana la atención del susodicho Príncipe. Desesperada, la Reina ordena a Brighton, su fiel lacayo, que lleve a Blancanieves al bosque y la mate. Sin estómago para cometer tan vil crimen, Brighton libera a la joven y huye de regreso a palacio convenciendo a su ama de haber cumplido el encargo.

Vagando por el bosque, Blancanieves encuentra finalmente refugio en la casa de una banda de salteadores de caminos diminutos (los siete enanos), quienes la acogen no sin ciertas reticencias.

Los pilares básicos de la historia que todos conocemos más o menos se mantienen, si bien hay cambios notables en diversos aspectos de la trama y de los personajes. Sin ir más lejos, aquí los siete enanitos no se ganan la vida honradamente picando paredes en una mina sino que se dedican a robar a todo al que se le ocurre internarse en sus dominios (léase el bosque). Tampoco se mantienen sus nombres (al menos no los que nos dio a conocer la maravillosa versión animada de Disney) ni sus rasgos característicos, aunque alguno que otro (Gruñón) queda ligeramente representado.

La Reina sigue siendo malvada, muy malvada; y Blancanieves dulce y encantadora, incluso cuando aprende a robar y a batirse en duelo con espadas (¿robar?, ¿duelos de espadas? Sí, se lo enseñan los enanos tras un intenso entrenamiento). El Príncipe, esta vez, es un poco zoquete, y en vez de leñador tenemos a un sirviente/lacayo/lameposaderas que cumple a rajatabla todas las ordenanzas de la Reina salvo, claro está, una en concreto: matar a Blancanieves. Luego ya pagará por ello con el correspondiente castigo.

Aquí el macguffin de la trama no reside tanto en que Blancanieves pueda superar a la Reina en belleza (la famosa pregunta al espejito ni tan siquiera aparece), sino en el hecho de que la joven pueda arrebatarle el corazón del príncipe al que quiere atrapar en sus redes. Además de que tampoco tiene intención alguna de legarle el trono al que tanto se ha aferrado todos estos años de liderazgo en solitario.

El propósito del guionista parte de la idea de contar el cuento desde la perspectiva de la Reina, algo que sucede a medias, pues pese a ser ella quién nos introduce en la historia a través de un delicioso prólogo animado (lo mejor de la película, sin duda), pronto su protagonismo queda pisado por Blancanieves y los enanos. En parte es mejor así, teniendo en cuenta el tratamiento –en ocasiones insufrible- que le han dado a algunos personajes.

Y es que la Reina de Roberts, en pequeñas dosis, resulta mucho más soportable. Claro que esta puede ser una apreciación muy subjetiva por mi parte ya que la exnovia de América nunca ha sido santa de mi devoción (por decirlo finamente).

Por otro lado, dentro del marco humorístico en el que se inscribe el filme, los enanos son prácticamente los únicos que de vez en cuando nos sacan una sonrisa, ya que el resto de gags, coñas y demás artimañas jocosas resultan tan infantiloides y ridículas (la poción del cachorrito y sus posteriores efectos en el príncipe son para echar al guionista a la hoguera) que dan ganas de abandonar la sala antes de que termine la proyección.

En honor a la verdad hay que decir que la película no es tan horrible como apuntaban los tráilers, pero tampoco es que el montador de los mismos tuviera mucho de donde cortar y rescatar para hacer una presentación medianamente potable de la misma. Lo mejor es que la vuelta de tuerca de Tarsem logra mantener el espíritu de cuento que, dudo mucho, pueda siquiera alcanzar la “versión tolkiana de Universal”. Sin embargo, eso no la salva de ser una versión tediosa e irritante del cuento cuya gracia se ve reducida a momentos muy puntuales, lo que inevitablemente malogra su condición de “comedia para toda la familia”.

Dentro de este a ratos bochornoso espectáculo de pasteloso colorido y esperpéntico vestuario (esto último, muy propio de Tarsem; no hay más que recordar a los dioses de pasarela de su “Immortals”), el reparto salva un poco los platos, y aunque Lily Collins, por ejemplo, luzca unas cejas en las que podrían aterrizar aviones, no puedo sino reconocer que deviene en una Blancanieves ideal. Por el contrario, Sean Bean parece un poco perdido, cómo preguntándose “qué demonios hago yo aquí y por qué no estoy rodando alguna película directa a videoclub, con la que seguro pasaría menos vergüenza ajena”.

Y es que al pobre le ha tocado asistir a la peor parte de la cinta, es decir, el final, en donde Tarsem (con la excusa de que en el reino se cantaba y se bailaba antes de la llegada de la malvada bruja) nos encasqueta, como tiro de gracia, un chirriante desenlace musical al más puro estilo Bollywood (algo que el director hindú seguramente ansiaba poder incluir desde su primera película en Hollywood). Y eso que el tráiler ya nos había puesto en preaviso, pero no ha sido suficiente para amortiguar el daño causado en mis retinas y oídos.

No obstante, en vista de la división de opiniones surgida tras la asistencia al pase de la película (unos salieron encantados y otros echando pestes), no seré yo quien desaconseje su visionado (a fin de cuentas, mi opinión es tan válida o discutible como la de cualquier otro), pero personalmente recomendaría reservarse los euros por si acaso la “deconstrucción” de Universal resulta ser mejor propuesta, cosa que, por supuesto, aún está por ver.

En todo caso, siempre nos quedará la película Disney, una joya de la animación.

Vía Póster | elseptimoarte.net

Ahora el director cambia nuevamente de registro y nos presenta “El exótico hotel Marigold”, una comedia dramática acerca cómo afrontar la vejez, esa última etapa de nuestras vidas. Para ello, Madden ha contado con un reparto coral de excepción formado, entre otros, por ilustres como Judi Dench, Maggie Smith, Bill Nighy o Tom Wilkinson.

Regentado por el joven e ingenuamente ambicioso Sonny Kapoor (Dev Patel), “El exótico hotel Marigold” supone la solución que la India propone a los ciudadanos más selectos de Reino Unido para que disfruten de su jubilación; un lugar donde éstos puedan pasar sus años dorados rodeados de suntuosos servicios y comodidades.

Hasta allí llegan siete jubilados con la imperiosa necesidad de realizar un cambio en sus vidas. Sin embargo, una vez allí descubrirán que el exótico hotel no es tan majestoso como lo pintaban…

Quizás os haya ocurrido alguna vez eso de ojear un folleto o una web de un hotel, reservar plaza allí, hacer las maletas, llegar al hotel y daros cuenta que el susodicho no luce como las fotografías que habías visto ni cumple con las especificaciones que habías leído. Pues bien, eso mismo le ocurre al grupo de jubilados protagonistas. En su caso, el problema es aún mayor si añadimos el choque cultural entre las costumbres inglesas y las indias, y si tenemos en cuenta que no se trata de unas simples vacaciones de unos pocos días sino que su intención es pasar una larga estancia en el hotel.

Sonny heredó de su padre este antiguamente sofisticado edificio y desde entonces trabaja con la esperanza de convertirlo en un lujoso hotel. Desgraciadamente, sus recursos son limitados y el éxito se está retrasando más de lo esperado. Pero según Sonny, en la India tienen un dicho: “Al final, todo irá bien. Por lo tanto, si no va todo bien, es que todavía no es el final”.

Así pues, el joven no pierde la esperanza, y con la llegada de sus nuevos huéspedes recupera la ilusión por alcanzar su sueño. Es por ello que trata de compensar las carencias del hotel mostrando una actitud positiva, entusiasta y muy servicial hacia sus clientes.

Se necesitan muchas reformas en el lugar para convertirlo en un complejo vacacional ideal, si bien pese a no estar todo lo acondicionado que debería, la estancia en él supondrá toda una experiencia para los recién llegados.

Cada uno de los personajes protagonistas tiene un motivo particular para alejarse de su tierra natal e instalarse en la cálida ciudad de Jaipur, si bien todos persiguen un fin común: iniciar una nueva vida.

Evelyn (Judi Dench) está afligida por el reciente fallecimiento de su esposo, y no sólo se ha quedado sola sino que éste la ha dejado con una considerable deuda financiera, por lo que no le queda más remedio que desprenderse de su hogar e irse a vivir con su hijo y su familia. Pero Evelyn ha vivido siempre bajo el amparo de un marido, y no quiere hacer ahora lo mismo con su hijo. Ella no desea depender de nadie, y aunque la idea de empezar de nuevo en la India suene disparatada, es un riesgo que está dispuesta a correr. Necesita saber que puede valerse por sí misma, y espera lograrlo allí.

Con tal de tranquilizar a su hijo, Evelyn promete escribir regularmente en un blog para contar en él su día a día. Y ese blog se convierte en la voz en off que el director utiliza para retratar tanto sus vivencias como las del resto de vecinos.

Graham (Tom Wilkinson) abandonó su trabajo como juez del Tribunal Supremo para regresar a la India, lugar en el que transcurrió su tierna infancia. Ahora que ha vuelto, es el momento de liberarse de la pesada carga que lleva arrastrando consigo desde hace mucho tiempo…

El matrimonio formado por Douglas y Jean (Bill Nighy y Penelope Wilton) está en la ruina después de que él, un afable funcionario del gobierno, le prestara el dinero de su jubilación a su hija en un negocio que no ha prosperado. La difícil situación económica que atraviesan y la decadencia del hotel se convierten en tema de discusión constante entre la pareja, que va distanciándose cada vez más.

Jean, incapaz de sentir curiosidad por el país que la acoge, se pasa las horas encerrada en el hotel leyendo algún libro, mientras que Douglas descubre su lado más turista y empieza a disfrutar de sus paseos y sus tours por la ciudad. Paseos que lleva a cabo sólo o en compañía de Evelyn.

Norman (Ronald Pickup) va por la vida cual Casanova, fingiendo tener una edad que no tiene e intentando, sin éxito, saciar su apetito sexual con mujeres más jóvenes que él. Su estancia en la India quizás sea lo que necesitaba para encontrar por fin esa gran aventura sexual que anda buscando… o quizás incluso para hallar el amor.

Una aventura similar es la que busca Madge (Celia Imrie), sólo que sus motivos son algo distintos. Ella es una cazafortunas y su intención es encontrar un hombre adinerado con el que poder casarse.

En último lugar pero no menos importante tenemos a Muriel (Maggie Smith), una ex ama de llaves gruñona y la única que viaja a la India por obligación, pues ahí es donde debe ser operada de la cadera. La idea de permanecer en el país un día más de lo necesario le aterra, pero puede que el destina le aguarde una sorpresa…

Para todos ellos, su estancia en el Hotel Marigold supone muchos cambios. A veces esos cambios son buenos, a veces no lo son tanto… pero siempre son necesarios.

La India, ese extraño lugar que te puede horrorizar o te puede cautivar, causa un profundo efecto en ellos y poco a poco van dejando atrás su pasado. La incertidumbre e inseguridad iniciales pueden resultar desmotivadoras, pero con el paso de los días la magia del país irá calando y haciendo su efecto.

En el período más gris de sus vidas, se abre ante ellos un nuevo y esperanzador capítulo. Y ya no sólo para los residentes sino también para el propio Sonny, cuya lucha no se limitará solamente al ámbito laboral sino también al personal.

De este modo, la película va acumulando momentos divertidos y momentos más tristes, e intercalándolos para que la mezcla entre drama y comedia sea homogénea y ninguna de las partes haga mella en el espectador. La gran mayoría de los personajes resultan entrañables y enseguida se ganan nuestra simpatía.

Sus desventuras nos sacan una amplia sonrisa y sus aflicciones nos duelen casi tanto como a ellos.

Madden logra que empaticemos y pasemos un rato agradable en compañía de esta jovial panda de jubilados cuyas peripecias pasan por el romance, la amistad, la superación personal, el derribo de prejuicios, el canto a la vida… Todo un reajuste emocional el que viven los personajes y una experiencia emotiva, divertida y entrañable la que vive el espectador en las -quizás un tanto excesivas- dos horas que se permanece sentado en la butaca asistiendo a la proyección de “El exótico hotel Marigold”.

Una película amable y sin pretensiones que se ve con agrado y que nos permite disfrutar, una vez más, de unos intérpretes maravillosos (Dench, Smith, Wilkinson… perfectos todos ellos en sus respectivos papeles).

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Sin embargo, en su lugar figuraban otras opciones más o menos discutibles (según los gustos de cada uno, claro está), y entre las elegidas sorprendía la presencia de “Tan fuerte, tan cerca”, un drama con el fatídico 11S de telón de fondo que cosechó no pocos abucheos por parte de la crítica especializada.

Quizás la inclusión tuviera que ver, precisamente, con la temática del terrible atentado a las Torre Gemelas, pues ya sabemos que los americanos son muy suyos; o quizás se tratase de uno de esos casos en los que los críticos ponen la mira en una película y se ceban sin compasión sin que ésta merezca, en proporción, tales pedradas.

Sea como fuere, lo cierto es que las nominaciones no le son desconocidas a Stephen Daldry. Sus tres anteriores trabajos estuvieron presentes en los Oscars, los Globos de Oro, los BAFTA y demás premios de prestigio. Precisamente con “Las horas” y “The Reader (El lector)”, actrices como Nicole Kidman y Kate Winslet ganaron, respectivamente, sus primeros Oscars en la categoría de Mejor Actriz.

Por ello, con semejante currículum la pregunta es inevitable: ¿”Tan fuerte, tan cerca” es, realmente, tan mala? Veamos primero qué nos cuenta…

Oskar Schell (Thomas Horn) es un niño neoyorquino de once años ingenioso e inusualmente precoz. Un año después de que su padre (Tom Hanks) muriera en el World Trade Center, el día que Oskar llama “el peor día”, descubre una llave entre sus posesiones y decide enfrascarse en una quijotesca odisea por toda la ciudad de Nueva York en busca de la cerradura que abrirá.

Oskar recorre los cinco distritos de Nueva York en busca de la cerradura perdida, conociendo a un montón de personas diferentes, supervivientes a su manera, que le hacen descubrir cosas sobre el padre al que tanto extraña, la madre (Sandra Bullock) de la que se siente tan distanciado y el ajetreado, peligroso y confuso mundo que le rodea.

Daldry adapta esta vez la novela homónima de Jonathan Safran Foer, una de las primeras obras literarias acerca de la tragedia de las familias afectadas por el 11-S. En esta historia, contemplamos dicha tragedia y sus efectos a través de la mirada de un niño que ha perdido su padre en el atentado a las Torres Gemelas.

Oskar estaba muy unido a su progenitor, quién le animaba a manifestar sus inquietudes artísticas y a desarrollar su imaginación a través de juegos creativos y excursiones por la ciudad. Al perder esa figura paterna y no encontrar el consuelo que busca en su madre (rara vez acude a ella más que para descargar su ira contenida), Oskar se encuentra perdido y temeroso de todo lo que rodea.

Encontrar la cerradura que abre la misteriosa llave es, para él, un modo de acercarse a su padre, y todo el tiempo que permanece sumergido en su titánica búsqueda, es un tiempo extra con el que el destino le obsequia para seguir conectado a él.

En realidad, Oskar realiza dos viajes en uno: por un lado, está el viaje físico que le lleva de punta a punta de la ciudad, picando puertas y timbres en busca de una persona que conociera su padre y pueda ayudarle con el tema de la llave; por el otro lado, está el viaje emocional, ya que con cada paso que da y con cada desafío que supera, Oskar va venciendo sus miedos y superando su tristeza. Poco a poco, sus experiencias van aplacando la angustia que le consume, si bien aún tendrá que sacar todo el dolor que lleva dentro para que éste deje de atormentarle.

El trauma de Oskar sirve, entre otras cosas, para reflejar el dolor de toda una nación, y el viaje que nos propone la historia indaga en ese dolor de forma tangencial y bajo la subjetividad de un niño.

Y aquí entra en juego también el personaje que interpreta estupendamente Max Von Sydow, el inquilino (cuya identidad no es en ningún momento un misterio para el espectador) que vive en el piso de la abuela de Oskar y que, incapaz de pronunciar palabra, se comunica con los demás a través de notas que va escribiendo en el bloc que lleva siempre consigo.

Sin mediar palabra, el hombre se convierte en su compañero de viaje, en su amigo y en su confidente.

Oskar es un niño un tanto peculiar (dicho sea esto a modo de eufemismo), algo que de algún modo él mismo parece reconocer al revelar, en un momento dado de la película, que de pequeño fue sometido a varias pruebas para detectar alguno de los síndromes característicos de Asperger o de autismo, pero sin que de éstas ofreciesen “resultados concluyentes”.

Por ese motivo, en ocasiones su comportamiento y sus manías pueden resultarnos bastante chocantes e irritantes. Desde luego, no es culpa del joven Thomas Horn (ojalá él, y no a Asa Butterfield, fuera el elegido para encarnar al Ender de Scott Card). Daldry y su equipo de casting han demostrado tener muy buen ojo (no es que sea un personaje fácil de llevar para un crío), tal como ya hicieran años atrás eligiendo a Jamie Bell para el papel del joven bailarín Billy Elliot.

Pero está claro que si uno no termina de conectar con la sensibilidad de Oskar, es muy posible que el filme se le haga farragoso, más cuando la ñoñería que desprende no está del todo bien calibrada.

Siempre se ha dicho que es más fácil hacer llorar que hacer reír. Y es cierto.

Existen una serie de mecanismos para tocarnos la fibra; una serie de teclas que al pulsarlas consiguen que se nos oprima el corazón y se nos humedezcan los ojos. La idea, por supuesto, consiste en no ver la mano que pulsa esas teclas, y ahí es donde radica el principal lastre de la película.

Al guión se le ven las costuras, y la manipulación cara al espectador resulta, en ocasiones, demasiado evidente. El dramatismo forzado y llevado al extremo provoca que la historia trastee con frecuencia entre la emotivo y lo sentimentaloide, lo que perjudica seriamente ese proceso de empatía en el espectador.

Sin embargo, no sería la primera vez que rompo la lanza en favor de una película masacrada por la crítica y, desde luego, no será la última, y aunque “Tan fuerte, tan cerca” no sea lo buena que podría haber sido, creo que está lejos de ser un espanto. Así que respondiendo a la pregunta planteada, no, no es tan mala, pero su sensiblería y su histerismo pueden resultar cargantes.

Así que supongo que de la sensibilidad o indulgencia del espectador dependerá que la película de Daldry entre mejor o entre peor, y será cada uno el que debe razonar y juzgar si ésta es merecedora o no de ser condenada al ostracismo.

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En su defecto, puede ocurrir que el director de la cinta original repita la jugada y se ponga detrás de la cámara para realizar la versión americana. Ese sería el caso de “13 Tzameti”, thriller francés que en su versión yanqui (no estrenada aún en salas de cine, y eso que data de 2010) contaba de nuevo con Géla Babluani en labores de dirección y guión (co-guionista, para ser más exactos) y adjudicándose para la ocasión un reparto de relumbrón (Jason Statham, Mickey Rourke, Michael Shannon, Alexander Skarsgård, Ray Winstone…).

Lo que ya no es tan común es encontrarse con que el tipo que asume esa responsabilidad (dirigir el remake) es el actor protagonista del filme original. Esto es lo que ocurre con la película que nos ocupa.

Baltasar Kormákur es un hombre polifacético. De origen hispano-islandés, Kormákur ha ejercido como actor y dirigido y producido varios films en Islandia. En 2008 produjo y fue el protagonista de “Reykjavik-Rotterdam”, thriller que ha servido de base para construir la historia de “Contraband”, versión a la americana de aquél y segundo largometraje en suelo estadounidense de Kormákur tras “Inhale”.

Chris Farraday (Mark Wahlberg) dejó atrás sus actividades delictivas como contrabandista y disfruta ahora de una cómoda vida familiar junto a su esposa (Kate Beckinsale) y sus dos hijos. Sin embargo, cuando su cuñado Andy (Caleb Landry Jones) mete la pata en un asunto de drogas encargado por su implacable jefe Tim Briggs (Giovanni Ribisi), Chris se ve obligado a volver a hacer lo que mejor se le da, pasar contrabando, para pagar la deuda de Andy.

El modo en el que se construye la trama de la película no es, ni mucho menos, original, y si tuviéramos que buscar un ejemplo similar más o menos reciente en el tiempo lo encontraríamos en “60 segundos”, aquél filme que también contaba con la presencia de Giovanni Ribisi.

Pero si en aquella Ribisi era el culpable indirecto de que su hermano, un experto ladrón de coches (interpretado por un Nicolas Cage antes de entrar en decadencia) tuviera que volver a las andadas para dar la cara por él ante un mafioso con muy malas pulgas, aquí ese papel recae en Caleb Landry Jones (el mutante Banshee en “X-Men: Primera generación”), mientras que él, Ribisi, interpreta ahora el rol de delincuente en la piel del peligroso Tim Briggs.

Y de robar coches pasamos ahora a un asunto de contrabando de drogas en el que inevitablemente se tendrá que implicar Chris, un legendario contrabandista que decidió dejar atrás la vida criminal para no acabar entre rejas como su padre.

Pero ante las amenazas de Riggs, a Chris no le queda otra que salir de su retiro, tirar de antiguos contactos/recursos y reunir a un equipo de confianza para hacer un último trabajito y tratar de saldar la deuda que tiene el hermano de su mujer.

Chris cuenta con la ayuda de su mejor amigo –casi como un hermano- Sebastian Abney (Ben Foster) para encargarse de cuidar a su familia mientras él viaja a Panamá para hacerse con varios millones de dólares en billetes falsos. Y es que por muy delincuente que sea, nuestro protagonista tiene sus propias reglas, y lo de pasar droga de contrabando no van con él. Por tanto, el dinero falso debe convertirse en la moneda de cambio para ajustar cuentas con Briggs.

Como suele ocurrir en este tipo de historias, cuyo esquema es muy similar al de las películas de robos y atracos, los planes no siempre salen como uno tenía previsto, así que nada más poner un pie en Panamá las cosas empezarán a torcerse y a complicarse de mala manera…

Asumiendo que Wahlberg es un actor de limitadas capacidades interpretativas, lo único que resta esperar de él es que al menos resuelva la papeleta con cierto oficio, teniendo en cuenta que el personaje que asume, el héroe de la historia, tampoco exige mucho esfuerzo.

Tampoco dista demasiado de otros que ya ha interpretado con anterioridad (véase el ladrón Charlie Croker del remake de “The Italian Job”). Así pues, “Marky Mark” cumple sin más en un trama que, como ya he comentado anteriormente, sigue unas pautas muy parecidas a las de las cintas de robos, pues la idea no deja de ser la de hacerse con una mercancía (que puede ser dinero, joyas, drogas, coches de lujo, obras de artes… lo que se tercie) y despistar a las autoridades (en este caso, los agentes de aduanas) para que no les chafen el negocio.

Y lo malo de compartir ciertos elementos, y de que estemos ante un thriller dónde abundan los clichés a punta pala, es que todo resulta muy previsible; cada personaje, cada paso que dan… Nos es todo tan familiar que no hay giro argumental o golpe de efecto que nos pille por sorpresa.

Chris tiene que resolver el asunto que tiene entre manos en cuestión de horas si no quiere perder el barco que le ha de llevar de vuelta a casa. En ese tiempo debe sortear todo tipo de dificultades y contratiempos que ponen en peligro su misión y, en consecuencia, la vida de su familia. Y, sinceramente, no hay problema que no nos olamos ya a kilómetros.

Las traiciones se ven venir desde una hora lejos SPOILER—sobre todo si para el rol de “amigo traidor” fichas a alguien tan encasillado –al menos en historias de este tipo- como Ben Foster – FIN SPOILER y las piruetas e ingenios que Chris tiene que sacarse de la manga para sortear los obstáculos son casi de manual (SPOILER– el truquillo de sal ya lo hemos visto antes y lo de la aspirador te lo figuras desde el primer instante en el que las cosas empiezan a ir mal – FIN SPOILER).

De todos modos, estamos ante una cinta de género que es, cuanto menos, entretenida, así que su previsibilidad no supone tampoco un gran impedimento para dejarse llevar durante un par de horas mientras se devora un cubo de palomitas recién hechas (lo de “recién hechas” en el mejor de los casos).

Hay detalles interesantes que nos sacan alguna sonrisita, como por ejemplo esa ligera puyita al arte contemporáneo con el cuadro de Pollock, la camadería entre Chris y sus compañeros o los roces de éste con el capitán del barco encarnado por J.K Simmons.

Además, el personaje de Foster es algo más complejo de lo que cabría esperar, así que el guión resuelve el conflicto que le atañe (SPOILER — con el castigo que le corresponde, cuando lo más fácil –yendo en contra de la ética de Chris- hubiese sido pegarle un tiro y santas pascuas – FIN SPOILER)

Por otro lado, el reparto, que incluye a gente como Ribisi (con un look muy quinqui), Foster, Beckinsale (más guapa y más creíble que cuando mata hombres lobos embutida en cuero), Simmons o Lukas Haas, cumple sobradamente y la dirección de Kormákur, que se abstiene de florituras (las secuencias de acción tienen ese toque sucio y realista de los thrillers de hoy día, así que no busquéis espectacularidad por ningún lado), es lo suficientemente apañada para conseguir llevar a buen puerto -y nunca mejor dicho- un guión tan tópico como funcional.

Así que “Contraband” cumple con el trámite, siempre que no le pidas peras al olmo, en cuyo caso mejor ni te molestes en verla.

• Vía Póster | elseptimoarte.net

Ha sido todo un fenómeno social y cultural en Francia, un éxito comercial tremendo gracias a los casi veinte millones de espectadores que han disfrutado ya en el país galo con esta singular propuesta, y que además la han aupado como la segunda película más taquillera de la historia del cine francés tras ‘Bienvenido al Norte’.

También le avalaban sus nueve nominaciones en los últimos premios César, donde por desgracia sólo consiguió materializar una de ellas en premio, el de mejor actor para su coprotagonista el intérprete de origen senegalés Omar Sy.

Ante tantas buenas y magníficas referencias previas, no sé si os ocurre a vosotros, pero por lo general la decepción suele estar casi siempre asegurada. Sin embargo, en esta ocasión, mis miedos se disiparon en los primeros quince minutos, y sinceramente he disfrutado como un enano del resto de su metraje.

¿Pero qué contiene ‘Intocable’ para cautivar en la forma en que lo hace?. ¿Dónde está el secreto de su tremendo éxito comercial?.

strong>Es una película amable, entrañable y divertida, pero sobre todo positiva, llena de emotividad, con la gran virtud de no acudir al recurso de la lágrima fácil.

Y la clave fundamental está en la maravillosa química de sus protagonistas, los cuales representan dos mundos opuestos y radicalmente distintos que por casualidades de la vida y del destino convergen y se encuentran.

A partir de aquí una oda a la vida, a las ganas de luchar, a las ganas de disfrutar, todo ello bajo el paraguas de una maravillosa historia de amistad que hace que realmente llegué al corazón del espectador.

Todo ello con mucho, mucho humor, siempre por encima del drama en donde no se profundiza, y se enseña nada más y nada menos que lo imprescindible y necesario para darnos por enterados.

A pesar del serio problema de uno de sus protagonistas, la película consigue que la enfermedad sea sólo algo accesorio, algo añadido con lo que hay que aprender no sólo a vivir, sino también a disfrutar de la vida.

Hace ya unos cuantos años, los directores de esta película Eric Toledano y Oliver Nakache vieron un documental sobre la historia de un tetrapléjico llamado Philippe y su cuidador. De ahí surgió la idea de llevar esta historia a la ficción. Eso sí, Philippe exigió una única condición: contarla en tono de comedia… todo un acierto.

A partir de aquí los cineastas construyen su fábula basada en dos principios básicos la naturalidad y la sencillez mezclando la sonrisa y el drama de una forma brillante, para enseñarnos dos mundos completamente distintos, de contrastes y un encuentro en donde no hay cabida para la compasión y sí para la amistad sincera generando situaciones geniales.

La actuación del dueto protagonista, no puede ser mejor. François Cluzet, hace una interpretación brillante, con aires del mejor Dustin Hoffman, anclado a su enfermedad y su inmovilidad y con la sola expresión de su rostro. Otra lección de magisterio, tras su maravillosa actuación en ‘Pequeñas mentiras sin importancia’.

Lo de Omar Sy, todo un descubrimiento, un pedazo de actor que en la comedia consigue deslumbrar y hacerte reir en innumerables ocasiones. Maneja de maravilla un papel contudente, fantástico, lo que le permitió desbancar al mismísimo Jean Dujardin, de la oscarizada ‘Artist’, como mejor actor en la citada última entrega de los premios César.

Junto a ellos un conjunto de actores secundarios como Audrey Fleurot, Clotilde Mollet, Alba Gaïa Kraghede Bellugi y Christian Ameri, entre otros que cumplen perfectamente en el papel que les han encomendado.

Por otra parte, la banda sonora es otro elemento más que contribuye al éxito del filme. En ella se mezcla acertadamente diferentes obras clásicas de Vivaldi o Chopin con canciones míticas de la década de los setenta como las fantásticas ‘September’ y ‘Boogie Wonderland’ del legendario grupo Earth Wind & Fire.

Y la fotografía también pone granito de arena, magnífica, principalmente en las excursiones de los dos protagonistas.

En definitiva, el cine francés vuelve a acertar de pleno, dentro y fuera de sus fronteras. Un ejemplo, que envidio sanamente, de sencillez, entretenimiento, divertimento, positivismo y emoción. Una auténtica delicia, por favor no se la pierdan.

• Vía póster | LaButaca.net

Productos puramente palomiteros pero de los que no quedaba poso alguno en la mente del espectador, que ya no sólo pasaba página sino que además evitaba de un segundo visionado, característica la cual hace que un film pase de ser normalito a imprescindible.

Encima ‘John Carter’ se presentaba apriori como la primera película en acción real de la Pixar, habiendo perdido por el camino dicho apelativo y quedando sólo Andrew Stanton, director de ‘Wall-E’ o ‘Buscando a Nemo’. Eso junto a una campaña que no se ha cortado en espectacularidad y que provoca de forma automática en todos un tufo de ‘mucho ruido y pocas nueces’ o los consabidos ‘haters’ instantáneos, hacía que ‘Carter’ estuviera casi más maldita que bendecida antes de su estreno.

No sólo pasa con ‘Carter’, ocurre con casi todos los blockbusters de más de 150 millones que se presentan todos los años.

La diferencia es que este film te quita los prejuicios cuando acaba el metraje. Si alguien la tiñe de aburrida, mal concebida o de efectos especiales mediocres, es que no necesita leer ni esta ni ninguna otra crítica para seguir odiándola, porque ‘Carter’ es todo lo contrario.

Como titular básico diremos que es la película más espectacular jamás rodada por la Disney, y eso no se lo quita ni los posibles fallos que en dos horas y poco evidentemente tiene que tener.

Como cualquier otra que se atreve a tan monumental duración, que lo fácil es hacer algo bastante decente en 90 minutos.

La historia de la adaptación de ‘John Carter’ es tan antigua que de haberse llevado a cabo los primeros planes de rodarla como film de animación estaríamos ante la primera película Disney de la historia, mucho antes que ‘Blancanieves’ en 1937. Tras un conato de producción a cargo de Harry Harryhausen, la Disney se hizo con los derechos en 1980 pasando por sus instalaciones gente como Tom Cruise y directores como Robert Rodriguez y Jon Favreau, el que más cerca estuvo de hacerse con el puesto y que posteriormente confesaría que mucho de su visión de ‘Cowboys & Aliens’ venía de sus ideas para ‘Carter’.

Es lógico que tras 32 años de desarrollo, uno termine pidiendo que la película sea lo más de lo más. Les ha dado tiempo para innovar en tecnología, para que los ordenadores hagan virguerias, para que el 3D de empaque al conjunto y para que el guión no tuviera la más mínima laguna, que es el pilar principal sobre el que nos apoyamos para no calificarla de coñazo absoluto.

Ya no os valen los millones y el CGI. Si no se funden efectos, historia y fondo a la perfección, el film no pasa el corte:

Para mi, la película pasa el corte y lo supera. Lo que nos ha atrapado de ‘John Carter’:

- Los efectos digitales/visuales. Si por algo hay que ver ‘John Carter’, aunque sólo sea por saber de qué se habla, es por su insuperable apartado de efectos. Ya hemos dicho que estoy es tan evidente como el inexorable paso del tiempo y las mejoras digitales, pero no es lo mismo gastarse 200 millones y que el CGI sea arrollador a gastarse 200 millones y que el CGI sea cautivador, integrado a la perfección en la trama e imprescindible en la historia.

La Disney nunca había apostado por tal cantidad de efectos y tan bien aprovechados. Nada está fuera de su sitio ni se hace alarde sin necesitarlo, lo que consigue que no asistamos a escenas innecesarias y de homenaje ridículo a los millones que se gastan.

- Tas Tarkas y los barsoomianos. Impresionante, el mayor logro del film sin dudarlo. Nos hemos creído que los spots y trailer nos mostraban el principal atractivo del film, consistente en naves espaciales y monos blancos gigantes, pero yo nunca caí en la cuenta que tener durante hora y media a unos tipos verdes que son coprotagonistas por derecho de la historia podía echar todo el esfuerzo de la Disney al váter.

Y no lo hace, porque gozan de tal carisma que uno al final no tiene la percepción de que son CGI o están pixelados. Provocan ternura (Sola), terror (Tal Hajus) y una presencia inolvidable, como la de Tas Harkas, que le roba las escenas a cualquiera de los otros actores, incluidos al propio Kitsch.

- El orden de la historia. Si cierro los ojos soy capaz de visualizar el prólogo, la parte central y epílogo de la película. El guión de Andrew Stanton y Michael Chabon está impecablemente estructurado, fiel a lo que esperaba de ellos. Se nos presenta a Carter en su forma humana y arrogante durante un inicio algo titubeante, pero que remonta por completo cuando el protagonista pisa Barsoom y termina de forma magnífica con unos veinte minutos en los que no se bajan los brazos y que dan la sorpresa final al espectador.

- La dirección de Andrew Stanton. No le puedo poner muchos ‘peros’ a su gestión, pero el director sabe contener de forma loable tanto derroche visual y de efectos digitales. No se le escapa de las manos una producción que tenía todas las papeletas de convertirse en una demostración de ostentación que no iba a ningún sitio y que sólo se movía por 3D y por monigotes corriendo y luchando.

-La Banda Sonora, grande Michael Giacchino (’Up’) y que encaja como un guante en toda la película, con momentos de auténticos ‘pelos de punta’.

‘John Carter’ al final ha devenido en un film que puede ser ya una de esas películas de aventuras que se disfrutan durante años y años, y que se verá mejor y mejor con cada visionado. Una locura.

Yo iba con pocas expectativas, porque ya me olía un ‘Prince of Persia 2′, pero las sorpresas se dan cuando uno menos lo espera.

Siempre hay que tener en cuenta que algo puede fallar, o estar más desentonado con el resultado final. A uno les parecerá que todo el metraje desentona, la odiarán o lo peor, ni siquiera le darán una oportunidad, pero pocas cosas cambiaríamos:

- La relación entre Kitsch y Dejah Thoris. A ‘John Carter’ le ha faltado una entrega más para dejar a la lógica las emociones humanas. Ciertamente la pasión entre Kitsch y Thoris es tan previsible y apresurada como que en 20 minutos pase de odiarse y besarse desesperadamente. Me recordó a ‘Prince of Persia’, curiosamente, puesto que se repite una parte de la estructura del viaje y hallazgo mágico entre ambos protagonistas para desatar el amor para toda la vida.

Les hubiera dado más tiempo o no los hubiera juntado hasta muy final, final….pero no podemos ir en contra de lo que el propio Edgar Rice Burroughs dejó escrito, y gracias a Dios Lynn Collins está espléndida.

- Las ‘movidas’ políticas. Hay un momento, muy corto, pero lo hay, en el que me perdí completamente en la maraña política de Barsoom, con idas y venida entre un gran Cirian Hinds, su princesa y demás cuestiones palaciegas. Eso hace que Carter y Thoris vayan primero a un sitio, luego regresen a otro, luego viajen a otro…en fin, menos desplazamientos interestelares hubieran sido perfectos.

- El villano. Muchos dicen que un film es lo que su villano produce. ‘John Carter’ es lo que Tas Tarkas y Marte produce, pero no su villano. El regente de Zodanga no está fuera de lugar, pero no pasa de ser tan amenazante como su guantelete cósmico, que podría tenerlo cualquiera. Mark Strong como el enigmático Matai sería la auténtica entidad maligna de la historia, pero también resulta algo flojo.

Muy al contrario, los barsoomianos son una plaga al principio, y los monos blancos una pesadilla al final.

El problema es que para arreglarlo hubiéramos necesitado sangre, un ser despiadado y un contenido más adulto, y esto no va por esos derroteros.

- ¿Más humor?, no sé, no sabría decir si es necesario porque la película funciona perfectamente con lo que tiene. No es una película de acción con un personaje bajito y secundario que de el toque gracioso al guión. Lo único bajito es el perro, homenaje palmario a la Pixar, y tampoco es que esté ahí todo el tiempo.

‘John Carter’ es divertida, entretenida, espectacular y todo un goce visual en 3D, un 3D por el que merece la pena pagar, tanto por sus paisajes, texturas, como por lo sutil que se integra en toda la película.

No puedo deciros que es la perfección del género, porque no existe, pero cumple con lo que le pedimos siempre a este tipo de producción: quedar pegados a la butaca, disfrutar, evadirse durante dos horas, viajar a un Marte asombroso y disfrutar como el niño que ya dejamos olvidado hace años, cuando nuestra mente analítica obsesiva nos cierra las puertas al relaje.

¿Los que piensen al contrario’, total, siempre hay dos bandos, es ley de cine.

• Vía Pic  | septimoarte.net