Han sido casi diez años de su vida dedicados por entero a la política como Gobernador de California, y durante ese tiempo alejado del cine, el austriaco no parece haber frecuentado mucho el gimnasio (todo un sacrilegio para un culturista de su talla). Y eso se nota, más aún cuando ya carga sobre sus espaldas 65 tacos. Nada que ver con su amigo Stallone, que con un año más encima se ha mantenido en buena forma y sigue asumiendo su rol de action-man con mucha dignidad.

No obstante, no podemos negar que ansiábamos su regreso, fuese en las condiciones que fuese. Sus cameos en la saga mercenaria nos han servido de aperitivo, pero queríamos más. Y “The Last Stand” es su primer intento de volver al ring para rememorar viejos tiempos y demostrar al público que aún puede seguir dando caña.

Gabriel Cortez (Eduardo Noriega), el más destacado capo del narcotráfico del hemisferio oeste, efectúa una espectacular y sanguinaria huida de un convoy penitenciario del FBI. Su objetivo inminente: cruzar la frontera hacia México.

Pero su ruta de huida pasa justo a través de la tranquila localidad fronteriza de Sommerton Junction, cuyo sheriff, Ray Owens (Arnold Schwarzenegger), está dispuesto a pararle los pies con la ayuda de su modesto equipo policial.

Podría haber optado por retomar alguno de sus papeles más legendarios en el cine (cosa que, se supone, hará en breve con Terminator 5 y Legend of Conan), o apostar por un blockbuster de alto de voltaje a la altura de su leyenda, pero lo cierto es que la vuelta de Arnold a la gran pantalla es algo más modesta y sigue un poco la estela desenfada y autoparódica de “Los mercenarios 2”.

En este caso nos encontramos con un viejo sheriff de pueblo y sus ayudantes enfrentados a un grupo de mercenarios armados hasta los dientes que trabajan a sueldo para un importante narcotraficante. A priori, una batalla bastante desequilibrada en la que las apuestas estarían 10 a 1 en contra de los buenos de la película. Pero con lo que los malotes no contaban es que el viejo Ray Owens fuese un hueso duro de roer.

Owens abandonó la división de narcóticos del Departamento de Policía de Los Ángeles para trasladarse a Sommerton Junction, un lugar sin violencia ni apenas criminalidad en el que seguir ejerciendo su profesión sin asumir demasiados riesgos. Un sitio idóneo en el que vivir en paz hasta el día de su retiro. Pero antes de colgar la placa le espera un último e imprevisto desafío cuando, sin comerlo ni beberlo, se cruza en el camino hacia la libertad del peligroso Cortez. Un choque de trenes con la ciudad fronteriza como escenario de una bestial contienda en el que las balas silban por todas partes.

Schwarzenegger encarna a Owens casi como si se de sí mismo se tratara, es decir, como un hombre viejo y experimentado al que aún le quedan ganas de dar guerra si la ocasión se lo exige. El actor no duda en burlarse de su edad, admitiendo en la ficción que ya no está para estos trotes. Pero la ley es la ley, y hay que hacerla cumplir, cueste lo que cueste.

Al más puro estilo del viejo oeste y con ciertas reminiscencias a “El último pistolero” de John Wayne, el sheriff Owens hace frente a los forajidos con el arsenal que tiene a mano y con la ayuda de su equipo y alguna que otra incorporación de última hora. No son los SEALS, pero como comrpobaréis, se las apañan bastante bien.

Aunque los años no pasen en balde, Schwarzenegger sigue desprendiendo un carisma que llena la pantalla. Sin él, probablemente esto no dejaría de ser otra cinta de acción del montón (del videoclub), y eso aún estando detrás de las cámaras alguien como Kim Ji-woon, uno de los directores más aclamados del más reciente cine coreano. Claro que su debut en Hollywood es un producto meramente alimenticio; un trabajo de encargo impersonal y funcional con el que abrirse paso en la industria yanqui en busca de, supongo, proyectos futuros con más sustancia.

De todos modos, pese a la inevitable sensación de intrascendencia, la falta de ambición y escasas pretensiones de “El último desafío” juegan mucho a su favor dado lo poco en serio que se toma a sí misma. La acción es, en ocasiones, de lo más burra, pero lo mejor de la misma está en su enorme sentido del humor que roza, en ocasiones, lo gozosamente delirante (el momento de la abuela con su escopeta o las continuas –y divertidas, por raro que parezca- payasadas de Johnny Knoxville). Salvo sus ligeros y puntuales momentos dramáticos para darle algo de peso a la historia y convertir el desafío de Owens en una vendetta personal, el resto es un cachondeo constante, y esa es su mayor baza. El guión es más simple que el mecanismo de un botijo, pero el director controla muy bien el tempo narrativo y consigue ofrecer una cinta de acción trepidante y de lo más entretenida.

Su mayor lastre, sin embargo, es tener a Noriega en el rol de villano principal. El actor es un paquete, y queda en evidencia cada vez que abre la boca para soltar alguna de sus frases (bastante pobres, también hay que decirlo). Se supone que Cortez es un tipo duro y un vacilón, pero en manos de Noriega eso no hay quién se lo crea, y resulta risible. Puestos a contratar a un español para el papel de mexicano podrían haber pensado en Jordi Mollà, todo experto en la materia a la hora de encarnar narcos, y cuyo histrionismo exacerbado al menos nos habría proporcionado unas cuantas risas a su costa (y sin desentonar demasiado con el tono de la película).

Pero tranquilos, que no está todo perdido en ese aspecto, pues ahí tenemos al señor Peter Stormare para salvar la papeleta antagonista y subsanar tan tremendo error de casting.

El resto del reparto, de lo más variopinto (y con tres mozas de muy buen ver), cumple con su cometido y dejan que sea la estrella de la función quién se luzca. Dicho esto, podemos constatar, sin discusión alguna, que Arnold ha vuelto. Puede que no sea un regreso por todo lo alto, pero el resultado es bastante más satisfactorio de lo que auguraban los tráilers (poco atractivos) y la deprimente acogida que ha tenido en la taquilla USA (a los tráilers me remito).

Para ser honestos, este tipo de productos tampoco venden como antaño, sea quién sea el action-man que se ponga delante. No hay más que echar una ojeada a las pobres cifras recaudatorias que manejan habitualmente las producciones de Jason Statham o Dwayne Johnson.

Esperemos que la vuelta de Arnie no quede empañada por este pequeño tropezón y pueda seguir dándonos alegrías en esta segunda vida cinematográfica.

En los últimos años, éste se había entregado por completo al cine de animación, tanto en su faceta de director como en la de productor, experimentando con la conocida técnica de la motion capture o captura de movimiento.

Tratándose del responsable de una joya como “¿Quién engañó a Roger Rabbit?”, esta semi-nueva faceta debía haber supuesto una alegría para todos, sin embargo, los resultados fueron bastante desiguales y no demasiado satisfactorios (tecnología aparte).

Dejando a un lado la dispar calidad de sus producciones animadas (unas mejores que otras), lo cierto es que ninguna llegó a ser un éxito de taquilla (ni tan siquiera resultaron medianamente rentables), y es posible que el sonado fracaso de “Mars Needs Moms” (en dónde ejercía de productor) fuera para que Zemeckis la gota que colmara el vaso.

Hasta resulta irónico que las mejores producciones basadas en la motion capture no hayan sido obra suya, sino de un tal Spielberg (Tintín); si bien a nivel de taquilla, tampoco éstas colmaron las expectativas de sus respectivos estudios.

El director aparca indefinidamente los píxels para volver a dirigir a actores de carne y hueso,  y lo hace no con una propuesta de género (lo cual me hubiera hecho el doble de ilusión) sino con un drama sobre el alcoholismo. _

Lo que parecía un viaje rutinario se convierte, en cuestión de minutos, en una auténtica pesadilla  para la tripulación del vuelo 227 a Atlanta. El capitán Whip Whitaker (Denzel Washington), piloto del avión, se ve obligado a realizar un forzoso aterrizaje de emergencia gracias al cual salvan la vida un centenar de pasajeros. Al instante, Whip se convierte en un héroe nacional, y su rostro copa las noticiaros de todo el país. Sin embargo, cuando se pone en marcha la investigación para determinar las causas de la avería, se descubre que, quizás, fuese el piloto quien pusiera en peligro la vida de los pasajeros debido a su alcoholismo.

Podríamos englobar “Flight” dentro del género de catastrofista, pero eso sería un error, ya que eso es tan sólo una pequeña parte de lo que nos cuenta Zemeckis. De hecho,  el accidente inicial, que propicia unos primeros veinte minutos de infarto, no es más que una elaborada treta para magnificar el discurso crítico de la película y situar al protagonista en un contexto dramático más intenso y, a poder ser,  intrigante.

Dicho de otro modo, el tema central es el alcoholismo que atormenta al personaje de Washington y no tanto si éste es o no es culpable –directa o indirectamente- del terrible accidente aéreo.

En realidad, la “culpa” de Whip va más allá de un suceso en concreto (el accidente) y supone un cargo de conciencia mucho más genérico que abarca tanto el ámbito profesional (la vergüenza y la inconsciencia que supone pilotar un avión ebrio) como el personal (divorciado y con un hijo adolescente que no le devuelve las llamadas).

Whip es un gran piloto, y eso lo saben sus compañeros y sus allegados. Pero su “oscuro pasajero”, como diría un tal Dexter Morgan, es un hombre débil adicto al alcohol, y la única forma de vencerlo es plantándole cara. Esa es la lucha que el personaje afronta a lo largo de la película.

Para intentar dejar una adicción primero hay que reconocer que se padece dicha adicción, y ese el paso que más cuesta. Para el protagonista de esta historia, el problema se agrava al verse involucrado en un accidente que podría costarle su carrera y, lo que es peor, mandarle a la cárcel de por vida.

Al principio, tras el susto y el pesado recuerdo de las víctimas (entre ellas, SPOILER–  su amante –FIN PSOILER), la primera reacción es deshacerse de todo el alcohol que está a su alcance.

Pero cuando la investigación sobre el accidente empieza a señalarle a él como posible causante de la tragedia, todo cambia. El recién nombrado héroe nacional se viene abajo y recae de nuevo, ahogando las penas en vasos de vodka, wishky y todo lo que pilla por el camino.

El guionista lanza un rayo de luz, de esperanza, en el insoportable día a día de Whip a través de Nicole (una guapísima Kelly Reilly), otra adicta que, tras una sobredosis casi mortal, ha decido encauzar su vida. Ella, mejor que nadie, sabe lo que es la dependencia a una droga (sea ésta legal o no), así que trata, en la medida de lo posible, de ayudarle.

La pregunta que debe hacerse Whip es si necesita ayuda (la suya o la de un profesional, eso ya es lo de menos), pero esa cuestión, por ahora, está lejos de debate. Su única preocupación es que su historial como bebedor compulsivo no incline la balanza en su contra en un caso de negligencia que podría condenarle, en el peor de los casos, a cadena perpetua.

Zemeckis capta la derrota del personaje en sus peores momentos, en esa espiral de degradación a la que es arrastrado debido al consumo excesivo de alcohol y drogas (atención a su principal proveedor: un John Goodman maravillosamente macarra), y que alcanza su cénit justo en el momento más crucial del caso.

El accidente de avión, la posterior investigación y demás, funcionan como un original y muy efectivo envoltorio a lo que viene a ser una sólido drama –no exento de moralina- centrado en el alcoholismo, y cuya principal víctima es un respetado piloto de avión como podría haber sido un empleado de banca o el panadero del barrio.

En cualquiera de estos casos, las víctimas colaterales seguirían siendo amigos, familiares y compañeros de trabajo, sólo que en este caso en particular hay que añadir los pasajeros que dependen de él, pues justo en el momento en el que se acomoda en el asiento del piloto, sus vidas quedan en sus manos (y en las de Dios, si hacemos caso a su religioso copiloto).

Washington, secundado por una buena trupe de secundarios (valga la redundancia), realiza un magnífico trabajo con un papel que es todo un caramelo para el actor.

Tanto él como la película merecían mayor reconocimiento del que han tenido, aunque la crítica se ha dejado seducir fácilmente por esta historia de redención y superación personal. Además, nos permite comprobar que Zemeckis sigue en forma y que se atreve a mostrarnos algo tan inusual dentro su filmografía como es un desnudo integral femenino (rodado, eso sí, a contraluz; porque Zemeckis es, ante todo, un cineasta elegante).

P.D.: En su próximo trabajo, Timeless, Zemeckis recuperará el tema de los viajes en el tiempo. Se me ponen los dientes largos.

Desde entonces, su caché se ha revalorizado hasta el punto de que su nombre suene para proyectos mainstraim como la adaptación del videojuego “Uncharted: Drake’s Fortune”, algo que finalmente no ha llegado a suceder. Tras infinidad de rumores acerca de su argumento y el posible reparto, el director terminó desentendiéndose del blockbuster para finalmente rodar algo más modesto.

Tras pasar ocho meses en una institución mental por agredir al amante de su mujer, Pat (Bradley Cooper) vuelve con lo puesto a vivir en casa de sus padres (Robert De Niro y Jacki Weaver). Dispuesto a recuperar a su ex-mujer, Pat decide mantener una actitud positiva e intentar encontrar el lado bueno de las cosas. Pero en sus planes no entraba conocer a Tiffany (Jennifer Lawrence), una chica con ciertos problemas y no muy buena fama en el barrio. Su primer contacto no resulta demasiado afortunado, pero pronto se desarrollará un vínculo muy especial entre ambos que les ayudará a seguir adelante con sus vidas.

Tras un drama deportivo no demasiado original pero si muy bien armado, O. Russell se nos ablanda un poco y nos trae esta vez una historia romántica entre Bradley Cooper, actor en alza desde hace algunos añitos, y Jennifer Lawrence, la nueva chica de moda. Ambos en unos papeles previstos inicialmente para Mark Walhberg y Angelina Jolie, respectivamente. Ni qué decir que hemos salido ganando –y mucho- con el cambio.

Lo cierto es que la película no pasaría de ser una comedia romántica al uso en base al ya clásico punto de partida de “chico conoce chica” si no fuera por el tipo de personajes que maneja el guión, y que para el caso resultan bastante inusuales.

A grandes rasgos, Pat vendría a ser un cornudo con trastorno bipolar, y Tiffany una viuda con inclinaciones ninfómanas. El primero está obsesionado con recuperar a su exesposa, y la segunda con tener un amigo.

El destino les junta y enseguida salta la chispa ¿del amor? En principio, su relación es algo tormentosa, pero poco a poco se sienten más cómodos en lo que empieza siendo una amistad de conveniencia. Se dicen el uno al otro lo que piensan, y eso, aunque motive alguna que otra bronca, en realidad les permite entenderse y comprenderse mejor.

Pero cuando los sentimientos empiezan a aflorar entre ambos, también lo hacen las pequeñas mentiras.

A medida que avanza la historia entre los personajes, éstos se van “normalizando” y perdiendo un poco de la frescura y locura iniciales. Eso afecta al desarrollo de su relación, que poco a poco se va volviendo algo más previsible y tópica, especialmente durante el tramo final.

Sin embargo, el guión sabe sortear con bastante humor e ingenio los clichés más resabidos del género romántico, dándole un toque de excentricidad que a ratos desemboca en situaciones realmente hilarantes. Y ése es precisamente el encanto de la película.

La concepción de los personajes se aleja bastante de los estándares tanto por su vulnerabilidad o su franqueza como por sus vínculos emocionales con el entorno familiar. La relación de Pat con su padre es cuasi inexistente debido a su falta de comunicación y a la dificultad de ambos por exteriorizar sus sentimientos.

Lo que más le une a Tiffany es, no obstante, acarrear el estigma de ser “la oveja negra de la familia”, por lo que en seguida se sienten identificados el uno con el otro, facilitando así una conexión que difícilmente lograrían establecer con otra persona.  Sus conflictos personales no se parecen en nada, ni su forma de afrontarlos, pero si el cómo se sienten -vulnerables, dolidos, impotentes- ante ellos.

Pat y Tiffany, Cooper y Lawrence. Ellos son la pieza clave de una película sencilla y agradable que logra encandilarnos con facilidad.

• Vía póster | LaButaca.net

Existen películas como ‘Volver a nacer’ que tienen ‘poso’, que tras su visionado te deja como dice mi acompañante una sensación agridulce todo ello a pesar de haber estado disfrutando plenamente durante los 126 minutos de su metraje.

Y ello a pesar que la crítica especializada se ha despachado a gusto con esta película otorgándole opiniones y calificativos de la talla de ‘patético melodrama que no salva ni la estrella española’ o ‘ todo es simple sopor’ o ‘Castellitto practica el suspense barriobajero y sentimentaloide del peor folletín’ o ‘perdida entre enfoques y registros de películas distintas’, ‘Abundante en diálogos risibles y personajes irritantes, solo lo logra salvarse del desastre por una esforzada Penélope Cruz, que inyecta un poso de verdad a un culebrón con ínfulas revisionistas’.

Personalmente mi opinión es contraria a la de la mayoría de la crítica espacializada y es que con un guión contundente y a través de numerosos flash-back, Sergio Castellitto construye con ‘Volver a nacer’ un drama romántico y conmovedor sobre una mujer que regresa a Sarajevo 16 años después del asedio que sufrió la ciudad durante la guerra de los Balcanes. Vuelve con su hijo adolescente, que nunca llegó a conocer a su padre, allí vendrán los recuerdos de juventud.

A partir de aquí pasado y presente se entrecruzan en este relato alrededor de la guerra fratricida de los Balcanes y la guerra interior de una mujer que regresa a la Sarajevo actual. La película se estructura sobre dos pilares argumentales, la relación entre una joven que viaja a Sarajevo y un fotógrafo americano que allí conoce y con el que no tarda en establecer una tortuosa relación y la imperiosa y obsesiva necesidad de maternidad de su protagonista femenina.

La realización con una magnífica corrección técnica, está llena de ternura de sensibilidad y al servicio de las vidas de sus tres protagonistas, Diego, Gemma y Goiko a través de ellos se construye esta maravillosa historia en donde el romance, el amor, la amistad, la maternidad, la intriga, la maldita guerra, los encuentros y los desencuentros tienen cabida en esta película que emociona y que de forma sencilla te llega al corazón.

Junto a ella una banda sonora que cuenta con un grupo de canciones muy bien seleccionadas, una fotografía correcta, y una caracterización de los personajes bastante lograda que nos permite ubicarnos sin problema en las disitntas líneas temporales por la que discurren los acontencimientos, permitiendo que el espectador perciba de una forma sencilla y clara la madurez física y emocional que van experimentando todos los personajes.

Excepcional la interpretación de Penélope Cruz en el pasado y en el presente y eso que no es de mis actrices favoritas, pero Castellito sabe sacar lo mejor de ella como ya hizo en aquel sórdido personaje de ‘No te muevas’, está inmensa, sencillamente genial, a la altura de sus mejores interpretaciones a pesar que su papel era difícil y complicado con el resultado supera con creces todas las dificultades para realizar un retrato de Gemma totalmente creíble.

Si el Goya al mejor actor protagonista debe ir a manos del veterano José Sacristán, el Goya a la mejor actriz protagonista debe de tener grabado el nombre de Penélope Cruz, su actuación lo merece y con creces.

La actuación del otro protagonista Emile Hirsch me ha llenado, un personaje que rebosa vida, la guerra y el asedio a Sarajevo le hará vivir otra realidad bien distinta. Junto con la pareja protagonista Adnan Haskovic y Saadet Aksoy que los secundan de una forma bastante aceptable.

En definitiva, no me quiero extender más, una película grande que particularmente me ha encantado, con sus virtudes y por supuesto también sus defectos, como algunas escenas y diálogos que no están a la altura de la historia, a pesar de ello te toca el corazón con una Penélope Cruz radiante y llena de expresividad que ha conseguido en ‘Volver a nacer’ firmar uno de sus mejores interpretaciones de toda su carrera profesional.

http://www.elseptimoarte.net/peliculas/carteles/venuto-al-mondo-3075.html

Estados Unidos es un país dividido por una Guerra Civil que enfrenta los estados del Norte (la Unión) contra once estados del Sur que en 1861, justo cuando Lincoln tomó posesión de su cargo, proclamaron su independencia deviniendo en los Estados Confederados de América.

La contienda lleva cuatro años cobrándose la vida de miles de soldados tanto de un bando como del otro. Nadie quiere postergar esa agonía por más tiempo, y mucho menos el Presidente Lincoln. Pero hay algo que a éste aún le preocupa, y es abolir la esclavitud.

El director se centra exclusivamente en los esfuerzos de Lincoln por aprobar la Decimotercera Enmienda a la Constitución de los EE.UU. y abolir así la esclavitud en todo el país. Teniendo en cuenta que la paz entre el norte y el sur podría estar cerca, la decisión del presidente de priorizar tal hazaña es, cuanto menos, arriesgada; y, por supuesto, cuestionada incluso por voces dentro de su propio partido. Lincoln lo tiene prácticamente todo en contra, y se la juega pese a la presión pública y personal a la que está sometido.

Así pues, como espectadores nos adentramos en el interior de la Casa Blanca para ser testigos de las discusiones que tienen lugar en sus despachos y de las estrategias y tejemanejes que surgen de éstas.

De este modo, observamos cómo se lleva a cabo el proceso que ha de cambiar para siempre el futuro de toda una nación. Eso significa mostrarnos las tretas que el partido republicano planea para conseguir los votos a favor de la enmienda constitucional necesarios para ganar la votación y que ésta forme parte de los cimientos de la legislación del estado. Tretas que pasan por el continuo “acoso” a los demócratas indecisos o incluso el soborno encubierto (Lincoln no está dispuesto a comprar –literalmente- los votos, pero sí a conseguirlos mediante la oferta de puestos de empleo).

Eso sí, Spielberg se toma esa ligera perversión de la democracia (a la que tanto valor se le otorga a lo largo de la película) con cierto grado de humor (¿el fin justifica los medios?). Probablemente no desee tomar partido del debate ético que supondría analizar dicho comportamiento, pero sí es evidente que, de algún modo, suaviza tales acciones al tiempo que las expone con un leve atisbo de crítica. Quizás no esté de acuerdo con el procedimiento pero tampoco trata de ocultarlo u omitirlo, que ya es algo.

El relato es riguroso y denso en su mayor parte, dado que lo que se nos muestra es política pura y dura. Y lo es prácticamente desde el inicio, con lo que es posible que al principio cueste un poco sumergirse en el torrente de información que maneja el guión. Pero una vez entras de lleno en el filme, éste llega a su fin casi sin que te des cuenta.

Son cerca de tres horas de historia americana (extendible, en su trasfondo, a la totalidad del mundo) que acaban pareciendo menos de lo que en realidad son, siempre y cuando el tema sea, como mínimo, de tu interés.

El director apenas pisa el campo de batalla. Ya se han hecho muchas películas sobre el conflicto y a él no le interesa la lucha en las trincheras (de la cuál sí llega a mostrar sus terribles consecuencias) sino la lucha en los despachos; la guerra abierta entre demócratas y republicanos por la abolición de la esclavitud. Y esa es la lucha personal de Lincoln.

Un Lincoln que es retratado como Presidente, como político, como padre y como marido. Si bien su vida privada se nos muestra de forma algo más pasajera y sin profundizar en exceso, dejando que afloren los conflictos internos que están ligados directamente al contexto político que le atañe. De ahí que la presencia del hijo mayor encarnado por Joseph Gordon-Levitt se quede en algo meramente anecdótico. Algo parecido ocurre con otros personajes, y es que son tantos los protagonistas (con mayor o menor implicación) de esta historia, que es difícil reservarles a todos los minutos que merecen.

El centro de atención es Lincoln y su causa, por lo que se puede echar de menos la parte estrictamente familiar del Presidente (por la que se pasa de puntillas) como la parte humana de los principales interesados en que la enmienda se apruebe, es decir, la comunidad negra (la mayor parte de la cual se encuentra repartida en los estados del sur).

Conociendo a Spielberg y a la crítica, es posible que de haber dedicado un mayor foco de atención a cómo vivieron el conflicto los negros, a éste se le hubiera acusado de ñoño. En ese sentido, los pocos acercamientos a los que se atreve el director están manejados con sobria maestría (especialmente bonito el momento en el que el personaje de Tommy Lee Jones llega a casa tras la aprobación de la enmienda). Un Spielberg con menos edulcorantes que de costumbre.

Aún así, y dicho esto muy a título personal, se echa de menos una visión más amplia del tema que nos ocupa, en parte para canalizar mucho mejor la empatía con los afectados, y en parte para romper un poco con el discurso político y, en consecuencia, con cierta monotonía que arrastra a lo largo de la narración.

Por otro lado, en ningún caso se trata de una visión idolatrada de la figura de Lincoln. Nos muestra a alguien humano e imperfecto, pero valiente y fiel a sus principios. Ya su primera aparición le sitúa en un entorno exento de grandeza, huyendo claramente de la imagen de mito que siempre ha rodeado al personaje.

El trabajo de Daniel Day-Lewis en la piel del Presidente es prodigioso. Por sus gestos, su forma de hablar, de andar… Pero sobre todo en su esfuerzo por conseguir una representación solemne del político al tiempo que desdramatiza al ser humano que hay detrás.

Bien hallados son esos momentos en los que el buen hombre obsequia a sus oyentes con curiosas anécdotas (un modo muy práctico de descongestionar tensas situaciones). Cierto es que no tenemos un referente en mente con el que poder comparar su interpretación, más allá de fotografías (ahí el premio se lo llevan los de maquillaje) o descripciones concienzudas de su actitud y su personalidad, pero su fuerza y profesionalidad al asumir el rol es innegable, aunque a veces nos cueste separar la idea que se trata del gran Daniel Day-Lewis interpretando a Lincoln.

Dejando de lado que no se trata de una cinta especialmente apasionante (aunque sí muy interesante), si hay algún gran “pero” en particular que reprocharle (al margen de lo que se haya discutido a lo largo de la crítica) es un desenlace (que desemboca en un discurso de Lincoln) demasiado facilón, demasiado “de manual”. Más aún si llega tras el asesinato del protagonista, el cual, todo sea dicho, está rodado con suma elegancia: fuera de plano y sin pretensiones lacrimógenas.

Técnicamente es impecable, pero con eso ya contábamos. Y el reparto es de aúpa, desde el primero hasta el último, por breve que sea su intervención (atención a un irreconocible James Spader, que interpreta al personaje más alegre de la función).

• Vía Pic | elseptimoarte.net

Este subgénero, en sus inicios despreciado y vilipendiando por la crítica, fue adquiriendo prestigio gracias a su mejor y más reconocido representante: Sergio Leone, director italiano que con su brillante “Trilogía del dólar” puso de moda los spaghettis producidos en Italia y España (eso cuando no eran co-producciones entre ambos). No fue el precursor, pero sí fue quién lo catapultó a la fama (y a él mismo, ya de paso), sentó parte de sus bases y le inyectó el plus de calidad que le hacía falta.

Pero hay vida más allá de Leone, y hubo otros directores que trataron, con mejor o peor fortuna, este subgénero. De entre todos ellos, destacaría, a título personal, los otros dos “Sergios” del trío de ases del spaghetti western: Sollima, con títulos como “Cara a cara” o “El halcón y la presa”; y Corbucci, con “El gran silencio” y “Django”.

Precisamente éste último filme daría pie a una serie de producciones que poco o nada tenían que ver con la de Corbucci, pero que se vendían mucho mejor al público si se incluía el nombre de “Django” en el título. Y es que los italianos han sido siempre unos expertos a la hora de vender falsas secuelas (y si no que se lo digan a “Terminator”, “Alien”, “La noche de los muertos vivientes” y un sinfín más de superproducciones de Hollywood afectadas por el exploitation italiano).

Claro que en este caso, todo quedaba en casa.

Tarantino, fan confeso del western y, sobre todo, del spaghetti, ha decidido, como buen conocedor y admirador del mismo, contribuir a la causa tomando prestado el nombre de Django (y su inconfundible sintonía) para rendirle su particular homenaje al subgénero.

King Schultz (Christoph Waltz), un cazarecompensas alemán, se halla tras la pista de los peligrosos hermanos Brittle, pero sólo Django (Jamie Foxx), un esclavo que conoce a dichos hermanos, puede conducirlo hasta su recompensa. Schultz adquiere a Django con la promesa de liberarlo una vez capturen a los Brittle: vivos o muertos.

El éxito que obtienen en su cometido convierte a Django en un hombre libre, pero ambos deciden no separarse y seguir juntos su camino. Con el tiempo y la experiencia adquirida, Django va perfeccionando su destreza con el revólver con un único objetivo: encontrar y rescatar a Broomhilda (Kerry Washington), la esposa que perdió hace tiempo en el mercado de esclavos.

Tarantino ha sido siempre un director muy personal e inclasificable. Antes que cineasta o guionista es, como muchos otros currantes del medio, un cinéfilo empedernido, y durante su juventud se nutrió de tantos y tan diversos referentes, que su cine se ha convertido en una auténtica batidora de géneros y conceptos. Es por ello que en esta ocasión no se iba a limitar a rodar un simple spaghetti western sino a su rodar SU propio spaghetti, un conglomerado de referentes tanto clásicos como modernos que juguetean con el subgénero a base de recuperar y tambalear sus más firmes cimientos.

Y por eso no ha de extrañarnos que el director tenga la osadía de encasquetarnos un tema hiphopero en medio de un western, y que no sólo no moleste (pese a su evidente anacronismo) sino que además sea recibido con los brazos abiertos. A fin de cuentas, Tarantino es Tarantino, guste más o guste menos, y sabemos de sobra que eso significa no tener que ceñirse a las reglas. Y es que a veces, las reglas están también para saltárselas, y si te apellidas Tarantino, con más motivo todavía.

En cualquier caso, tampoco hay que asustarse porque el repertorio musical, además de permitirse foráneas inclusiones que van desde el soul al funky, también hace las delicias del aficionado con piezas autóctonas del imprescindible Ennio Morricone, entre otras joyitas –no tan conocidas- del eurowestern.

Una banda sonora que sirve de acompañante a una violenta (y exageradamente sangrienta, a veces incluso demasiado) historia de venganzas, un tema medianamente recurrente en la filmografía del director.

El personaje de Django evoluciona de impotente esclavo a cazador implacable por una causa: recuperar a su mujer. Que Schultz se cruce en su camino es toda una bendición. No sólo le instruye en el arte de matar y cazar bandidos, sino que le otorga un bien muy preciado y escaso para el hombre negro: la libertad. Y con esto último brazo el brazo, Django aviva la llama de la esperanza y los deseos de volver a estrechar entre sus brazos a su amada, una esclava ahora propiedad de Calvin Candie (Leonardo DiCaprio), amo y señor de la infame plantación “Candyland” (juego de palabras al canto).

Dos hombres y un destino. Dos cazarecompensas con distintas motivaciones pero con un fin común: hacer justicia. Y un vil ricachón que no sabe la que le espera… Y como telón de fondo, la esclavitud, tema tratado a ratos con aspereza pese al tono desenfadado que recorre todo el metraje.

A caballo entre el más sincero tributo y la más caprichosa y desvergonzada parodia, “Django Desenadenado” deviene en un descacharrante western con regusto blaxplotation al que prácticamente no le tiembla el pulso pese a su extensa duración, la cual resulta de lo más llevadera.

Y si bien no acusa de falta de ritmo, sí es cierto que en su último tramo rompe un poco el ansiado clímax final. Justo en la cúspide del relato, tras un brutal baño de sangre que hubiese firmado encantado el mismísimo Peckinpah (aunque a mí me ha recordado más al apoteósico desenlace del Scarface de De Palma), la historia vuelve a empezar, entre comillas, para deleitarnos luego con el verdadero y definitivo final. Una pequeña parada en boxes que, al principio, descoloca un poco, pero que enseguida nos vuelve a reenganchar a la trama casi sin darnos cuenta. Y ese sería el mayor “pero” que un servidor podría sacarle a lo que viene a ser uno de los grandes y más gratificantes divertimentos del pasado 2012 (uno al que tampoco le falta “fondo” para sostenerse en pie y dejarte huella).

Un festival de referencias embutidas dentro de un apetitoso marco, el western, y bajo el sello inconfundible de un Tarantino en pleno forma y, por suerte, menos enamorado de sí mismo que de costumbre (causa ésta de arruinar un film tan prometedor como Death Proof para convertirlo un aburrido ejercicio de egocentrismo).

Un show en el que brillan especialmente unos magníficos Waltz y DiCaprio. El primero, como el sarcástico Schultz, dando una lección de cómo comerse con patatas al protagonista que da título a la película (un más que correcto –y sobradamente chulesco- Jamie Foxx), con su condescendiente sonrisa y su agudo dominio de la palabra; el segundo, en la piel del perverso Candie, soltándose la melena por primera vez en mucho tiempo, dejando a un lado sus torturados y trágicos personajes para divertirse con la hilarante e histriónica -en el mejor sentido de la palabra- composición del villano de turno.

Lástima que, nuevamente, la Academia se haya vuelto a “olvidar” de él (cada día está más cerca del Oscar Honorífico; o puede que ni eso).

Mención especial también para un divertidísimo Samuel L. Jackson, impertinente a la par que sumiso esclavo que hace las veces de mano derecha y consejero de Candie. Su personaje, a priori secundario, da mucho más juego del esperado.

Tarantino nutre su relato con momentos cómicos impagables (la secuencia de los sacos); con hipervitaminados tiroteos que alegran la vista a todo fan de John Woo; con zooms de cámara genuinamente setenteros que alimentan nuestro goce más retro; y con flashbacks que, en su mayoría, sirven para dar a conocer los detalles más dramáticos de la historia de Django.

Los eléctricos diálogos son serenos y no se andan por las ramas. Parece que Tarantino ha madurado mucho como guionista en ese aspecto, y pese a que sus fans más acérrimos echen de menos esos largos diálogos marca de la casa (y que casi siempre resultaban, en mi opinión, superfluos o poco relevantes para el devenir de la trama), es evidente que su ausencia, lejos de ser un defecto, juega en beneficio de la narración.

Las perogrulladas (bien contraladas ya en “Malditos bastardos”) se quedan aparcadas para dejar espacio a lo estrictamente necesario, sin que ningún diálogo o palabra esté de más, y propiciando momentos de gran intensidad (la acalorada cenita en la residencia de Candie).

El spaghetti western –al estilo Tarantino- regresa a nuestras pantallas con más fuerza que nunca para proporcionarnos dos horas y pico de sana diversión sin complejos, sin ataduras y sin remilgos de ninguna clase. El “maldito bastardo” del far west ha llegado a la ciudad, y su nombre es Django (la D es muda).

P.D.: El cameo de Franco Nero, el Django original, no podía faltar. Luego hay pequeños papeles para Bruce Dern, Don Johnson, James Remar y Jonah Hill. Aparece hasta Tom Savini (hay que estar atento para localizarlo), e incluso el propio Tarantino (tan mal actor como siempre) se reserva sus minutos gloria. A Zoe Bell, en cambio y si no ando equivocado, no le vemos más que los ojos. La presencia del gran (ver Justified) Walton Goggins sabe a poco en un rol previsto inicialmente para Kurt Russell.

Y la “oca”, en su caso, ha sido la saga Misión Imposible. Tras estrenar la tercera entrega que, cómo no, fue todo un éxito de taquilla, Cruise entró en un serio debacle. Sus aspiraciones “oscarizables” con “Leones por corderos” se fueron al traste (ni él ni la película recibieron nominación alguna). Lo volvió a intentar con la prometedora “Valkiria”, y el resultado fue el mismo.

Cansado de buscar el Oscar, decidió que era hora de relajarse y empezar a divertirse. Así pues, se curró un cachondo cameo en “Tropic Thunder” y regresó al cine de acción con la desenfadada “Noche y día”. Desgraciadamente, pese a la generosa promoción previa, ésta última no respondió en taquilla como se preveía. Público y crítica se apresuraron a sepultar al actor tildándolo de “acabado”, pero fue entonces cuando vino al rescate otra Misión Imposible.

Con el pelotazo de una cuarta entrega Cruise volvió al redil, se llenó los bolsillos y de paso revivió su carrera. Y ahora está que no para.

Algunos agoreros le quieren colocar “Rock of Ages” como un nuevo fiasco en su currículum, pero por mucho que se empleara su nombre como gancho para vendernos ese espantoso musical, su participación en él no pasaba de ser anecdótica, siendo lo suyo poco más que un papel secundario. Así que no sería justo atribuirle tal fracaso a su persona (o al menos no por entero).

Dado que sus últimos intentos de alejarse del cine mainstraim no han dado los frutos deseados, parece que ahora el actor, a sus 50 tacos (y muy bien llevados), ha decidido centrarse más en el cine de evasión puro y duro. Y este año le vamos a ver el jeto en cartelera por partida triple: a la espera de que lleguen “Oblivion” y “All You Need Is Kill”, dos blockbusters de ciencia-ficción, el actor estrena ahora en España (en EE.UU. lo hizo en el pasado mes de diciembre) “Jack Reacher”, dirigida y escrita por Christopher McQuarrie, guionista precisamente de “Valkiria” y de la futura “All You Need Is Kill”.

Un fracotirador acaba con la vida de cinco personas de seis disparos. Todas las pruebas apuntan hacia un claro sospechoso. Una vez detenido, éste se niega a hablar, y durante el interrogatorio tan sólo ofrece una nota: “¡Buscad a Jack Reacher!”. Comienza entonces una persecución en busca de la verdad…

Vayamos al grano: Jack Reacher es un vehículo para lucimiento exclusivo de Tom Cruise (que además ejerce de productor). Eso es algo que ya se intuía nada más ver el tráiler o la retahíla de pósters en los que aparece él solito junto a su nombre en letras bien grandes.

Antes de que se le acaben todos los cartuchos con MI y venga otro a reemplazarlo, Cruise podría estar buscándose otra futurible franquicia con “Jack Reacher”, adaptación del noveno libro (el más cinematográfico de todos, según el propio director) de una serie de novelas escritas por Lee Child. Dicha serie se compone de un total de 17 libros, con lo cual, aquí habría franquicia para rato…

Ahora bien, el segundo largometraje de Christopher McQuarrie, que ya debutó como cineasta con la muy maja “Secuestro infernal”, no es una cinta de acción al uso, como parece que nos han vendido. Se trata más bien de un thriller de intriga tranquilo y sin prisas con sus, claro está, ocasionales dosis de acción; y eso incluye peleas cuerpo a cuerpo (Reacher patéandole el trasero -o mejor dicho, las pelotas- a cinco tíos a la vez), persecución automovilística y tiroteos.

Lo cual no está nada mal, pero es evidente que la cinta no va en la línea de la saga de Ethan Hunt, ni mucho menos. En todo caso, se acerca más –sin ser exactamente lo mismo- al estilo de Harry Callahan (y no lo digo por la trama del francotirador, precisamente). O si nos vamos más cerca en el tiempo, diría que recuerda a “Blitz”, también basada en una serie de novelas policiacas que tampoco ha dado el salto al cine en orden cronológico (se adaptó el cuarto libro).

La trama en sí es resultona y el suspense funciona correctamente pese a que muchos de los golpes de efecto se vean venir a leguas. Pero si por algo destaca la película es por su enigmático protagonista, un ex miembro del ejército y antiguo investigador militar que se mueve por el mundo, de un sitio a otro cual nómada, impartiendo justicia a su manera. Reacher es un tipo solitario, astuto, que vive bajo sus propias reglas y que tiene una idea muy clara de lo que es el bien y el mal.

Además, es una máquina de matar con patas; no hay quién le tosa.

Cruise se desenvuelve con soltura en el papel de tipo duro. A su edad, el actor sigue en plena forma, como ya ha demostrado con anterioridad, por lo que a nivel físico no tiene problema alguno para dar la talla con un personaje que es un auténtica fiera. Cruise se pone en modo badass y lo peta. Pero claro, el personaje en sí resulta un poco fantasmón.

Tanta perfección, tanto saber estar, con la frase ingeniosa adecuada para cada momento y despertando el lívido de toda fémina que se cruza por su camino, pues la verdad es que no resulta muy convincente en estos tiempos en los que Hollywood gusta tanto de humanizar al héroe de turno (véase Batman o James Bond, por ejemplo).

Aún así, y aunque alguna vacilada esté de más (la pelea final; pura chulería entre machos) se disfruta del personaje y de esa tensión sexual que mantiene a lo largo de la película con su partenaire, la guapa e inteligente abogada que interpreta Rosamund Pike (que no sé yo si será porque se quedó embarazada a mitad de rodaje, pero está más jamona que nunca).

El villano principal, encarnado por el director (entre otras muchas cosas) Werner Herzog, parece sacado de alguna película del agente 007. Por sus particularidades, resulta más bien poco creíble y tirando a caricaturesco. Como Reacher, vaya. De todos modos, la mayor parte del protagonismo del bando antagonista recae en el brazo ejecutor de sus planes, papel con el que el televisivo Jai Courtney (sí, es Varro, el ricitos de oro de “Spartacus: sangre y arena”) se presenta al mundo esperando que le abra las puertas de Hollywood de par en par.

Y si no lo consigue ésta, ya lo hará la próxima entrega de “Die Hard” (Jungla de Cristal, para nosotros), dónde encarna ni más ni menos que al hijo de John McClane, un chollazo que esperemos no haya desaprovechado. Como primera toma de contacto con el cine, el chico aprueba, y se une a la nueva tanda de actores australianos (Joel Edgerton, Liam Hemsworth, Xavier Samuel…) que hacen las Américas para ganarse el pan.

Como ya digo, la película se desarrolla con calma y añade algunas pinceladas dramáticas interesantes (el repaso general a las cinco víctimas del francotirador y la entrevista al padre de una de ellas), pero si lo que buscáis es ritmo frenético y acción a raudales, ésta no es vuestra película. McQuarrie, que sigue apuntando maneras como cineasta, ha conseguido un thriller correcto y entretenido con cierto potencial a franquicia, aunque no sé yo si el público va a responder debidamente para hacer posibles tales secuelas.

La cosa no huele a taquillazo, pero ojalá me equivoque.

P.D.: Breve pero simpático papel para el gran Robert Duvall, que coincide con Tom Cruise veintidós años después de “Días de trueno”, del desaparecido Tony Scott.

• Vía Póster | elseptimoarte.net

Inesperadamente, en mayo de 2011 se informó de su muerte, ocurrida ésta en el transcurso de una acción militar secreta de la CIA. Ese mismo día, el propio Presidente de los EE.UU., Barack Obama, se dirigía a la nación para sacar pecho y confirmar su defunción.

Ésta es la historia –o al menos su versión de los hechos- de cómo un obstinado grupo de la CIA localizó y eliminó al mayor enemigo del pueblo americano.

La película abre completamente a oscuras mientras se escuchan de fondo las conversaciones y los gritos de desesperación en las llamadas a los servicios de emergencia realizadas aquél fatídico 11 de septiembre de 2001, el mayor y más grave atentado terrorista sufrido en EE.UU.  El ataque, que dejó miles de muertos y heridos, golpeó duramente el orgullo de todo un pueblo y llenó de miedo, dolor y sufrimiento el corazón de millones de personas. La fragilidad y la impotencia de una nación se vieron plasmadas en los abatidos rostros de sus ciudadanos y gobernantes.

Aquél ataque significó la clara declaración de guerra de los yihadistas hacia el pueblo americano, primero, y hacia el resto de occidente, después.

Este es el punto de partida de una película que abarca, muy a grandes rasgos, los 10 años de investigaciones y torturas que se emplearon hasta conseguir dar caza al líder de Al Qaeda. Diez años repletos de batallas y muy escasas victorias. La guerra abierta entre unos y otros sigue vigente y, lo que es peor, sigue cobrándose víctimas año tras año (tanto civiles como militares). Pero en 2011 la CIA se anotó un tanto asesinando a su cabecilla, Bin Laden.

Y la maquinaria de Hollywood ha reaccionado rápidamente al acontecimiento poniendo en marcha películas como la que nos ocupa (aunque ésta ya estuviera medio planificada con anterioridad), y cuyo objetivo no es otro que relatar el triunfo de esos hombres y esas mujeres que devolvieron el orgullo de ser americano a un pueblo tocado por el terrorismo.

Y ahí tenemos a la oscarizada Bigelow, lejos ya de sus producciones estrictamente comerciales (y de alto voltaje, todo sea dicho), metiéndose en faena con un guión previsto, inicialmente, para relatar la infructuosa misión de un equipo de Black Ops destinados a acabar con Bin Laden, y que ha acabado siendo un historia con final feliz; un desenlace inesperado y que le vino como caído del cielo.

El acontecimiento está fresco en nuestra memoria, por lo que la inmediatez juega a favor de la directora. Hay detalles que han salido a la luz, cierto, pero aún hay mucha verdad oculta tras esa operación, mucha información que desconocemos y otro tanto que seguramente se ha manipulado a conveniencia. “Zero Dark Thirty” pretende contarnos los entresijos de dicha operación y poner nombres (probablemente ficticios) a los agentes (analistas, soldados, etc.) que participaron directa o indirectamente en ella.

Quizás uno de los aspectos más significativos y que tantas ampollas ha levantado tanto en los círculos republicanos como en los demócratas, es que Bigelow muestre sin escrúpulos las torturas llevadas a cabo para tales fines. Y lo hace, en cierto modo, para demostrar cuán esenciales fueron éstas para alcanzar el objetivo fijado.

Ni a republicanos ni a demócratas les ha hecho ni pizca de gracia tal revelación (y mucho menos a la propia CIA), máxime cuando en un momento dado de la cinta se nos muestra a un presunto miembro de Al Qaeda siendo torturado al tiempo que -empleando imágenes de archivo- Obama declara en televisión que América ya no practica tales métodos de “persuasión”.  Por ello, la película ha sido tachada de “extremadamente inexacta y confusa”. Puede que Bigelow haga apología de la tortura o puede que no; puede que “el fin justifique los medios” o puede que no; o puede que simplemente se limite a señalar una realidad cuyos implicados prefieran negar. En cualquier caso, aquí se sugiere “muy claramente” que buena parte del éxito de la misión es debido al empleo de tales métodos, y eso es un hecho que, contrastado o no, forma parte de lo que vemos a lo largo del relato.

Tampoco es la primera vez que la directora se topa con la polémica (ya le ocurrió con “En tierra hostil”), y seguramente no sea la última a tenor del rumbo que ha tomado su carrera como cineasta.

Otro detalle interesante y seguramente polémico es que la operación final no parece fijarse como objetivo “capturar” a Bin Laden sino ejecutarlo, sin más. Y de esto también se hablo y debatió mucho en su momento: que si no hubo más remedio, que si fue un “accidente”, que si fue premeditado… Desde luego, la visión que parece querer ofrecer “Zero Dark Thirty” (título procedente de la jerga militar y que significa las 00:30, cuando los SEAL de la Marina asaltaron el escondrijo de Bin Laden) es que se va a lo que se va: a asesinar al terrorista, eliminando a quién se ponga por medio (excepto niños y mujeres, salvo que éstas últimas vayan armadas) y recopilar el máximo de información posible para derrocar a Al Qaeda. Capturarlo con vida para interrogarlo y/o juzgarlo no parece entrar en los planes de la CIA.

Pero polémicas a parte, la narración  resulta tan minuciosa y metódica como mecánica. El relato no está exento de acontecimientos dramáticos, pero los acercamientos al plano más sentimental caen en saco roto. El guión se preocupa más por los hechos que por los personajes, por lo que un servidor, como espectador, tampoco se preocupa por estos últimos. Con el personaje de Jessica Chastain (estupenda en su papel de dura agente) se realizan mayores esfuerzos para que veamos en ella a una “persona real”, pero ese tratamiento no termina de funcionar al 100%. En un punto culminante de la trama, el trabajo de Maya (Chastain) pasa a ser algo personal, casi como una vendetta que sólo puede terminar en lágrimas, ya sean de dolor o de alivio (o de ambas cosas). Pero la empatía con ella es cero.

La dirección de Bigelow carece de la intensidad, el brío y el suspense que se le debe exigir a la cinta.  Como documento meramente informativo, resulta incuestionablemente interesante, pero como película en sí, resulta tan estimulante como las instrucciones de un lavavajillas. Un documental bien podría haber funcionado para el mismo fin, y puede incluso que mejor, dada la impersonalidad con la que se trata el tema.

No se la puede tildar de ultrapatriotera, ni mucho menos (para eso ya están engendros como “Acto de valor”), pero tampoco de ser demasiado crítica o de posicionarse firmemente sobre el conflicto. Es una cinta que, aún con sus polémicas, resulta demasiado “limpia” y de fácil digestión. Incomoda lo justo, revela lo necesario y maneja el tinglado con una notable precisión técnica, pero no hay atisbo de emoción alguna en ella. Resulta interesante por lo que cuenta pero no por cómo lo cuenta.

En cuanto a la fiabilidad de la historia, ésta puede ser puesta en duda tanto como la de cualquier otra película basada en hechos reales. Para los amantes de las teorías conspiranoicas no será más que otra patraña producto de Hollywood. Para algunos, Osama Bin Laden ya estaba muerto mucho antes de su “ejecución oficial”, mientras que para otros aún sigue vivito y coleando.

La lluvia de información en su momento (tanto la oficial como la facilitada por los medios más sensacionalistas) fue tan torpe y sospechosa (foto retocada del cadáver en la prensa, prisas por tirar el cuerpo al mar, etc.) que es difícil decidir en qué creer, así que cada cual se montará su propia versión de los hechos, sirviendo de muy poco esta película para esclarecer lo sucedido.

Pero aquí está.  Te puede gustar más o te puedes gustar menos. La crítica estadounidense se ha rendido a los pies de Bigelow y alabado la película con todos los halagos posibles que permite su diccionario. En alguna parte leí que “Zero Dark Thirty dejaba en pañales a Argo”. No podría estar más en desacuerdo con semejante afirmación, e incluso le daría la vuelta.

El proyecto más ambicioso de Bigelow se queda en un aprobado sin calado que, muy probablemente, coseche más premios y piropos de los que un servidor considera que se merece. Y es que a veces toca, sin pretenderlo, ir a contracorriente.

•  Vía Pic | elseptimoarte.net

Ralph es el malo de un viejo videojuego de los años 80, y

Después de 30 años haciendo el tan indecoroso trabajo por el que fue programado, Ralph decide tomar las riendas de su vida, dejar de ser el villano y elegir su propio destino.

Por eso y para demostrarles a todos que él también puede ser un héroe, Ralph se lanza en un viaje a través de los distintos mundos y generaciones de videojuegos que pueblan la sala de recreativas.

Poca duda cabe que nos encontramos ante de una de las cintas de animación más imaginativas de los últimos tiempos (y quizás con la mejor del año).

Tanto su original premisa como su audaz desarrollo la convierten en un acierto mayúsculo por parte de la compañía del ratón, que lleva ya unos años sorprendiendo con un nivel de calidad que hasta el momento le era impropio. No olvidemos que sus primeros pasos en la animación digital (Chicken Little, Descubriendo a los Robinsons) no fueron especialmente brillantes, siendo ampliamente superados por otros estudios; entre ellos, los amos y señores del invento: Pixar.

Claro que todo eso cambió cuando adquirieron la compañía del flexo por nada menos que 7.400 millones de dólares (ya se sabe que la máxima de Disney es “si no puedes con la competencia, ¡cómprala!”) y los directivos creativos de éste pasaron a controlar ambos estudios de animación.

El salto de calidad ya se notó con la estupenda “Bolt”. Luego llegó otra genialidad, “Enredados”; y ahora “Rompe Raplh es la confirmación del buen (buenísimo) estado de salud que goza la animación por ordenador de esta casa. Curiosamente, a medida que Disney ha ido subiendo peldaños, Pixar los ha ido bajando, primero con ese paso en falso que fue “Cars 2” (un mediocre caprichito de John Lasseter; y esto lo dice un ferviente defensor de la primera entrega) y luego con la reciente “Brave”, una película simpática pero muy lejos del nivel que habitualmente nos suelen ofrecer.

Y ya no es que uno le pida a gritos que nos arranquen las lágrimas de nuevo (algo en lo que son expertos), pero sí una historia más trabajada y no tan tontorrona (y mira que la cosa prometía…)

Pero volvamos a ‘Rompe Ralph’, porque aquí nuestro protagonista es un grandullón que está hasta la coronilla de ser el malo de la función, y que busca cambiar su suerte para ganarse el respeto y el cariño del que ahora no goza. Lamentablemente, cumplir su deseo no será nada fácil, y lo peor es que por el camino causará grandes complicaciones al mundo arcade del que forma parte.

Por el camino Ralph se redescubrirá a sí mismo y lo hará viviendo la aventura de su vida, dándose cuenta de que hay cosas más importantes y valiosas que ganar una medalla (véase la amistad, por ejemplo).

El periplo de nuestro protagonista pasa primero por meterse en un moderno videojuego de acción en primera persona (el clásico shooter, en el argot videojueguil) llamado “Hero’s Duty”, pero la mayor parte de la acción transcurre en su siguiente parada: Sugar Rush, un videojuego de flamantes coches de carreras que discurre en un mundo confeccionado a base de dulces, lo que provoca en el espectador un ardiente y constante deseo de querer llenarse la boca de golosinas y chucherías varias.

Y es que a imaginación a la hora de recrear los escenarios y los distintos personajes es desbordante, aunque la verdadera guinda del pastel son las cuantiosas referencias al mundo de los videojuegos. Y las hay de todo tipo: desde cameos de personajes icónicos (Sonic, Zangief, Pac-man) a juegos en concreto (Street Fighter, Invasores del espacio, Come-Cocos), pasando por guiños más generacionales (el joystick de Super Nintendo).

Claro que en Sugar Rush también se permiten hacer guiños alimenticios, especialmente los relacionados con la comida que tanto gusta los críos (y a muchos mayores).

Esto convierte la película en un contenedor de “product placement” de grandes proporciones, aunque es evidente que esa no es la intención primordial (¿o sí?). En cualquier caso, el chute de nostalgia y el gustazo para el espectador que se ha criado con juegos de 8bits no tiene precio.

En relación a esto último, resulta muy curioso –e ingenioso- cómo los personajes pertenecientes a los juegos más antiguos presentan un movimiento menos fluido que se corresponde con su movilidad dentro de su propio juego. Los habitantes del edificio que es demolido continuamente por Ralph, entre otros, parecen moverse a 15 fotogramas por segundo.

Con Ralph y Félix eso no sucede… Y no es que sea un “fallo” estrictamente sino más bien una pequeña licencia en beneficio de la película; para que los principales protagonistas sean lo dinámicos que se les exige.

Pero para protagonistas, la picarona Vanellope, a la que Ralph conoce en Sugar Rush. Otro personaje repudiado por sus compañeros, pero por motivos distintos a los suyos. Entre ellos se establece una relación, inicialmente, de conveniencia, pero poco a poco se irán cogiendo cariño mutuamente, como era de esperar. Y eso que esta simpática muñequita es una adorable robaescenas del copón.

Pese a las eventuales -e inevitables- concesiones humorísticas de cara a los más peques de la casa (gags de carácter bastante infantil), es el público adulto quién probablemente más disfrute de la amena y nostálgica diversión retro que nos propone “Rompe Ralph”. Y eso es gracias a la complicidad que se establece con nosotros desde el primer instante. Cierto es que se echa de menos una mayor variedad de escenarios teniendo en cuenta el abanico de posibilidades que ofrece la premisa, pero aún así la idea funciona de maravilla y los generosos guiños nos sacan amplias sonrisas a cada rato.

Y por suerte, esta vez tampoco hay que lamentar excesivos intrusismos en el doblaje, el cual recae mayormente en nuestros honorables profesionales (Coronado, que lo hace de pena, y el resto de “invitados” ajenos al mundillo se limitan a soltar cuatro frases mal contadas).

P.D.: Con tal de reforzar aún más las odiosas comparaciones con Pixar, la película viene precedida por “Paperman”, un cortometraje que mezcla con mucho encanto animación tradicional y digital. Una delicia en todos los aspectos.

P.D.2: Lo peor es que a éste lo precede un abominable videoclip de un pandilla de detestables justinbiebers españoles que, al parecer, son el grupo revelación del año (claro que sí…) y que han sido elegidos para cantar una de las canciones de la banda sonora. Una tortura en todos los aspectos.

• Vía póster | LaButaca.net

Pero el enorme esfuerzo se vio enseguida recompensado por el éxito en taquilla y el multitudinario apoyo no sólo del público y de los fans (salvo algún que otro purista) sino también de la crítica, que se deshizo en halagos (amén de conseguir, en total, 17 Oscars).

La gran aventura en pantalla de Frodo y cía ha pasado a la historia del cine como la saga de fantasía épica por excelencia y de referencia en el género. Muchos otros han llegado después con similares pretensiones (la saga Narnia, sin ir más lejos), pero se han quedado a años luz (tanto artística como económicamente) de lo conseguido con la trilogía tolkiana.

Con semejante precedente no es de extrañar que tarde o temprano El Hobbit, novela previa a los hechos acontecidos a “El señor de los anillos”, tuviera también su pertinente adaptación cinematográfica (adaptaciones animadas aparte). Y hasta el día de hoy, muchos nos hemos preguntado qué demonios es lo que ha hecho Jackson con el libro y cuánto ha añadido y/o inventado para extender a tres películas lo que bien podría haberse contando en una sola.

Y la respuesta probablemente se encuentre ya en esta primera entrega.

Bilbo Bolsón es un hobbit que vivía apaciblemente en la Comarca hasta la llegada del mago Gandalf el Gris, quien lo arrastra a una épica búsqueda que le llevará a reclamar el reino que años atrás perdieron los enanos a manos del temible dragón Smaug. Así pues, Bilbo emprende un viaje en compañía de Gandalf y de 13 enanos liderados por el legendario guerrero Thorin Escudo de Roble; un viaje a través de tierras peligrosas infestadas de trasgos, orcos y huangos mortíferos, así como de una misteriosa y siniestra criatura conocida como El Nigromante.

Jackson regresa a la Tierra Media y lo hace, como no podría ser de otra forma, fiel a su estilo (esos planos aéreos son toda una seña de identidad), y manteniendo la coherencia con su anterior hazaña cinematográfica.

La película abre con un espectacular -y por qué no decirlo, bastante mareante- prólogo en el que vemos (nunca en todo su esplendor, lo cual es un acierto de cara a mantener el misterio) cómo un temible dragón (Smaug) arrasa el reino enano de Erebor, expulsando así a sus habitantes y apoderándose de su inmenso tesoro.

Minutos después el director nos traslada a la Comarca para conectar esta película con “La comunidad de la anillo” (y por extensión, con el resto de la trilogía), de modo que volvemos a ver al viejo Bilbo Bolsón (Ian Holm) preparándose para celebrar su 111 cumpleaños y a Frodo (Elijah Wood) a punto de partir al encuentro de Gandalf el Gris. Es en este momento en el que Bilbo comienza a rememorar sus aventuras de antaño, forzando así el salto en el tiempo que nos llevará de nuevo a la Comarca pero 60 años antes, con un joven Bilbo (un estupendo Martin Freeman) a punto de embarcarse en su primera gran aventura.

Antes que nadie conviene remarcar que “El Hobbit” NO ES (así, en mayúsculas) “El señor de los anillos” (desde ahora, ESDLA), y eso hay que tenerlo muy claro a la hora de acudir a la sala. La envergadura de la historia que aquí nos relatan es mucho más modesta. Ya no se trata de una lucha entre el bien y el mal librada a lo largo y ancho de la Tierra Media con todos sus reinos y ejércitos implicados en ella.

Se trata de una aventura a menor escala, cuyas consecuencias tienen un alcance mucho más reducido (los beneficiarios directos del éxito de la misión son los enanos, con la ayuda desinteresada de un viejo mago y un hobbit). Por ende, la épica funciona también a una escala mucho menor, sin mastodónticas batallas de por medio. Eso no quita que el viaje esté repleto de emocionantes peligros y que el enemigo (los orcos) esté al acecho constantemente, pero ya no se trata del mismo cuento, así que no esperéis los mismos resultados catárticos.

De hecho, El Hobbit es, a diferencia de su continuación literaria (ESDLA), un cuento infantil que Tolkien escribió para sus hijos. De ahí la proliferación del humor a lo largo de la trama, y especialmente durante el primer acto: en el encuentro entre Bilbo y sus futuros compañeros de viaje (algo que Jackson alarga en exceso).

Las notas de humor son abundantes, con un tono ligero y un poco infantiloide, pero siempre amenas y para todos los públicos. Sin embargo, a medida que el viaje avanza, la sensación de peligro aumenta considerablemente, por lo que todo se vuelve un poco más serio y salvaje. Y quizás ahí se note más que nunca la mano del director, recreándose en los pasajes de acción pura y dura para amenizar la narración y dilatar aún más la historia.

Por ese motivo estas casi tres horas de metraje no abarcan todo el libro sino tan sólo una parte.

“Un viaje inesperado” es el comienzo de una pequeña gran aventura, el prólogo de la misma, tal como ocurría con “La comunidad del anillo”, con la diferencia que dónde allí había que recortar debido a la generosa extensión del libro, aquí ha habido que añadir; ya sea a partir de los anexos que escribió el mismo Tolkien o de la propia cosecha de Jackson y su equipo de guionistas. Pero si no se ha leído el libro, dudo que eso importe lo más mínimo.

Servidor es el primero en recriminarle a Jackson tan desproporcionada extensión para tan breve cuento (me temo que lo suyo es más una cuestión de ego que de ansia recaudatoria), pero también soy el primero que, tras el visionado de este aperitivo, le da el visto bueno al invento (por ahora). Literatura y cine siempre han ido de la mano, pero son dos medios totalmente distintos.

Las licencias son, a menudo, inevitables, cuando no estrictamente necesarias, aunque quizás aquí esas libertades no estén tan justificadas como con “ESDLA”.

En cualquier cosa, el resultado se puede tildar de satisfactorio aún con su excesiva duración y los problemas de ritmo que arrastra durante su primera mitad. El tramo final, que transcurre a un ritmo vertiginoso y prácticamente sin descanso, es el que da pie al heroico colofón final de esta primera etapa del viaje. Ahí es donde el director se aleja del cuento infantil para acercarse más a la épica de “ESDLA”, y dónde mejor se aprecia su toque personal (a nivel de tono, ritmo y composición de planos)

¿Es entonces El Hobbit un “más de lo mismo”? Rotundamente sí, pero si alguien espera encontrar otra cosa, es que se equivoca de sala.

El mayor obstáculo para disfrutarla es, precisamente, la gran trilogía que la precede y las cuantiosas comparaciones odiosas que puede llegar a suscitar. No es lo excitante que cabría esperar, para qué nos vamos a engañar, pero es suficientemente placentera como para darle el visto bueno a lo que está por llegar, esto es, los dos siguientes capítulos (“La desolación de Smaug” y “Partida y regreso”).

También es cierto que ya no se cuenta con el factor sorpresa y que el terreno es sobradamente conocido, por lo que nuestra capacidad de asombro es infinitamente menor.

El valor, el honor, la amistad, la valentía, la maldad, la codicia… Son temas ya conocidos que vuelven a estar presentes en esta primera película y que seguramente se irán extendiendo al resto.

P.D.: El momento más esperado y divertido/hilarante: la aparición del entrañable Gollum en lo que supone el encuentro que cambiará para siempre la vida de Bilbo.

P.D.2: El pase de la película no fue proyectado en los tan temidos 48fps, lo cual fue un alivio teniendo en cuenta el aluvión de críticas que generó al otro lado del charco.

•  Vía Pic | elseptimoarte.net

Lee adapta una novela considerada, hasta el momento, imposible de rodar. ¿Motivos? Quizás el hecho de transcurrir la mayor parte de la historia a bordo de un bote salvavidas y que uno de sus principales protagonistas sea un tigre de Bengala.

Claro que a día de hoy no hay prácticamente ningún obstáculo que no se pueda solventar a golpe de efectos digitales. Y aquí éstos llenan la pantalla durante buena parte del extenso pero ameno metraje.

La historia comienza en Montreal, cuando un joven escritor en busca de inspiración se encuentra con Piscine Militor Patel (Irrfan Khan), un hombre que podría contarle una historia verdaderamente increíble con la que llenar las páginas de su próximo libro. ¿Y cuál es esa historia? Pues la de cómo sobrevivió a un naufragio a bordo de un bote salvavidas junto a un tigre de bengala (sic).

El encuentro entre el escritor y Piscine sirve a Lee para utilizar al protagonista de esta historia como principal narrador de la misma, lo que le permite efectuar de forma eventual pequeños saltos en el tiempo que nos devuelven al presente y que permiten aligerar la monotonía del relato, al mismo tiempo que se aprovecha para puntualizar en los pequeños detalles (lo que en primera instancia ya se resuelve con el bien empleado recurso de la voz en off).

Antes que nada, Piscine nos cuenta que fue criado en Pondicherry, la India, al lado de tigres, cebras, hipopótamos y otras exóticas criaturas dado que su padre (Adil Hussain) era propietario de un zoológico. La inquietud del joven le llevó a interesarse por la fe y la religión de distintas culturas, desarrollando su propia teoría de la vida y de la naturaleza humana (y animal) a través de un compendio de todas ellas. También nos cuenta, a través de una simpática anécdota, de dónde viene su nombre y cómo acabó adoptando la abreviatura de Pi.

A la edad de 17 años es cuando se ve obligado a abandonar su país natal y dejar atrás a su primer amor. El negocio familiar está estancado y sus padres deciden emigrar para conseguir una vida mejor. Para ello, se embarcan en un carguero japonés dirección a Canadá, con todo el zoológico a cuestas para poder venderlo a un nuevo propietario.

Desgraciadamente, el feroz temporal provoca el hundimiento del carguero y sólo Pi logra sobrevivir a la catástrofe. Ahí es cuando empieza su fantástica y gran aventura a bordo de un bote a la deriva en medio del Océano Pacífico con un peculiar compañero de viaje: Richard Parker, un enorme tigre de bengala más interesado en devorarle que en hacerle compañía.

Pi tiene que ingeniárselas de mil maneras para evitar acabar entre las fauces del tigre sin tener que deshacerse de él. Y es que Pi no le desea ningún mal al animal, por lo que tratará de amaestrarlo en medio del desolador panorama, como si mantenerse con vida en un bote en medio de la inmensidad del océano y hacer frente a las inclemencias del tiempo no fuera ya suficiente martirio.

Al principio, la situación no aventura éxitos, pero poco a poco se irá estableciendo una curiosa e inesperada relación entre ambos náufragos. El hombre y la bestia juntos con un único fin: sobrevivir.

“La vida de Pi” es una mágica y espectacular fábula cuyo mensaje (muy new age) puede calar mejor o peor, pero que sin duda no dejará a nadie indiferente.

Lee ofrece una clase magistral de cómo aprovechar la tecnología para contar una increíble historia con la que deleitar al espectador. Su portentoso despliegue visual llena la pantalla de vivaz colorido y de imágenes espectaculares, y los amantes del 3D seguramente vean recompensados esos euros de más que paguen por la entrada.

A título personal, considero el tramo inicial algo pesado (y un tanto naïf), pero una vez tenemos al Pi adolescente en escena (excelente trabajo del debutante Suraj Sharma), la película toma un fuerte impulso y el ritmo ya no decae.

Pero lo mejor aún está por llegar, porque lo que realmente deja huella es el tramo final; esos minutos en los que SPOILER — nos revelan “la otra historia”, y todo lo que hemos visto hasta el momento cobra un nuevo significado, mucho más profundo y cruel de lo que nos imaginábamos. Aunque en beneficio de un público mayoritario, se comete el error de explicar demasiado las cosas… La “explicación para bobos” en boca del escritor, quién repasa uno a uno los animales y los identifica con las personas reales a bordo del bote, está de más. No era necesaria.

El relato de Pi nos lo deja todo suficientemente claro, pero guionista y/o director no quisieron arriesgar y confiar en la perspicacia del espectador, por lo que nos lo recalcan con una explicación sencillita y rapidita, por si alguien no se ha enterado del carácter metafórico que se les otorgaba a los animales. – FIN SPOILER

En cualquier caso, el mensaje permanece. “La vida de Pi” aboga por la fantasía como válvula de escape, por la necesidad de creer en lo inconcebible para evadirnos de la realidad. Y no siempre de la misma manera ni con el mismo fin (de ahí que al mensaje se le atribuyan también connotaciones religiosas).

La historia de Pi es un viaje físico, emocional y espiritual lleno de peligros, pero en dónde también hay espacio para la esperanza. Una aventura contra la todopoderosa madre naturaleza y contra la propia naturaleza del hombre.

Una fábula sobre la fe y sobre la condición humana.

P.D. Hay un gran trabajo detrás de la recreación digital del tigre de bengala, tanto en su apariencia (generosamente realista) como en la naturalidad de sus movimientos. Sin embargo, el ser conscientes que de no hay tigre alguno delante del actor sino un mero efecto de ordenador (por lo menos la mayor parte del tiempo), le resta algo de emoción al relato.

• Vía Pic | elseptimoarte.net

Una noticia que, a sus 78 años, nos parecía lógica y respetable, pero que no por ello dejaba de entristecernos. Aquel año estrenaba “Gran Torino”, en la que volvía a ejercer de director y actor protagonista, y que se convertía en todo un éxito de crítica y público, aunque luego fuese injustamente ignorada por la Academia.

Dicho filme  suponía su última aparición ante las cámaras, por lo que su visionado desprendía cierto regusto a despedida.

Pero nunca digas nunca jamás. Y si no que le pregunten a Viggo Mortensen o a Kevin Spacey, que anunciaron su jubilación anticipada antes de tiempo y ahí siguen, dando el callo.

Han pasados cinco años desde aquellas declaraciones, y Eastwood vuelve al redil con “Trouble with the Curve”, libremente traducida aquí como “Golpe de efecto”. Y lo más sorprendente es que regresa dejándose dirigir por un tercero, algo que no ocurría desde “En la línea de fuego”, hace ya casi veinte años. _

Gus Lobel (Clint Eastwood) ha sido uno de los mejores cazatalentos de béisbol durante décadas, pero, a pesar de sus esfuerzos por esconderlo, su edad empieza a pasarle factura.  Sin embargo, Gus se niega  a quedarse en el banquillo y sale de nuevo al campo a batear en lo que podría ser el último trabajo de su carrera. Esta vez, y pese a sus reticencias, cuenta con la inesperada ayuda de su hija, una talentosa abogada.

La película que nos devuelve al Eastwood actor supone el debut como director de Robert Lorenz, su socio productor de toda la vida (y su asistente de dirección en múltiples rodajes). Tras una serie de pulidas, Lorenz le entregó el guión a Eastwood, que aceptó salir de su breve retiro cediéndole la silla de director a su amigo para centrarse exclusivamente en Gus, un personaje hecho a su medida.

Gus Lobel es, lo que se dice, un viejo cascarrabias. Representa a la vieja escuela de cazatalentos, a aquellos que asisten a los partidos y que analizan con detalle a los jugadores; aquellos que perciben el talento desde las gradas.  Nada que ver con los ojeadores de ahora, alejados del campo de juego y más pendientes de las estadísticas que les dicta un ordenador.

Gus no desea jubilarse, pero quizás no tenga elección. El paso del tiempo no perdona y empieza a perder la visión, lo que automáticamente le dejaría fuera de juego. Los directivos de los Atlanta Braves comienzan a dudar de su criterio, así que su último trabajo es, quizás, la última oportunidad que tiene de demostrar que aún le queda cuerda para rato.

Pero no puede hacerlo sólo. Necesita ayuda, y ésta vendrá de su hija Mickey (Amy Adams), una empleada de un importante bufete de abogados de Atlanta cuyo esfuerzo y ambición están a punto de reportarle un jugoso ascenso.

Gus y Mickey nunca han mantenido una satisfactoria relación como padre e hija. Él no estaba preparado para ser padre soltero después de la muerte de su esposa, por lo que Mickey vivió un año entero con unos familiares y pasó el resto de su tierna infancia en un internado.

Ahora mantienen el contacto pero apenas hablan de cosas importantes. En los pocos momentos que pasan juntos, el béisbol monopoliza su conversación.

Gus siempre quiso lo mejor para ella. Las decisiones que tomó en el pasado, equivocadas o no, las tomó por el bien de su futuro.

Mickey se crió con el béisbol, aprendiendo de su padre todo lo que debía saber de este deporte. Y pese a los años que éste la mantuvo alejada no sólo de él sino también de las gradas, es la única persona que ahora puede echarle una mano.

Por supuesto, Gus se niega a ello, pero Mickey es tan testaruda como él, así que acabará acompañándole en su último viaje a Carolina del Norte para salvar su carrera, aunque eso suponga poner en peligro la suya propia.

Aunque ambientada en el mundo del beisbol, la historia de “Golpe de efecto” gira en torno a la relación padre e hija de los personajes que interpretan Eastwood y Adams, quienes demuestran tener un gran química en pantalla.

El contexto deportivo deja paso, pues, al drama familiar, aunque con un tono ciertamente ligero en donde predominan las pinceladas de humor.

También hay lugar para reflexionar sobre el paso del tiempo, la vejez, las responsabilidades y los sueños, así como para aportar unas dosis de romance a través del personaje de Justin Timberlake (Johnny Flanagan), un exjugador de béisbol reconvertido en cazatalentos que aspira a ser comentarista y que entre tanto no duda en tratar de conquistar el corazón de la hija del hombre que le descubrió.

Además, se aprovecha para reivindicar lo tradicional respecto a lo moderno, siendo así la antítesis de otra reciente película sobre béisbol, “Moneyball”.

La estructura de la cinta, el tipo de personajes que presenta y cómo se desenvuelven en pantalla, así como la resolución de sus conflictos emocionales responden a estereotipos de sobra conocidos.

Nada sorprende ni resulta especialmente novedoso. Eso convierte la ópera prima de Lorenz en una película de manual repleta de clichés (la escenita del lago es una plantilla utilizada hasta la saciedad).

Y sin embargo, un servidor se ha visto complacido por su amable sencillez y su falta de pretensiones.

Dada la presencia de Eastwood, quizás se espere de ella algo más que una correcta y agradable película de sábado por la tarde, que es básicamente lo que -en apariencia- pretende y consigue ser.

Eastwood está en su salsa y se nota. Y tenerlo de vuelta como actor es un regalo que merece la pena aprovechar aún cuando la película no sea el “gran regreso” que muchos esperaban o no vaya a situarse entre los trabajos más destacables y/o recordados de su filmografía.

“Golpe de efecto” es un ligero y tópico drama deportivo que ni engorda ni indigesta. Tanto la dirección como el guión resultan convencionales, pero el reparto (y ahí incluyo a Timberlake) le otorga un plus de calidad.

Para algunos puede que resulte insatisfactoria; para quién esto escribe, el resultado se ajusta a lo que uno le pide a este tipo de propuestas. Ni más ni menos.

Películas como la reciente “Lo Imposible” (cine catastrófico) o “Eva” (ciencia-ficción), son buena prueba de ello, aunque no siempre es necesario contar con un elevado presupuesto y efectos digitales del copón para rodar algo diferente y sugerente para el espectador. Basta con tener una buena idea entre manos y saber llevarla cabo con los medios adecuados y/o disponibles.

Precisamente, el guionista del último éxito de Bayona y autor también de “El orfanato”, Sergio G. Sánchez, es quién se encarga, junto a Jorge Guerricaechevarría (colaborador habitual de Alex de la Iglesia), de trasladar a la gran pantalla la novela homónima de David Monteagudo, ‘FIN’, todo éxito de ventas elogiado por la crítica.

La historia gira en torno a un grupo de viejos amigos que, tras años sin verse, se reúne de nuevo para pasar un fin de semana en una casa en la montaña. La reunión, amena al principio, empieza  a torcerse cuando un turbio episodio del pasado sale a relucir. Mientras el ambiente se crispa, se sucede ante ellos un extraño fenómeno que, sin explicación aparente, les deja completamente aislados del mundo.

A la mañana siguiente deciden salir en busca de ayuda, y será cuando sean testigos de la magnitud del incidente ocurrido durante la pasada noche.

Como decía al inicio, no son necesarios grandes medios para rodar algo que se aleje de lo convencional, pero sí es necesario tener la pericia suficiente para llevarlo a buen puerto. Y ahí es donde falla “FIN”.

Jorge Torregrossa, cortometrajista formado en EE.UU. y director de videos musicales, debuta en largometraje con una mezcla de géneros prometedora (thriller, ciencia-ficción, terror, survival…) pero torpemente desarrollada.

El problema no reside ni en la sobria puesta en escena, adecuada para el modo y el contexto en el que nos cuenta la historia; ni en la dirección de Torregrossa, sin alardes pero bastante dinámica (esos planos panorámicos…); ni en el reparto, que hace lo que puede con lo que le ha caído encima. El verdadero problema es el guión de Sánchez y Guerricaechevarría.

“FIN” es una propuesta que, por su temática apocalíptica, puede recordar a otras cintas como “Vanishing on 7th Street” o “El incidente”. Pero aquí de lo que se trata no es establecer comparaciones para restarle originalidad (de hecho, el punto de partida me sigue pareciendo estupendo, pese a todo lo que viene después), sino en la incapacidad de lograr que la historia funcione tras su más que interesante y enigmático arranque.

En el momento en el que los ocho protagonistas abandonan la casa de campo para averiguar qué es lo que está sucediendo a su alrededor, es cuando el castillo de naipes se derrumba. A cada paso que dan, más se hunden en el barro, hasta que al final son engullidos por completo.

En un contexto de estas características, con pocos personajes frente a lo que parece ser el fin del mundo o, como mínimo, el fin de la raza humana, el motor de la historia deberían ser, precisamente, los propios personajes; la manera de afrontar lo inexplicable; la tensión entre ellos por lo que acontece,  por el pasado que les une y por las diferencias que les separan.

La psicología de los mismos, sin embargo, se queda en un simple esbozo, por lo que el juego que deberían dar a lo largo del metraje se queda cojo y no da para más que un par de calentones verbales y alguna que otra confesión profunda.

Los mecanismos de los guionistas para hacer avanzar la acción residen básicamente en someter a los protagonistas a amenazas no internas sino externas, y todas ellas de carácter animal.  El recurso, por así decirlo, es siempre el mismo, y cada vez más impostado (y cansino).

La estampida inicial en el peor atajo del mundo que a uno se le podría ocurrir en pleno apocalipsis aún se puede tolerar, pero SPOILERS–  que sean perseguidos por una jauría de perros hambrientos apenas pasadas ni 24 horas del desastre, esto es, sin tiempo éstos a permanecer lo suficientemente desatendidos como para reaccionar de ese modo, resulta cuanto menos absurdo. Y del león de circo mejor ni hablemos – FIN SPOILERS.

El comportamiento a menudo histérico, sin sentido o directamente estúpido de los personajes no ayuda demasiado a sentir un mínimo de empatía, por lo que poco nos importa quién perezca en el camino y quién sobreviva hasta el final. Incluso a más de uno le deseamos una desaparición inmediata.

Otro punto en contra es que la tensión brille por su ausencia, y los momentos que deberían tenernos agarrados al apoyabrazos de la butaca terminen resultando involuntariamente cómicos (en ese sentido, el personaje de Carmen Ruíz se lleva la palma). Tan sólo los primeros minutos alcanzan las cotas de suspense deseados; el resto bascula entre lo insulso y lo risible.

ATENCIÓN SPOILERS El final abierto,  impregnado de esa alegoría cristiana que resuena discretamente a lo largo del metraje (no es fruto de la casualidad que el personaje de Clara Lago se llame Eva) FIN DE SPOILERS es la puntilla que termina de rematar al insatisfecho espectador.

Ignoro cuánto se parece  la película de Torregrossa a la novela de Monteagudo, y si los errores de ésta son o no herencia de la novela, pero lo que sí tengo claro es que se ha echado a perder una buena idea y la oportunidad de hacer buen cine postapocalíptico made in Spain.

Ahora queda esperar que a los hermanos Pastor les haya salido mucho mejor la jugada con “Los últimos días”.