La promoción despertó bastante interés entre el respetable al juntar a Leslie Nielsen, todo un especialista de las parodias, con Chiquito De La Calzada, uno de los humoristas televisivos más populares (e imitados) de la España de los 90.

Desgraciadamente, aquello que precisamente no pertenecía a la película (era un simple spot) acabó siendo lo más destacable de la misma, pues pese a empezar con buen pie, a los 20 minutos la frescura se desinflaba y se convertía en una sucesión de gags sin demasiada gracia y sin un hilo conductor decente.

El resultado final quedaba bastante lejos de lo que antaño lograron tipos como Jim Abrahams o los hermanos Zucker (Hot Shots, Top Secret…), aunque por suerte tampoco llegaba al nauseabundo nivel de Jason Friedberg y Aaron Seltzer, responsables de ‘Casi 300′, ‘Epic Movie’ y demás carroña paródica.

De todos modos, ‘Spanish Movie’ hizo buenos números en taquilla, doblando su coste en recaudación y convirtiéndose en una de las producciones españolas más vistas del año.

Ahora, cuatro años después, el director contraataca con otra propuesta cómica con, nuevamente, cierto regustillo yanqui, ‘Promoción fantasma’.

Modesto (Raúl Arévalo) es un profesor que en ocasiones ve muertos. Esto no solo le ha costado una fortuna en psiquiatras sino que también ha hecho que le despidan de todos los colegios donde ha trabajado. Su suerte cambia cuando consigue plaza en el Monforte, un colegio de prestigio aterrorizado por cinco alumnos.

¿Y qué tienen de especial estos alumnos?. Pues que están muertos, y Modesto es el único que puede verles y ayudarles a saldar su cuenta pendiente en la tierra para que dejen de vivir como fantasmas y reciban el descanso que se merecen.

Caldera vuelve a reunirse con gran parte del elenco con el que trabajó en su ópera prima; esto es, la estupenda Alexandra Jiménez, que aquí encarna a la directora del colegio Monforte; Silvia Abril, que da vida a la singular secretaria; y dos de los componentes/artífices del programa de humor Muchachada Nui, Carlos Areces y Joaquín Reyes, que interpretan respectivamente a un padre metomentodo miembro de la Asociación de Madres y Padres del colegio (AMPA) y a un pésimo psiquiatra que aconseja inútilmente al protagonista.

A este grupete lo encabeza un traumatizado Modesto en la piel de Raúl Arévalo, al que ya vimos el año pasado en la muy recomendable ‘Primos’. Y como plus, tenemos también al veterano Luís Varela (’Camera café’), otro espectro que pulula por la pantalla no sin cierto desconsuelo.

No hay duda que semejante reparto ya es un punto a favor, pero tal como se pudo comprobar con ‘Spanish Movie’, eso no es suficiente para llevar a flote una película.

En este caso, más que tirar de constantes gags, lo que se ha intentado es hacer una comedia entrañable y nostálgica para tratar de encandilar a un espectador que probablemente se escape del target habitual de este tipo de propuestas. Y eso, en parte, podría costarle una buena taquilla.

Los que esperen encontrarse con un ‘Fuga de cerebros’ en versión fantasmal probablemente se lleven un chasco, puesto que se trata de una comedia mucho más ligera y menos gamberra de lo que parece a simple vista.

Los gags escatológicos y de mal gusto aparecen de forma puntual, cosa que al menos un servidor agradece enormemente. Ese tipo de humor es el que, en mi humilde –y poco compartida- opinión, suele estropear cualquier comedia, sea española o de donde sea. Sin embargo, es evidente que este humor vulgar y soez tiene su público y es el que a menudo suele llenar las salas.

‘Promoción fantasma’ apuesta más por el diálogo jocoso, lo que permite que tipos como Joaquín Reyes nos arranquen alguna que otra buena carcajada. Lástima que su presencia en la trama sea escasa, porque cada vez que aparece lo borda. Claro que, a veces, a este tipo de cómicos es mejor disfrutarlos a bocados pequeños para no empacharse luego.

Si algo resulta un tanto chocante y chirriante es esa mezcolanza de cine juvenil de instituto a medio camino entre lo yanqui y lo español. Y es que no es muy habitual que en nuestros colegios se celebren ‘bailes de fin de curso’, que a los alumnos se les cite por megafonía o que el rompecorazones de turno (uno de los fantasmas, en este caso) parezca el quaterback del equipo de fútbol.

Esto responde, en buena medida, al cine al que sus responsables han querido rendir tributo, homenajeando claramente a uno de los clásicos por excelencia del género adolescente: ‘El club de los cinco’, del especialista John Hugues (una de mis películas de cabecera, dicho sea de paso).

Homenaje perceptible desde el afiche promocional con los cinco alumnos fantasmales emulando el cartel de la citada película hasta la repetición de los bailecitos que se marcaban Emilio Estévez y cía en un momento dado de la misma.

Además, estos cinco jóvenes representan varios de los estereotipos estándar de aquella y de cualquier otra comedia juvenil que se precie: desde el joven rebelde al deportista pasando por el/la empollón/a o la “facilona” del colegio (que aquí, para más señas, es una preñada prematura).

A estos se le añade un estereotipo muy patrio, el ‘fiestero de Pachá’ de allá por los 90, que recae en el personaje de ‘Pinfloy’, quién como fantasma ‘vive’ condenado a una eterna borrachera dado que en el momento de su muerte se encontraba completamente ebrio.

Además, los cinco vagan por la escuela porque SPOILER– murieron juntos cuando un incendio se propagó en la biblioteca, lugar en el que se encontraban castigados – FIN SPOILER, por si la referencia aún no había quedado clara.

A otra película que recuerda ‘Promoción fantasma’ es a aquella desconocida pero muy estimable comedia fantástica de principios de los noventa titulada ‘Corazones y almas’, en la que un jovencísimo Robert Downey Jr. tenía que lidiar con cuatro fantasmas adultos a los que debía que ayudar a resolver sus cuentas pendientes para así poder ir, por fin, al cielo.

Eso es exactamente lo mismo que le ocurre a nuestro Modesto con sus cinco alumnos. Claro que el procedimiento aquí es algo distinto y mucho más cómico, amén de que las “posesiones” (cuando el fantasma se introduce dentro del cuerpo de un vivo) no afectan al protagonista sino a las personas de su entorno.

Por ello, por esa cinefilia nostálgica y por esa música tan ochentera (escuchar el ‘Total Eclipse Of The Heart’ de Bonnie Tyler en una sala de cine te eriza la piel), es posible que ‘Promoción fantasma’ conecte mucho mejor con el espectador que ronda la treintena y cuarentena, que con el quinceañero de ahora.

Para las nuevas generaciones, eso sí, existe el atractivo (a modo de reclamo) de encontrarse a esa cantera de jóvenes actores y actrices que pueblan o han poblado la ficción televisiva de nuestro país.

Entre los cinco espectros nos encontramos a Andrea Duro (Cuestión de sexo, Física o química), Jaime Olías (Ángel o Demonio), Anna Castillo (Doctor Mateo), Alex Maruny (Ángel o Demonio) y Javier Bódalo (El comisario, Los Serrano); además de a Aura Garrido, que encarna a una marginada antisocial (gótica, para más inri) y que protagoniza la subtrama amorosa más ñoña de la película junto al personaje de Olías, Jorge (el deportista de la cazadora “USA style”).

Como podéis comprobar, algunos provienen incluso de la misma serie, y es que la televisión les ha abierto a todos (a algunos antes que a otros) las puertas del cine.

Ignoro cuántos de ellos caerán en el olvido en cuestión de años, cuántos superarán su etapa de ‘forracarpetas’ para madurar como intérpretes o cuántos subsistirán gracias a su cara bonita (estilo Amaia Salamanca o Mario Casas), pero lo que es seguro es que todos pasan el examen con un aprobado.

Quizás a Maruny se le vea, en alguna ocasión, algo menos cómodo con su actitud de ‘rebelde sin causa’, pero en líneas generales los cinco ofrecen una buena contrapartida al elenco de adultos de les acompañan. Y teniendo en cuenta quiénes son esos adultos, el mérito es doble.

Como comedia que es, ‘Promoción fantasma’ se ve con agrado, sacándote algunas risas y numerosas sonrisas. Cuenta con la baza referencial y generacional a su favor, logrando captar la esencia de aquellas propuestas ochenteras que nos solían llegar del otro lado del charco, y añadiéndole el toque sobrenatural.

Tampoco es descartable que la chavalería actual le encuentre su punto, siempre y cuando no anden buscando la comedia chorras de turno. Pero como ya he comentado, la comicidad será mucho mayor con los que ya dejamos atrás la edad del pavo.

Quizás con algo más de gamberrismo y cero escatología (porque gamberro no equivale a escatológico), hubiera quedando más redonda, pero a falta de pan, buenas son galletas, y poco hay que reprocharle a lo que han logrado Caldera y cía: hacer una comedia juvenil simpática y amena.

• Vía póster | LaButaca.net

Los hermanos son famosos por conseguir más nominaciones que nadie para los Oscars desde hace años, y tienen un ojo  clínico que no falla (’El Discurso del Rey’), pero es que con ‘The Artist’ no era suficiente sólo tener buen ojo….había que tener los huevos muy grandes por apostar por esto:

• Michel Hazanavicius, director francés que con 15 millones de dólares había rodado en mes y medio y con un guión escrito en 16 semanas.
• Protagonista francés, sin ninguna incursión en otra cinta que al menos alguien hubiera visto dentro de las fronteras USA.
• Coprotagonista igualmente desconocida y encima mujer del director.
• En blanco y negro, muda y con subtítulos años 20.

El primer atisbo de que se había acertado de lleno, el Festival de Cannes. Ovación del público y 20 minutos de aplausos, pero claro, jugaban en casa y habría que ver si no estábamos ante una extravagancia europea de difícil tragadera.

35 Festivales, certámenes o reunión de esxpertos la han nominado o ha ganado en alguna de sus categorías, incluído el premio del público de San Sebastián, el Globo de Oro, la Palma de Oro al mejor actor….entonces, ¿ESTAMOS ANTE UN PELICULON?.

Si…y no, que no voy a ser yo el que siga dejándose llevar por esta fiebre ‘artist’ que tiene loquitos a todos los críticos de póstin del mundo.

Uno tiene que ser consciente del cine que le gusta. Si entre tus dvds de cabecera está ‘Los Mercenarios’, alguna de Jason Statham y el pack completo de ‘A Todo Gas’ huye de la sala como si fueras Damien a la puerta de una iglesia. ‘The Artist’ te parecerá el coñazo más grande jamás rodado y un hiperhype del copón.

Demasiado bombo para un film que de haber sido rodado en los años 20 no hubiera pasado la prueba del tiempo….

Pero es que ‘The Artist’ es una producción del 2011, y ahí entra el cinéfilo al que le gusta que le cuenten historias, y que esas historias hablen directamente al corazón, apelando a las emociones y los personajes, enganchando al espectador y dejándolo atónito ante una época pasada.

Abstraerse del cine que nos proyectan en la otra sala, de las grandes superproducciones y de los guiones que nos dejan todo mascado será tan fácil que asusta darse cuenta que algo tan simple y certero nos gana sin poner resistencia. Si no hay abstracción, ni te llega a las entrañas, esta no es tu película, y es tan respetable como un maratón de Jet Li.

Hazamavicius ofrece un tremendo homenaje a la época dorada de Hollywood, cuando los cines proyectaban películas de protagonistas aseados e impolutos frente a villanos poco agraciados. Cuando las actrices eran meros objetos decorativos o inocentes coprotagonistas que sucumbían a los encantos del galán.

Cuando el cine no se llenaba de explosiones y fuegos artificiales, sino de gestos, guiños y sonrisas.

George Valentine (Dujardin) es una estrella del cine mudo en su etapa más prolífica. Los hombres y mujeres le adoran y sus películas son éxitos rotundos, pero cuando el cine debe amoldarse al sonido, el actor comienza a perder todo lo que le hacía estrella y su descenso coincide con el auge de Peppy (Bejo), una fan que pasa de ser figurante a sensación de la pantalla. Sus caminos se iran cruzando en un destino que parece unido.

Las expectaciones, cualquiera que os hayáis creado tras tanto premio y reconocimiento mediático, se verán cubiertas sin duda alguna. Cuando uno se sienta a sabiendas que durante hora y media verá una película muda terminará olvidando que aquí no se habla.

Tras la sorpresa y originalidad inicial, y unos 10 minutos acostumbrándose al formato, Hazanavicius despliega un arsenal de nostalgia pura y dura, ambientada de forma magistral por una banda sonora que crece en los momentos de tensión, tintinea en los cómicos y suena deliciosa en las escenas más emotivas.

Y para que todo funciones es crucial la elección de los dos protagonistas, a los que compadezco enormemente pues tras ‘The Artist’ mucho tendrán que esforzarse para mejorar una actuación en la que sin decir ni mu se transmite absolutamente todo. A pesar de que en ciertos momentos los ‘cartelitos’ no recogen todo lo que se dice, con sólo mirarlos uno sigue los diálogos como si los tuviéramos toda la vida en la cabeza.

Magníficos actores secundarios, cada uno en su sitio (John Goodman, Penelope Ann Miller, James Cromwell). Entiendo perfectamente el porqué le dieron la ‘palma de oro perruna’ de Cannes a Uggie.

Idea, actuaciones y música. Los tres pilares básicos del film. Ni el guión es tan original ni la trama es nada del otro mundo, más bien nos parecería una ñoñez en un drama convencional y los más cinéfilos reconocerán pasajes de ‘Cantando bajo la Lluvia’, pero lo que atrapa al espectador es la puesta en escena, el todo.

El único enemigo de ‘The Artist’ es la propia ‘The Artist’. El pensar que por cojones hay que verla porque si no nos perdemos lo mejor del 2011. Lo mejor del 2011 es relativo, según uno disfrute con el drama (’El Arbol de la Vida’), las películas corales (’The Help’) o la mordacidad de Alexander Payne (’The Descendants’), pero ‘The Artist’ es un regalo para los que aman el cine por encima de lo que nos dicta la industria.

La película que viene a reclamar el trono de ‘la mejor del año’ debería venir con una pegatina de advertencia: dale unos minutos, hazte con el ritmo y cuando lo hagas, disfruta con una cinta tan fresca y tan vieja que te dejará clavado en la butaca.

• Vía Pic | elseptimoarte.net

Vin Diesel es un caso inequívoco. Tras ‘A Todo Gas’, la serie de la Universal lanzó dos secuelas más hasta que 8 años después el actor, que llevaba un par de palos a sus espaldas, de forma sorpresiva volvía al ser Toretto.

Pero hay más, y en tiempos más largos. Mirad a Karen Allen, 27 años entre ‘El Arca Perdida’ y ‘El Reino de la Calavera de Cristal’.

No se si será por la causa más vieja del mundo (dinero) pero Kate Beckinsale se ha vuelto a enfundar el traje de cuero, el que no deja transpirar ni un maldito poro de su piel, y protagoniza un nuevo ‘Underworld’, aunque lo de ‘nuevo’ es un decir.

Y es que el problema de esta secuela y el regreso de Beckinsale es que se produce con un intervalo de 6 años (’Underworld Evolution’ es del 2006) y en esos 6 años Milla Jovovich ha rodado 3 Resident Evil y 1 Ultravioleta,

Lo pillais: la losa de la saga ‘Resident Evil’ es tan pesada que uno a ratos no sabe qué esta viendo. ‘Underworld: El despertar’ no es más que el certificado de caducidad de una historia que se presentaba fresca y original hace casi una década y ahora es una más del montón, tirando a mala.

Selene (Beckinsale) despierta en una época completamente nueva y semi-apocaliptica en la que un ‘virus’ se expande con resultados mortales para todo el mundo. Sin embargo ni la batalla contra los hombres lobo ha acabado ni sus nuevos enemigos van a dejarla en paz con un objetivo muy siniestro.

Chicos, si desvelamos lo poco que tiene el film para aguantar todo el metraje ya es para cerrar las salas, y eso que el tal metraje es menos de hora y media, que a veces se hace eterna.

Lo de este tipo de productos es lo de siempre, si desconectas las neuronas, te compras un cubo de palomitas y la sesión del domingo tarde es más calentita que el salón de tu casa, la película pasa el corte.

Pero es que no siempre podemos autoidiotizarnos, y este ‘Underworld’ es un timo a la creatividad, los efectos especiales y la cartera.

Del ‘Underworld’ del 2003 no queda nada. Ni aires góticos, ni personajes bien marcados ni lucha entre fuerzas sobrenaturales. Ni Lucian (Sheen), el temido Viktor (Nighy) o la química que rezumaban los unos con los otros.

La secuela, con más acento en el gore y la sangre a borbotones, nos presenta una trama trillada en la que la cura viene de la mano de ‘lo que más quiere’ su protagonista y el resto es una sucesión de persecuciones, peleas coreografiadas y diálogos por los que el guionista no se ha tomado ni el más mínimo interés.

De la Selene del 2003 tampoco queda nada, ni siquiera para los que acudan al cine habiendose saltado las tres entregas anteriores. No hay una presentación digna de la heroína, no se nos recuerda los sucesos que han llevado a Selene a donde está ahora y las ganas de empezar a dar mamporrazos se carga un buen inicio en el que un ‘previously’ a base de flashbacks hubieran sido de agradecer.

Y de los efectos especiales actualizados al 2012 ni hablemos. Que me saquen los libros de contabilidad y me enseñen cómo se han gastado 70 millones de dólares en 88 minutos de marionetas, mostruos de goma y criaturas digtales hechas con una aplicación de iPad.

Posiblemente los peores efectos especiales que he visto ultimamente en una producción que no se jacta de ser barata. Es que no hay por donde cogerlo. Más que licántropos son perracos y no me quiero ni imaginar cómo se verán en 3D.

La que peor sale parada de este esperpento es Beckinsale. La chica, que seguramente firmó por la secuela para alivarse de varios fracasos que la han hecho perder puntos en el star-system, se ha encontrado con dos directores que le han dicho: ‘tú no hables, sólo dispara, patea y salta…todo con buenos angulos, que se te vea el culo de látex’.

La actriz, irreconocible en sus maneras, termina siendo una versión repetitiva de todo lo que ha hecho Jovovich en los últimos años.

Y el villano Stephen Rea es otro al que el cheque de la Screen Gems va a servir para poder seguir viviendo haciendo películas como ‘Blackthorn’.

Con ‘Underworld: El despertar’ se ha conseguido lo que realmente se quería. Una película rápida, de pocas palabras pero con mucho golpe, trueno y sangre, con actriz de buen ver y trama poco complicada, que no distraiga de lo importante que es…mucho golpe, trueno y sangre.

Sin embargo yo no puedo olvidarme de todo lo bueno que tenía la original, y esto es un insulto a su memoria.

• Vía Poster | elseptimoarte.net

En 1924, y con sólo 29 años, John Edgar Hoover (Leonardo DiCaprio) fue nombrado director general del FBI para que reorganizara la institución, considerada por muchos un foco de corrupción. Hoover ocupó el cargo hasta su muerte en 1972, sobreviviendo a siete presidentes, alguno de los cuales intentó inútilmente destituirlo. Los archivos que Hoover guardaba celosamente, llenos de secretos inconfesables de importantes personalidades, lo convirtieron en uno de los hombres más poderosos y temidos de la historia de los Estados Unidos.

Delante y detrás de este enésimo drama biográfico nos encontramos a tres profesionales a quienes el campo del biopic no les es desconocido. Para empezar, el guión corre a cargo de Dustin Lance Black, quién en 2008 hizo méritos para alzarse con el Oscar al Mejor Guión Original por “Mi nombre es Harvey Milk”.

DiCaprio, por su parte, se metió en la piel de Howard Hugues en “El Aviador” bajo las órdenes de Martin Scorsese, y casi una década atrás ya demostró su valía en “Diario de un rebelde”, basada en una novela autobiográfica.

Y para terminar, tenemos a Eastwood, que después de “Bird”, “Invictus” y la pseudobiografica “Cazador blanco, cazador negro” (todos sabemos que el personaje protagonista aludía a John Huston) tiene sobrada experiencia a la hora de retratar personajes e historias reales.

Con semejante trío, y trabajando juntos por primera vez dos ases como Eastwood y DiCaprio, uno espera lo mejor de una película de estas características, sobre todo teniendo en cuenta que el personaje de Hoover es un caramelo para cualquier cineasta -con talento- que se precie. El resultado, sin embargo, está lejos de ser brillante, y probablemente no sea lo mejor ni de su director ni de su actor protagonista. Pero tampoco es un trabajo desdeñable habida cuenta de sus apreciables virtudes.

Mediante continuos saltos en el tiempo, Eastwood nos va relatando los avatares de Hoover desde que encabeza la dirección de la agencia hasta el día de su muerte. El propio Hoover se encarga de contarnos –con sus respectivos adornos- la historia de su vida mientras dicta su autobiografía al mecanógrafo de turno. Sus recuerdos, y la forma en que los cuenta, se transforman en esos flashbacks que nos acercan a los años de su juventud, unos tiempos convulsos en donde los delincuentes campan a sus anchas.

Guionista y director prefieren quedar al margen de juicios extremistas y exponen los logros y las miserias del protagonista para que seamos nosotros mismos quienes le juzguemos o, en última instancia, seamos conscientes, con una visión más amplia y a la vez intimista, de lo mejor y peor de dicho individuo.

Quizás eso sea más beneficioso para la película y para el propio espectador que el ofrecer una visión demasiada benévola de su figura (como ocurre en muchos biopics) o, por el contrario, crucificar sus actos de forma contundente sin llegar a comprender los motivos (justificados o no) que hubo detrás de los mismos.

Claro que esa neutralidad también puede ser vista como una falta de valentía por parte de sus responsables, que han preferido no mojarse demasiado a la hora de retratar la vida personal y política de tan polémico personaje.

Hoover reformó, revolucionó y, en definitiva, mejoró una agencia gubernamental que, junto al resto de cuerpos policiales, resultaba francamente ineficaz ante el crimen imperante de la época. Con su nombramiento como director general, Hoover acabó con la corrupción interna a base de despedir agentes y reclutar a otros que asumieran el cargo con profesionalidad, responsabilidad y sobre todo lealtad.

Por supuesto, toda elección quedaba sujeta a su restrictivo y subjetivo criterio, con lo que podía llegar a prescindir de agentes capacitados por mero despecho o ningunear a aquellos que supusieran una amenaza a la continuidad de su cargo.

También se rodeó de profesionales de distintas ramas (desde científicos a carpinteros, pasando por contables y asesores legales) para mejorar la eficiencia de la agencia y de sus agentes, potenciando la criminología a base de aplicar métodos científicos/técnicas forenses. De este modo, ninguna escena del crimen se limpiaba antes de que fuera concienzudamente estudiada y analizada para poder dar con pruebas incriminatorias que les pusieran sobre la pista de sus autores y, posteriormente, les permitieran juzgarles ante la ley.

Las distintas medidas impuestas por Hoover resultaron especialmente eficaces en su lucha contra el crimen organizado, y su posición y la de su agencia quedaron fuertemente reforzadas ante el caso de secuestro del hijo de Charles Lindbergh, un famoso aviador cuyas hazañas le habían convertido en una especie de héroe nacional. El suceso fue todo un escándalo que indignó a la sociedad, y el propio Hoover supervisó la investigación que finalmente dio con un culpable (aunque tiempo después se haya puesto en duda dicha culpabilidad).

Pero con tal de proteger a su país, y también de protegerse a su mismo, Hoover no dudaba en hacer lo que hiciese falta, fuese legal o no. Demostró ser un feroz anticomunista y antisemita, además de un racista, y veía enemigos en todos partes. Se regocijó en sus logros y se apropió de los méritos ajenos, ansiando una admiración que jamás le fue concebida.

También utilizó a sus propios agentes para espiar a personalidades y políticos de la nación de modo que le facilitaran información privilegiada que le permitiera ejerce su poder sobre ellos, convirtiéndose así en una figura poderosa, intocable e imposible de derrocar. Sólo la Muerte pudo acabar con su férreo mandato.

Eastwood narra meticulosamente la carrera profesional de Hoover con un tono ciertamente documentalista, pero no se queda solamente ahí, sino que también ahonda en su vida privada, haciendo especial hincapié en dos aspectos fundamentales de la misma y estrechamente relacionados entre sí: su sexualidad y su dependencia materna.

Al joven John Hoover apenas se le conocían amistades y mucho menos relaciones con mujeres. Tenía un reducido círculo de confianza que, en ocasiones, se limitaba a su leal secretaria, Helen Gandy (Naomi Watts), y a su colega el agente Clyde Tolson (Armie Hammer). Con este último, se rumoreaba, mantenía una relación especial; una relación que emocionalmente iba mucho más allá de la simple amistad entre dos hombres, algo que aquí Eastwood sugiere sutilmente durante sus primeros encuentros y luego de forma mucho más clara y directa conforme avanza el metraje.

En todo momento, eso sí, con la elegancia que caracteriza al director. En ese sentido, no crea que nadie pueda decir que él o el guionista se hayan mordido la lengua o hayan decidido omitir ese aspecto de la vida del protagonista. Ni mucho menos es el centro de atención de la historia pero si una parte imprescindible, por lo que debía incluirse sí o sí en la película, independientemente de la veracidad que se le presuponga (están los que lo consideran un rumor infundado y los que lo corroboran)

En lo que respecta a su dependencia materna, Hoover necesitaba constantemente del afecto y aprobación de su madre (encarnada por Judi Dench), y la enorme influencia que ésta ejercía sobre él es lo que en cierto modo le haría renunciar a su homosexualidad, convirtiéndose en un hombre soltero y reprimido de por vida. Una decisión tomada tanto por el bien de la familia como por el de su imagen pública.

Aún prescindiendo de bastantes de las licencias dramáticas que se le presupone a todo biopic cinematográfico, lo cierto es que “J. Edgar” funciona mucho mejor en esos momentos en los que se acerca de forma más íntima y personal al personaje, antojándose el resto algo más distante y carente de emoción.

De hecho, si algo se echa de menos es la falta de intensidad en la narración; esa garra que hace que el relato, además de entretenernos y resultarnos didácticamente interesante, nos deje huella. Eso que en otros tiempos conseguían tipos como Oliver Stone o, para qué engañarnos, el propio Eastwood (tiempos mucho más lejanos en el caso del primero, desde luego).

No se puede negar que el trabajo del director es elocuente y refinado, haciendo que esas poco más de dos horas se nos pasen volando y consiguiendo que apenas le demos importancia a la deficiente labor de maquillaje de la que hace gala el reparto en sus envejecidas caracterizaciones (especialmente hiriente resulta la de un, pese a ello, sobradamente convincente Armie Hammer), pero en el fondo no es una película que entusiasme en exceso, pese a que tampoco se le puedan reprochar demasiadas cosas.

De tan correcta que es, acaba resultando demasiado fría. Quizás un personaje tan controvertido pedía una película, precisamente, más controvertida, valga de redundancia.

El guión precisa de una mayor y mejor síntesis, y mientras que en algunos aspectos resulta toda una lección de historia, en otros en cambio sólo pasa de puntillas y deja en el tintero mucho (y bueno) que contar (todo el tema referente a los Kennedy, por ejemplo).

Ahora bien, entre sus mayores virtudes está, como no podía ser de otra forma, Leonardo DiCaprio, que sigue demostrando que es uno de los mejores actores de su generación. Su última interpretación reivindica, una vez más, su calidad actoral y reclama nuevamente esa estatuilla dorada que la obtusa Academia de Hollywood sigue negándole año tras año sin tan siquiera ofrecerle la posibilidad de optar por ella (ni una mísera nominación a los Oscars de 2012).

DiCaprio es, básicamente, la película, ya que el resto de sus compañeros se limita a acompañarle –muy correctamente porque no se les permite más- y dejarle vía libre para que se coma la pantalla. Y eso, en parte, también es un error de guión, pues por muy J. Edgar que se titule la película, debería involucrarse tanto en el personaje radiografiado como en su entorno (el personaje de Watts queda muy desdibujado, y la fidelidad para con su jefe apenas queda bien argumentada).

Por lo demás, una película/lección de historia que se ve gustosamente pero que difícilmente permanezca en el recuerdo. Mucho más lúcida y sugestiva en el retrato humano que hace de un hombre obsesivo y megalómano que en el enfoque político que le atañe.

• Vía Pic | elseptimoarte.net

La susodicha, una coproducción entre EE.UU y Reino Unido, se centraba en el desastroso funeral del patriarca de una familia no demasiado bien avenida. La (simpática) película en cuestión tuvo bastante éxito, lo que ha llevado a su guionista, Dean Craig, a repetir la fórmula dos veces más: primero realizándose en 2010 un remake genuinamente yanqui (esto es, sustituyendo el humor negro a la inglesa por el humor vulgar a la americana) y ahora plasmándose una similar concepto en “A Few Best Men”, en donde se cambia el funeral por una boda y al realizador de filmes como “La pequeña tienda de los horrores” o “In &Out” (Frank Oz) por el de “Las aventuras de Priscilla, reina del desierto” (Stephan Elliott).

Y como los productores y el guionista de esta nueva cinta son los mismos, aquí han decidido adecuar el título repitiendo la coletilla y quedándose así en “Una boda de muerte” (y tan panchos, oye)

David (Xavier Samuel) está a punto de casarse con Mia (Laura Brent), una joven muchacha australiana a la que conoció –y de la que se enamoró perdidamente- durante unas vacaciones. La ceremonia tendrá lugar en casa de Mia, por lo que David se traslada hasta Australia junto a sus tres mejores amigos: Luke, que será el padrino y que acaba de perder a su novia; Tom, un pasota total, y Graham, un hipocondríaco acomplejado.

Cuando llegan a su destino, David conoce por fin a sus suegros. El padre es un rico senador australiano y la madre una ama de casa servicial. En un principio, los padres de Mia reciben a David y a sus amigos con los brazos abiertos, pero en la despedida de soltero las cosas se desmadran y la boda no resulta ser lo que debiera.

Las bodas han sido y serán siempre un tema recurrente en el cine, sobre todo en lo que a comedia romántica se refiere. El año pasado, sin ir más lejos, tuvimos en cartelera “La boda de mi mejor amiga”, que fue todo un éxito de crítica y público (aunque a mí me pareció deleznable, dicho sea de paso).

Mientras que aquella se centraba en la preparación de la boda y sobre todo en la despedida de soltera de la futura esposa, en “Una boda de muerte” es la celebración de la propia boda el foco de atención de la trama; una boda que se convierte en un auténtico desmadre después de que la noche anterior a la misma al novio y a sus amigos se les vaya de la mano la despedida de soltero.

Pero la semilla del desastre se germina unas horas antes, cuando Tom decide comprarle algo de droga a un traficante local. A partir de ahí y de la borrachera de la noche previa a la boda, todo empezará a torcerse. Una celebración planificada a lo grande, con todo lujo de detalles y con unos invitados selectos se convertirá en un caos por culpa de tres tíos, los amigos del novio, un poco pasados de vueltas.

Luke está deprimido o, mejor dicho, totalmente hundido porque su novia le ha dejado y ahora está con otro tío, así que se pasa toda la boda dándole a la botella y llamando desconsoladamente a su ex para hundirse aún más en su propia miseria. Con un padrino así, la cosa no puede funcionar bien. Pero todo se complica si a ello sumamos a Tom (Kris Marshall) y su absoluta despreocupación por la boda. Tom no termina de convencerle que su mejor amigo se case con una chica a la que apenas conoce, por lo que de manera consciente e inconsciente (según la ocasión) sabotea la ceremonia con sus desastrosas ocurrencias.

En cuanto a Graham (Kevin Bishop), sus propias extravagancias ya son suficiente motivo de queja, pero si a eso añadimos el factor “droga”, la cosa puede ponerse mucho peor. Y de hecho, se pone mal, muy mal.

La boda se convierte en una continua sucesión de calamidades que avergüenzan constantemente a un impotente David. Con semejante percal no es de extrañar que las reticencias de su yerno vayan en aumento y que a Mia se le vaya agotando la paciencia por momentos. Y a todo esto… ¿qué hay de la madre de susodicha? Pues SPOILER– desatada totalmente y divirtiéndose de lo lindo a base alcohol y coca – FIN SPOILER.

El caos que el guionista desata busca desesperadamente el humor gamberro y no se puede negar que en ocasiones logra crear situaciones bastante divertidas. Algunos gags son mejores que otros (el momento en el que el ornamento floral arrasa con los invitados no tiene desperdicio); los hay que son más predecibles (el momento del vídeo humillante se veía venir desde el principio) y, definitivamente, hay momentos que resultan de muy mal gusto por culpa de la –por desgracia- imprescindible escatología.

Claro que esto último parece entusiasmar al público, habida cuenta del tipo de comedias que suelen arrasar en taquilla (la propia “La boda de mi mejor amiga” contenía uno de los gags escatológicos más infames del pasado año, y productos como “Fuga de cerebros” encuentran fácilmente quién le ría las gracias), así que no creo que estas situaciones disgusten tanto al espectador común como me disgustan a mí (será que con la edad me he vuelto más “exquisito”)

Y es que aunque estemos hablando de una coproducción entre Australia y Reino Unido, aquí poco se percibe del humor tan típicamente inglés. La sutileza brilla por su ausencia y aunque surjan de vez en cuando diálogos más o menos inspirados (las pullas a las costumbres australianas y a su pasado bélico), en general se trata de un humor más propio de las comedias americanas y muy en consonancia con producciones como “Resacón en Las Vegas”.

Por tanto, “Una boda de muerte” es una opción que bien vale para echarse unas risas con los colegas mientras se disfruta de la desgracia ajena y de las locuras que van sucediéndose a lo largo de poco más de hora y media (que es básicamente lo que debería durar toda comedia que se precie, sea mejor o peor que ésta).

Quizás lo mejor de todo sea el reparto formado por ingleses y australianos, y de entre los que destacaría Kris Marshall, que repite jugada tras “Un funeral de muerte”, y Kevin Bishop, actor de trayectoria mayormente televisiva. Además, cabe hacer una mención especial a una casi irreconocible Olivia Newton-John (la cirugía plástica, un terrible enemigo de Hollywood…) en uno de esos papeles que por norma general suelen quedarse en una breve aparición estelar y que aquí, sin embargo, se le saca bastante jugo dejando que la actriz explote se vena más desenfadada.

Quizás sólo por eso ya merezca la pena echarle un vistazo a la película.

• Vía Póster | elseptimoarte.net

Sin embargo, no son los únicos, y otros países, tanto del bando de Los Aliados como del bando del Eje, también han realizado, con mayor o menor fortuna, producciones que han reflejado -desde su propio punto de vista- distintos episodios de tan terrible y devastadora guerra.

Durante la II G. M., España mantuvo una (discutible) posición neutral respecto a ambos bandos, con lo cual es lógico que nuestro cine se haya interesado más bien poco en este tema y se haya centrado más en conflictos bélicos que nos atañen directamente, como la Guerra Civil, el más importante de nuestra historia reciente.

No obstante, y como ya insinúo en el párrafo anterior, esa neutralidad de nuestro país frente a la guerra no era tal, por lo que sí hubo participación de soldados españoles. Por aquél entonces, Franco pactó un acuerdo con Hitler por el que le prestaba su ayuda en el momento en el que se iniciara la invasión de Rusia. Cuando esto ocurrió, entró en acción la División Azul, un cuerpo de voluntarios españoles que lucharon codo con codo (aunque no sin discordia) con el bando alemán.

En ese contexto es en el que se sitúa “Silencio en la nieve”, la última película del director y productor Gerardo Herrero.

Frente de Rusia, invierno de 1943. Un batallón de la División Azul se topa con una serie de caballos sumergidos bajo el hielo de un lago congelado. Junto a uno de los caballos, aparece el cadáver de un soldado español. Un corte le atraviesa el cuello de lado a lado, y en el pecho tiene una inscripción grabada a cuchillo: “Mira que te mira Dios”. Los mandos encargan la investigación al soldado Arturo Andrade (Juan Diego Botto), un exinspector de la policía que asume la tarea con rigor y profesionalidad, y al que le asignan como ayudante al sargento Espinosa (Carmelo Gómez).

La película, basada en la novela “El tiempo de los emperadores extraños” del escritor madrileño Ignacio del Valle, se ubica en un contexto bélico sin posicionarse políticamente hacia ninguno de los bandos enfrentados. Esto es así porque el pilar de la historia es una trama criminal sin las pretensiones añadidas de ser un relato histórico de dicho acontecimiento ni de la participación de la División Azul en el mismo, un tema por otra parte poco tratado en el cine.

El descubrimiento de un soldado asesinado es el punto de partida de una trama detectivesca que involucra a dos miembros de la División Azul encargados de la investigación. Uno de ellos es Arturo Andrade, un hombre reservado que fue inspector de la policía durante la II República y los primeros meses del franquismo.

El otro es el Sargento Espinosa, un tipo pesimista convencido de que la derrota ante el enemigo es inminente.  Ninguno de los dos parece demasiado convencido de la lucha contra el Ejército Rojo, pero en estos momento algo más importante ocupa sus quehaceres diarios.

Ambos se entregan concienzudamente al caso de asesinato que les han asignado, tratando de recabar información acerca de la víctima y de todos aquellos con quienes mantuvo algún contacto. Sus sospechas iniciales atribuyen el móvil del asesinato a motivos políticos, probablemente un ajuste de cuentas por parte de algún quintacolumnista.

Sin embargo, la inscripción que el asesino dejó marcada en el cuerpo, “Mira que te mira Dios”, resulta desconcertante. No será hasta que la citada frase cobra significado cuando se den cuenta que detrás de todo se oculta una perversa venganza y que el cadáver del soldado puede ser el primero de otros tantos si no logran atrapar al asesino a tiempo.

Herrero maneja con bastante solvencia esta historia criminal que, si por algo destaca, es por ubicarse en medio de una guerra sin tregua, mostrándonos de forma colateral la locura de la contienda y los rifirrafes entre soldados españoles y soldados alemanes.

También se hace hincapié en las desconfianzas interna entre los propios miembros de la División Azul, formada tanto por falangistas voluntarios y fascistas radicales que no pertenecían a Falange como por republicanos. Todo ellos enrolados “voluntariamente” a luchar contra el comunismo.

Además, en el guión también se refleja la caza de brujas entre los masones (tanto de derechas como de izquierdas) que hubo tras la Guerra Civil Española y que, tal como comprobaremos, SPOILER — resulta ser el desencadenante de los asesinatos — FIN SPOILER.

La caza al asesino nos mantiene intrigados durante buen parte del metraje gracias a que el desarrollo de la investigación avanza sin prisas pero también sin pausas, facilitando poco a poco esa información que nos irá descubriendo quién se esconde detrás de tan brutal asesinato y el por qué de sus actos.

Puede que alguna situación resulte algo forzada, y no cabe duda que el affaire del protagonista con la muchacha rusa y la relación que éste entabla con un niño huérfano poco aportan a la historia (aunque quizás sí ayudan a definir un poco su personaje), pero en líneas generales es una película que funciona gracias a su intriga y a la sólida construcción de sus personajes.

Correcto el trabajo de todo su reparto, sin excepciones; desde la pareja protagonista formada por Juan Diego Botto (que, reconozco, nunca ha sido santo de mi devoción) y Carmelo Gómez, hasta el variado elenco de secundarios (el casi siempre poco aprovechado Víctor Clavijo, un desafiante –aunque un pelín estridente- Sergi Calleja, un simpático e inocente “chófer” de correos a cargo de Jordi Aguilar, etc.).

Merece también la pena resaltar el cuidadísimo diseño de producción y el trabajo de fotografía que, en conjunto, logran ambientar creíblemente esta historia ubicada en plena Segunda Guerra Mundial.

“Silencio en la nieve” es un interesante thriller ubicado en un entorno cruel donde la muerte y la miseria son el pan de cada día, y en donde la pareja protagonista intenta poner algo de orden y justicia.

No es una película perfecta, pero el resultado es estimable, amén de que resulta una propuesta bastante instructiva –sin caer en el tono documentalista- en lo que al tema de la División Azul se refiere.

• Vía Póster | elseptimoarte.net

Tras ‘Balada Triste de Trompeta’, personalmente una bendita locura y sin duda la apuesta más intransferible, difícil y arriesgada de uno de los grandes cineastas españoles, la nueva cinta de Álex de la Iglesia se nota en tono mucho más comedido, más moderado, pero sin duda para mí sin perder el sello siempre genuino y auténtico de este realizador.

En esta ocasión, ‘La chispa de la vida’ es una sátira social que se ambienta en la España actual, devorada por una crisis brutal, golpeada por un paro galopante que sufre más del 22,5% de la población activa.

Casi uno de cada cuatro españolitos en edad de trabajar no puede ir a ganarse el pan de su sustento, además de soportar las tremendas cargas financieras a las que la sociedad de consumo nos ha llevado, creando situaciones realmente dramáticas.

Uno de estos parados es Roberto Gómez (José Mota), un creador publicitario desempleado, que conoció días de vino y rosas como creador de la campaña ‘La chispa de la vida’ de Coca Cola, y que ahora recorre inútilmente distintos consultorías en busca de un ansiado trabajo que le saque de una vez por todas de el difícil estado económico por el que atraviesa su familia.

Desesperado, decide buscar refugio en la ciudad de Cartagena, población en donde pasó su luna de miel,  en un intento de olvidar la delicada situación por la que está pasando. El viaje acaba con un terrible accidente en el Teatro Romano de Cartagena y su vida pasa a pender de un hilo.

Bajo este paraguas de tragedia, con bastante anarquía y por qué no decirlo cierta irregularidad, de la Iglesia crea una historia en la que critica de forma sutil y mordaz distintos aspectos de la sociedad actual en la que nos ha tocado vivir a través de personajes caricaturescos y con cierta desmesura, algo ya innato en el cine que realiza el director vasco.

Ataca y pone encima del tapiz de forma grotesca y descarnada temas como la telebasura, la política, periodistas, representantes, empresarios, etc..

Y con unos diálogos realmente espléndidos va desarrollando su argumento hasta el final, cada uno en su papel, en su rol, en una magnífica muestra de por dónde camina la sociedad en la que hoy nos encontramos, todo ello endulzado con ciertas escenas cómicas que hacen que sin querer debas sonreír, quizás por lo impensable de las situaciones que se presentan en el devenir de los acontecimientos.

La dirección de Álex de la Iglesia me ha parecido magnífica, con una puesta en escena muy conseguida a pesar de una cierta irregularidad en su realización.

Y, aunque en esta ocasión no hay salto al vacío como hubo en ‘Balada Triste de Trompeta’, aquí con mucho más reposo y tranquilidad sabe construir otro circo mediático alrededor de la desgracia de una persona.

Muestra además, de una forma brutal, las miserias del ser humano sin dejar títere con cabeza a través de los distintos personajes que participan en esta producción, quizás como he dicho con cierto tono caricaturesco, algo ya inherente al director.

Pero en la historia no falta el contrapunto de la dignidad humana, una virtud que no abunda en estos días, invitándonos a una seria y profunda reflexión sobre la sociedad en la que vivimos.

En cuanto a los intérpretes, José Mota, encasillado y quizás lastrado en un primer momento en su papel de humorista, nos lleva en un principio a esperar ese gags con el que hacerte reír, después asentado en su actuación realiza una labor significativa con momentos realmente notables en esta tragicomedia que le ha llevado con todo el merecimiento a estar nominado como mejor actor actor revelación a los Goya 2012.

Para Salma Hayek, mi sorpresa y mi admiración, aparte de su belleza física, me ha parecido todo un acierto su elección, su interpretación es muy buena en un papel que para mí supera las expectativas creadas.

Junto a ellos unos actores secundarios consistentes cada uno en su rol, en los que destaca sin duda las interpretaciones de Blanca Portillo y Juan Luis Galiardo.

Mención especial merece la actuación de Carolina Bang, si bien su paso por ‘Balada Triste de Trompeta’ no me pareció de lo más acertado, en esta ocasión su actuación sí merece mi reconocimiento con una actuación muy acertada.

En el apartado negativo Fernando Tejero, muy por debajo de lo que esperaba de él, personalmente no me lo creo quizás su papel sea el menos creíble, su encasillamiento en comedias en este ocasión ha jugado en su contra.

‘La chispa de la vida’ no es la mejor obra de la filmografía de Álex de la Iglesia, y creará una marcada división de opiniones, pero bajo mi personal opinión sorprende y entretiene que no es poco, y eso es una gran virtud que por ahora, con sus defectos y sus excesos, siempre tiene el cine este director, uno de los exponentes de nuestra actual industria cinematográfica.

• Vía imágenes | LaButaca.net

En su noveno largometraje, ‘La chispa de la vida’, el director bilbaíno deja atrás su radical mirada de la Guerra Civil Española para abordar temas candentes de nuestros tiempos (el paro, la televisión basura…).

Y lo hace a través de la historia de Roberto (José Mota), un publicista que años atrás alcanzó el éxito cuando se le ocurrió el famoso eslogan: ‘Coca-Cola, la chispa de la vida’, y que ahora se encuentra en paro y atravesando una difícil situación económica.

Desesperado por no encontrar trabajo, Roberto intenta recordar los días felices regresando al hotel donde pasó la luna de miel con su mujer (Salma Hayek).

Sin embargo, en lugar de un hotel, lo que éste encuentra es un museo levantado en torno al teatro romano de la ciudad.

Mientras pasea por las ruinas sufre un accidente: una aparatosa caída que termina con una barra de hierro clavada en su cabeza y que le deja completamente paralizado. Si intenta moverse puede morir.

Así es como en cuestión de minutos, Roberto se convierte en el foco de atención de los medios de comunicación, lo que volverá a cambiar su vida…

Poco dado a dirigir guiones ajenos (’Perdita Durango’ sería esa rara excepción a la que se suma esta última) o sin contar con la co-escritura de su habitual colaborador (Jorge Guerricaechevarria), de la Iglesia se ha involucrado esta vez una historia escrita por el guionista Randy Feldman, quién se estrena en esto de la comedia dramática tras encargarse de guiones de películas del género de acción como (la gloriosa) ‘Tango & Cash’ o ‘El negociador’, una de las pocas cintas rescatables (sin ser tampoco la gran cosa) que hizo Eddie Murphy antes de entrar en el serio declive que aún arrastra.

Nuestro protagonista es uno de esos más de cinco millones de parados que vive en España y que no hay manera que encuentre un trabajo decente con el que poder subsistir. Roberto se recorre día tras días las calles de su ciudad con un puñado de currículos bajo el brazo y viendo como siempre le cierran las puertas en las narices.

En un acto de desesperación, decide recurrir a su antiguo jefe, aquél que años atrás se benefició de su brillante eslogan para la conocida marca de refrescos de cola (no voy a citarla de nuevo para no hacerle más publicidad de la cuenta).

Desgraciadamente, a este señor se la repamplimfla la situación de Roberto, por lo que el hombre sale de su despacho con otra negativa más sobre sus hombros.

Harto de empresarios sin escrúpulos y de que nadie le dé una oportunidad, Roberto inicia un viaje y una experiencia que cambiará su vida… Y es que quién iba a decirle que un accidente que le deja con un hierro clavado en la cabeza le iba a reportar tanta fama.

Publicitario hasta la médula, y sin nada que perder salvo la vida, Roberto toma la seria decisión de sacar partido de su grave situación para ganar algo de dinero y así asegurar el bienestar de su familia. Después de ser humillado y desechado como un vulgar parásito, a Roberto ya no le queda dignidad alguna que mancillar.

Por ese motivo hace una llamada para hacerse con un buen representante y conseguir darle la vuelta a la tortilla haciendo de su desgracia todo un espectáculo televisivo.

Por supuesto, su mujer no entiende nada de lo que ocurre y mucho menos comparte la idea de aprovechar la vida de su marido para ganar dinero. Pero a su alrededor hay un buen puñado de buitres (periodistas, publicistas, empresarios, cadenas de televisión…) dispuestos a sacar el máximo beneficio de la vida de un hombre que pende de un hilo (o mejor dicho, de un hierro).

Roberto no duda en ponerle precio a su alma, por triste o poco ético que eso nos pueda parecer.

Como decía el despreciable personaje que interpretaba Kirk Douglas en ‘El gran carnaval’ (clásico de Billy Wilder con el que el guión de Feldman guarda no pocas similitudes), ‘Las malas noticias se venden mejor; porque una buena noticia no es una noticia’. Y esto lo sabe muy bien Roberto, que se convierte a voluntad propia en mera carnaza para periodistas y reporteros con hambre de exclusiva.

¿Y por qué el desgraciado accidente de nuestro protagonista interesa y vende tanto?. Por el morbo al que sucumbe la sociedad contemporánea. De ese morbo vive la prensa y la televisión más sensacionalistas (es decir, gran parte de la prensa y la televisión de este país).

Feldman y de La Iglesia despliegan una ácida crítica hacia los medios de comunicación y la televisión basura sin sutilezas (que no le hubieran ido mal) y sin andarse por las ramas, no dejando títere con cabeza e incluso en algunos casos optando por la referencia más bien directa que, sin ser explicita, se sobreentiende a la perfección (la cadena interesada en vender la historia de Roberto es una tal ‘Antena 5′, alusión bastante evidente a una –o incluso más de una- cadena de televisión de nuestro país).

Pero la prensa y la televisión no son los únicos que están en el punto de mira de la película (lo que hace que nos acordemos también de la setentera ‘Network’ de Sydney Lumet), y arremete también contra los empresarios egoístas (y sus vagos secuaces), los políticos sin decencia alguna y, en general, contra la morbosa y deshumanizada sociedad que hemos construido y en la que vivimos diariamente.

El mensaje que lanza la película no es nuevo, pero es contundente.

Sin embargo, hay un problema, o al menos conmigo lo hubo. Todo transcurre en un ambiente demasiado recargado y exagerado, con unos personajes estereotipados y excesivamente caricaturescos. Un contexto en donde los buenos son muy buenos, los malos muy malos, y en donde todo es un cúmulo de clichés embutidos con vaselina que terminan ahogando la feroz y poderosa crítica que la historia trae consigo.

Todos sabemos que para estar al frente de una cadena de televisión que se nutre de la miseria humana para vender morbo y enriquecerse con ello (audiencia mediante) hay que tener muy poca conciencia y menos aún decencia. Pero no hay necesidad de caricaturizar o vulgarizar una figura que ya de por sí resulta bastante execrable para convertirlo en personaje que parece salido de alguna (mala) película de mafiosos.

Ver en cada plano en que aparece al presidente de Antena 5 a un Juango Puigcorbé en batín y rodeado de prostitutas de lujo en lencería en su lujoso apartamento creo, sinceramente, que es rizar un poco el rizo. Los hijos del protagonista, el hijo gótico siniestro (así se presenta él mismo) y la hija universitaria empollona, otro estereotipo al canto que en la historia no tiene una base que los justifique.

Esto son ejemplos de esos varios que ofrece ‘La chispa de la vida’ y que resultan excesivamente esperpénticos y risibles (sumemos a los periodistas matándose casi literalmente por entrar en el museo a cubrir la noticia, a la vecina ofreciéndole comida al accidentado, al guarda de seguridad panoli sacando fotos con el móvil, la absurda forma en que se desenvuelve el accidente de Roberto, etc.).

La película se muestra descompensada a la hora de mezclar comedia y drama. La comedia se acerca más  a la parodia más grotesca que a la sátira, y el drama es bastante intenso y casi lacrimógeno, con lo que en conjunto la cosa no termina de cuajar, o al menos a mí no me convenció.

Lo que hubiese podido convertirse en un drama con pinceladas de humor negro (o una sátira pura y dura), pasa a ser dos películas intentando ser una sola. El guión no consigue aunar los dos enfoques sin que chirríen (y los chistes fáciles o pasados de rosca no ayudan en nada).

En cuestión de drama, no obstante, es precisamente donde el guionista, el director y sobre todo los actores protagonistas se lucen de maravilla.

Merecidísima tanto la nominación a los Goya 2012 de José Mota a Mejor Actor Revelación (aunque en su profesión de cómico televisivo lleve años interpretando delante de una cámara) como la de Salma Hayek a Mejor Actriz. Me atrevo a asegurar que nunca hemos visto a la mexicana al nivel de interpretación que ofrece aquí.

En parte porque su carrera en Hollywood se ha nutrido hasta la extenuación de su condición de ‘cañón latino’ (cliché que ha repetido con mejor y peor fortuna), en parte porque su personaje está magníficamente construido (el suyo y el de José Mota, junto al de Blanca Portillo, son los pocos personajes realmente creíbles –sin hipérbole de por medio- dentro del circo mediático que se monta a su alrededor) y en parte porque de la Iglesia entiende de dirección de actores.

Las partes dramáticas son las que mejor funcionan, y eso se nota sobre todo al final (duro pero a la vez esperanzador; en resumen: un gran final), que casi me hace creer que he visto una película mejor de lo que realmente es.

Porque ‘La chispa de la vida’ es irregular, con momentos brillantes y otros que simplemente no funcionan y desajustan la función.

Con (sobre todo) dos actores que brillan con luz propia y otros que por exigencias de guión o por carencias interpretativas no convencen (aunque podemos estar agradecidos de que de la Iglesia no le haya dado el papel principal a la mediocre Carolina Bang y que lo del amiguete Vigalondo sea sólo un fugaz cameo, si no ya hubiera sido la hecatombe del ‘enchufismo’).

Uno de esos casos en los que el barroquismo del director anulan automáticamente las posibilidades de una buena historia. Es el precio que hay que pagar cuando se tiene un estilo propio.

A veces se da en el clavo y a veces no (o a veces, simplemente, se sacrifica el estilo y se rueda algo tan impersonal y rutinario como ‘Los crímenes de Oxford’).

• Vía Póster | LaButaca.net

Larsson escribió tres novelas de carácter policiaco/criminal tituladas “Los hombres que no amaban a las mujeres”, “La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina” y “La reina en el palacio de las corrientes de aire”, y que cronológicamente conforman la susodicha saga.

Cada cierto tiempo se repite este “fenómeno best-seller” (a menudo, literatura “fast-food” para todos los públicos), y del mismo modo que le ocurrió  a Dan Brown y su Da Vinci, pronto se quiso sacar provecho del éxito de las novelas trasladándolas a la gran pantalla.

Los propios suecos fueron los primeros interesados en rodar una película por novela y tratando de ajustarse fielmente a lo escrito por Larsson. Posteriormente, a estas tres películas le siguió una miniserie de televisión. Todo ello sirvió para aumentar aún más la popularidad del desaparecido escritor y catapultar al estrellato a su actriz protagonista, Noomi Rapace, a la que recientemente hemos podido ver en “Sherlock Holmes: Juego de sombras” (su modesto aterrizaje en Hollywood).

Pasada la euforia inicial, en la Columbia decidieron que ellos también querían ser participes del éxito de Larsson y sus novelas de largos y abstractos títulos. Por ello decidieron tirar de la opción más manida: el remake. Versionar la primera película sueca o, si se prefiere, volver a adaptar la novela (según el resultado, parece una cosa u otra), era lo más preferible dado que a los americanos (en su mayoría), al igual que a los españoles (en su mayoría), no les gusta leer subtítulos, por lo que distribuir la cinta original equivaldría muy seguramente a estrellarse en taquilla.

Claro que esto último también le podría pasar al remake, tal como le ocurrió –injustamente, todo sea dicho- a “Déjame entrar” de Matt Reeves. Pero estos productores fueron un poco más precavidos y le encargaron la tarea a un director de peso y elevado reconocimiento: David Fincher.

En medio de un escándalo por difamación, el periodista financiero Mikael Blomkvist (Daniel Craig) es contactado por uno de los empresarios más ricos de Suecia, Henrik Vanger (Christopher Plummer), para que investigue en profundidad la desaparición, muchos años atrás, de su querida sobrina Harriet. Vanger está convencido de que Harriet fue asesinada por uno de los miembros de su numerosa familia, por lo que Blomkvist tendrá que dar con el asesino estudiando minuciosamente el día de la desaparición de la joven. Para ello, el periodista contará con la ayuda de Lisbeth Salander (Rooney Mara), una inusual pero ingeniosa investigadora (y habilidosa hacker) que trabaja para Milton Security.

Para los que hayan leído las novelas y/o visto las adaptaciones suecas, probablemente el interés de esta versión americana radique exclusivamente en comprobar lo que ha hecho Fincher con semejante material. Esto les permitirá juzgar su trabajo como adaptación fiel o no a la novela y/o como mejor o peor versión respecto a la original sueca. Para los que jamás nos hemos acercado a la obra de Larsson en ninguno de sus formatos, es la oportunidad de volver a ver al director enfrascado en un thriller policiaco tras  “Seven” y “Zodiac”.

La historia de “Millennium” se enmarca en Suecia (en una Suecia donde absolutamente nadie habla sueco…) en la ficticia ciudad de Hedestad, y más concretamente en la isla de Hedeby, lugar de residencia de Henrik Vanger y buen parte de su familia, con la que no mantiene ningún contacto a excepción de su sobrino Martin. Hasta allí se desplaza Mikael Blomkvist con la intención de llevar a cabo la investigación de la desaparecida Harriet bajo el falso pretexto de escribir una biografía sobre Henrik.

A medida que Blomkvist va conociendo a varios miembros del clan Vanger y va avanzando en sus pesquisas, se da cuenta que hay una verdad aún mayor y más oscura oculta detrás de la desaparición de Harriet y que podría tener relación con una serie de terribles asesinatos ocurridos en el país. Es en ese instante cuando se da cuenta que necesita ayuda para resolver el caso, y nadie mejor que Lisbeth Salander, la persona que el mismo Henrik Vanger contrató para que le investigara a él antes de solicitar sus servicios.

La trama de la película podría pasar tranquilamente por una más de “asesinos en serie” si no fuera por dos elementos cruciales de la misma: por un lado está el hecho de enmarcar la investigación dentro de un núcleo tan cerrado como es el de una adinerada familia sueca de la que poco a poco iremos conociendo más detalles (desde el pasado nazi de varios de sus miembros hasta las profundas desavenencias existentes entre ellos tras el misterio en torno a Harriet Vanger). Esto permite centrar las indagaciones del protagonista y, por ende, del espectador, en un único foco de sospechosos a lo “Diez negritos” de Agatha Christie, descartando uno a uno a los susodichos familiares hasta dar con el culpable.

Por otro lado está el peculiar personaje de Lisbeth Salander (vulnerable a la par que resistente/superviviente), una rara avis dentro del género de la novela negra que nos proporciona algunos momentos verdaderamente sórdidos (SPOILER– la venganza ojo por ojo contra su violador, por ejemplo --FIN SPOILER) y que ofrece un marcado contraste al lado de Mikael Blomkvist, un personaje mucho más convencional.

Por tanto, tenemos una extraña pareja (un periodista acostumbrado a destapar la corrupción de ricos empresarios y una experta informática de conducta inestable) que unen fuerzas en busca de la verdad, aunque los motivos que les hagan embarcarse en la investigación sean bien distintos.

Estos serían los atributos más destacables de una historia de desarrollo ciertamente rutinario pero que en su traslación a la gran pantalla se muestra eficazmente ensamblada y narrada gracias tanto a la labor del guionista (no olvidemos que la escritura corresponde a Steven Zaillian, que pese a algunos tropiezos ha parido guiones como el de “La lista de Schindler”, “American Gangster” o “Gangs of New York”) como a la de su director, un David Fincher en su salsa.

Ya de los espectaculares créditos iniciales, que bien podrían pertenecer a una entrega del emblemático James Bond (por cierto, ¿para cuándo una película del agente 007 dirigida por este señor?) y que evidencian el pasado videoclipero de Fincher, marcan la diferencia (aunque sean una sobrada, molona, pero sobrada al fin y al cabo) y nos avisan de que no vamos asistir a un thriller del montón.

Mención especial al tema musical que acompaña a dichos créditos, un “Immigration Song” de Led Zeppelin versionado para la ocasión por Trent Reznor y Atticus Ross, autores de la martilleante (y mayormente insufrible) banda sonora de la película (que pasa de tener temas bastante potables a otros que son un auténtico suplicio para cualquier oído con un mínimo de sentido del ritmo).

Fincher maneja con mano férrea las dosis de intriga de una historia que en algunos aspectos resulta algo previsible (SPOILER– Stellan Skarsgård tiene la palabra “culpable” tatuada en la frente desde su primera aparición — FIN SPOILER).

El seguimiento de la investigación criminal es muy minucioso a la par que sobrio, sin alardes pirotécnicos ni golpes de efecto metidos con calzador (que suele ser lo típico en este género). La estructuración del guión es sólida, tanto en su inicio, cuando la historia se bifurca en dos vías narrativas que, por separado, nos impregnan de la esencia de los dos personajes protagonistas (Mikael por un lado y Lisbeth por el otro) como cuando los caminos de ambos se encuentran para dar comienzo al nudo de la trama.

El problema, no obstante, lo encontraríamos en el tramo final, donde la historia se alarga más de la cuenta con “dos desenlaces” claramente diferenciados: uno de ellos es el que atañe al caso Harriet, que debería haber sido el punto final de la película, sea esto más o menos fiel a la novela (cosa que ignoro); y el otro el que cierra el asunto legal de Mikael con la acusación por difamación, y que en caso de no suprimirse, sí debió sintetizarse mejor para no alargar un metraje que ya de por sí resulta bastante excesivo.

Y es que por mucho Fincher que esté detrás de la cámara, casi 160 minutos son demasiados minutos para una película de estas características (aunque en conjunto, es una cinta mucho más llevadera que “Zodiac”, y el ritmo prácticamente no sufre de altibajos).

De todos modos, estamos ante un thriller bien armado que tiene lo fundamental para contentar al espectador: drama, intriga, asesinatos, sexo, corrupción, secretos familiares, una heroína de armas tomar, buenas interpretaciones (2011 ha sido el año de Christopher Plummer e imagino que Rooney Mara convencerá hasta los más escépticos), diálogos certeros, momentos perturbadores, etc.

Un Fincher que demuestra que un trabajo por encargo, y más aún un remake, puede ser de calidad.

P.D.: Esta adaptación americana supone el inicio de una nueva trilogía que bien podría seguir a los mandos de Fincher, siempre y cuando el público responda en taquilla y asegure el futuro de las secuelas, cosa que aún está por ver.

• Vía Póster | elseptimoarte.net

Tampoco va a ser fácil encontrarla en los cines, con 196 copias frente a las 406, por ejemplo de ‘Sherlock Holmes’. Un producto más bien marginal sin grandes efectos especiales y poco propio para enfrentarse a tanto blockbuster, pero posiblemente le pegue mil vueltas a cualquiera de ellas.

‘Drive’ se ha ido paseando en primera marcha por los Festivales con una aceptación inmejorable. Aplausos, elogios y un tufo a posible nominada en alguna de las categorías de los próximos Oscars que nos despertaba una curiosidad tremenda.

Un tal Nicolas Winding Refn, del que sabíamos está a cargo del remake de ‘La Fuga de Logan’ e interesado en ‘Wonder Woman’. Ryan Gosling en un momento perfecto de su carrera y sobre todo, guión por encima de tonterías.

‘Drive’ es un vehículo de escenas impactantes, fotografía, música y unos silencios interminables que conforman una de las mejores cintas del 2011. El auténtico ‘hombre frente a todos’ contado de una forma directa y tan magnética que es imposible pestañear durante más de hora y media.

Lo primero, el protagonista no tiene nombre. En ningún momento suena un ‘Tom’ o ‘John’ en el metraje y en imdb.com lo reseñan como ‘Driver’, por lo que éste es un especialista de cine en sus ratos muertos, mecánico de profesión y conductor de pequeños golpes cuando se le presenta la ocasión. Tras conocer a su vecina Irene (Mulligan) y su hijo, el protagonista irá abriéndose a una relación que se ve maldita con la salida de prisión del esposo de ella (Isaac).

Para asegurar el integridad física de Irene, ‘Driver’ se verá complicado en una trama de mafiosos implacables (Brooks, Perlman) en la que la solución parece más complicada que seguir cada uno por su camino.

El calificativo que más puede sonar de boca de algún espectador, creyente de que esto iba a ser un ‘Fast and Furious’, es la de ‘lenta’, pero eso ocurrirá si uno no conecta con la historia desde el minuto 6, y decimos seis porque los cinco primeros son trepidantes.

Tras una escena inicial (de las mejores de los últimos años) en la que conocemos cual es la destreza absoluta de ‘Driver’ con unos títulos de crédito ochenteros (atención temazo de la BSO), el film entra en modo ’slow’, presentando al protagonista y la relación de éste con Irene.

Winding Refn utiliza todo un arsenal de imágenes, planos cortados, aroma vintage, luces y sobre todo la cara sin expresión pero contundente de Gosling, que si no es nominado este año es que la competencia es mayúscula. Una atracción pura y dura por lo que hace y cómo lo hace sin ser un héroe de palabras vacías. Es un antihéroe al que uno no sabe si meterlo en la cárcel o darle una placa de policía.

Por ello, cuando el tercer acto golpea en la barriga, lo hace de forma brutal. La espiral en la que cae el protagonista, con el único objetivo de salvar a la chica, se ceba de violencia, persecuciones y la máxima del ‘last man standing’. El film pasa de la velocidad cero a la de 150 y uno queda atrapado en ella sin remedio.

El guión conjuga perfectamente el thriller, la acción y el drama romántico, dando la parte hablada a los secundarios que rodean a Gosling, el cual tendrá como mucho tres páginas de diálogo….pero se come a todos. Con una sonrisa a medio poner cuando se necesita, una parsimonia digna de cirujano y una ira incontrolable frente a sus enemigos.

Si a eso le sumamos su chupa de escorpión dorado, el icono de ‘cult movie’ de los próximos años está servido.

Carey Mulligan es la primera vez que me convence (a la espera de ‘Shame’), Ron Perlman sigue siendo un villano que impone físicamente, Christina Hendricks marca su voluptuosidad en pantalla  y aunque a Albert Brooks ya le dan por hecha la nominación a secundario tampoco creo que sea para tanto, lo que no quiere decir que su papel esté firmado de forma impecable.

Es difícil plasmar sensaciones en una opinión sobre un film, por lo que todo lo que diga de ‘Drive’ no le hace justicia.

Adictiva desde el principio, cautivadora en su puesta en escena y brillante en su broche final, y eso que quedan tantas respuestas en el aire…que parece que la realidad se ha impuesto al clásico ‘final made in Hollywood’.

Abstenerse adrenalíticos con preferencia por los derrapes tuneados.

• Vía Pic | elseptimoarte.net

Pero la taquilla es la que manda, y la primera entrega de este “reinventado” Sherlock Holmes fue todo un éxito (en parte por el trabajo de los guionistas al adaptar el cómic de Lionel Wigram y en parte por la perfectamente identificable labor de Ritchie tras las cámaras), por lo que había que aprovechar la idea y la disponibilidad del solicitado Robert Downey Jr. (otra pieza clave) para lanzarse a la piscina con una inmediata secuela.

Así es como tres años después llega a nuestras carteleras “Sherlock Holmes: Juego de Sombras”, entrega en la que nuestro famoso detective tendrá que enfrentarse a un enemigo a la altura de su brillante intelecto, el profesor Moriarty.

Una serie de crímenes y atentados bomba están golpeando al mundo, y el astuto Sherlock Holmes tiene la certeza de que detrás de todo se encuentra el profesor Moriarty, una gran mente criminal.

Holmes volverá a contar con la inestimable ayuda de su buen amigo el Dr. James Watson para tratar de descubrir el plan que está orquestando su enemigo y tratar de detenerlo antes de que sea demasiado tarde.

No hay duda que pese a las permisibles licencias (la base literaria y los atributos del personaje siguen ahí, aunque algunos se obcequen en negarlo), este remozado Sherlock Holmes caló hondo entre los espectadores. Parte del mérito fue también gracias al buen hacer del carismático Robert Downey Jr. en la piel del famoso detective.

Por ello, y porque la película sigue llevando su nombre por título, Sherlock Holmes vuelve a ser la gran estrella de la función. Y si ya en la anterior entrega nos encontramos con un Holmes más desenfadado y peleón de lo habitual, aquí su personaje alcanza altas cotas de virtuosismo y excentricismo, amén de acentuarse aún más –y con un tono marcadamente paródico- su afán por los disfraces durante el transcurso de sus investigaciones.

El humor sigue siendo uno de los puntos fuertes, y una muestra de ello se aplica de maravilla a la ya de por sí estupenda comicidad entre Downey Jr. y Jude Law, la pareja protagonista.

Ahora tenemos a un Watson a punto de pasar por la vicaría y completamente desligado de los casos que ocupan el tiempo de Holmes. Aún así, y por mucho que discutan mientras están juntos y por mucho que el buen doctor se queje del incorregible comportamiento de su amigo, ambos forman un gran equipo y se necesitan mutuamente en lo bueno y en lo malo. Juntos se complementan y juntos es la única manera en la que pueden vencer a su despiadado enemigo.

Moriarty ha sido siempre el archienemigo de Holmes en los relatos de Doyle, por lo que su aparición resultaba indispensable, más cuando en la primera entrega su personaje se encontraba urdiendo maldades en la sombra. En aquella nos sugirieron su presencia y aquí directamente nos lo presentan como el gran villano capaz de ir un paso por delante del gran detective londinense.

El profesor Moriarty es un hombre culto y muy astuto, pero además posee una capacidad innata para el mal y una absoluta falta de escrúpulos que lo convierten en un rival de mucho cuidado.

La investigación en torno a sus maquiavélicos planes se torna aún más peligrosa cuando la vida de Watson y su inminente esposa corre peligro, y cuando entra en juego el personaje de Madam Simza, la pitonisa gitana encarnada por Noomi Rapace.

Para la actriz sueca, conocida por su papel de Lisbeth Salander en la saga Millemiun, éste supone su trampolín hacia la meca de Hollywood, y si bien su actuación es correcta, lo cierto es que su personaje queda bastante desaprovechado, tal como ocurre con todas las féminas de la saga. Madam Simza tiene agallas y se defiende bastante bien en el arte de la lucha, pero luce poco como secundaria.

Lo mismo le ocurre a la esposa de Watson, que aunque en el desenlace juegue un papel importante, su presencia sigue limitándose a cuatro escenas contadas (y todos los que hemos visto a Kelly Reilly en “Eden Lake” sabemos que puede dar mucho más de sí).

Y luego tenemos a una efímera Rachel McAdams nuevamente en el papel de Irina Adler, esa pícara ladronzuela capaz de traer de cabeza a Holmes y con la que se podría haber explotado un romance con buena química. Desgraciadamente, lo suyo es un visto y no visto que de algún modo sirve para mostrar el lado más humano SPOILER– y trágico – FIN SPOILER de Holmes.

A título personal SPOILER– me dolió sobremanera que su muerte sirviera para mostrar otras capas interiores del personaje protagonista. Aunque ya se sabe que en una saga ningún personaje muere definitivamente… – FIN SPOILER

Es de suponer que los guionistas no han querido que nadie se interponga en el protagonismo de Holmes y Watson, y menos entre el duelo del primero contra Moriarty (atención al gran guiño literario en el desenlace de su enfrentamiento final). Son estos tres personajes los que llevan el peso de la historia. Una historia que quizás esté por debajo de sus posibilidades, teniendo en cuenta el villano que tenían entre manos y la inclusión del hermano de Holmes, Mycroft, en manos de un simpático Stephen Fry haciendo de Stephen Fry y que en personalidad poco se parece al Mycroft descrito por Doyle.

La primera “Sherlock Holmes” nos la vendieron como una película de acción de época, y resultó contener más misterio y suspense del que uno pudiera esperar. Y ese fue, precisamente, uno de sus logros. En esta ocasión, sin embargo, la intriga es más bien simplona (y fácilmente deducible), y aunque Holmes siga haciendo gala de mucho ingenio y astucia, sus hallazgos no sorprenden tanto y nos cuesta ver en él al brillante detective al que tantas veces Scotland Yard ha requerido para resolver misteriosos asesinatos.

Es como si por protagonista tuviéramos a un brillante matemático, y las matemáticas que nos mostrase el guión fueran de primero de secundaria.

Una trama más trabajada en ese aspecto hubiera dado mucho más juego entre el duelo Holmes vs Moriarty. De todos modos, y teniendo en cuenta lo que nos proponen (cierto acercamiento al por qué de las guerras y, por ende, a la Gran Guerra que tiene lugar un par de décadas después de los hechos que aquí transcurren) y que ambos actores están perfectos en su rol (después de ver a Jared Harris no creo que nadie eche de menos al rumoreado Brad Pitt), las posibles carencias del guión apenas hacen mella y quedan compensadas por las dosis de buen entretenimiento que nos ofrece la película dirigida por Ritchie

El director británico despliega nuevamente su arsenal de artificios visuales y recursos videocliperos para lograr secuencias de acción mucho más espectaculares y grandilocuentes, convirtiendo esta segunda parte en una superficial pero francamente efectiva película de acción. A menos intriga, más pirotecnia, pero en conjunto, la fórmula se repite y, qué demonios, vuelve a funcionar.

Excelente pareja protagonista con un Downey Jr. en su salsa, buen villano, historia entretenida, generosas dosis de acción y humor, gran ambientación y redonda banda sonora a cargo de Hans Zimmer, que tras la experimentación que nos brindó en su predecesora aprovecha ahora la espectacularidad de la función para ofrecer una partitura más poderosa y épica, y con unos toques zíngaros que casan de lujo con algunos segmentos de la película. Claro que lo más sorprenderte es encontrarse en la banda sonora la inclusión (a modo de impagable guiño) de un tema ajeno (de los varios que hay) como el de Ennio Morricone correspondiente a “Dos mulas y una mujer”.

En conclusión, una de esas pocas afortunadas que puedan presumir de ser la excepción al popular dicho de “segundas partes nunca fueron buenas”. Ojalá pudiéramos decir esto más a menudo.

• Vía Póster | elseptimoarte.net

Sin que me duela en prendas, el género del ‘body sawp’ es uno de mis preferidos, y no sólo debo de ser yo porque en los últimos años hemos tenifo propuestas a miles: ‘17 Again’ con  Zac Efron, ‘ De 16 a 30′, con Jennifer Garner, ‘Freaky Friday’ con Lindsey Lohan e incluso se ha asomado a sagas como la de ‘Shrek’.

Ahora, mucho hay que innovar para que no estemos una y otra vez ante la misma trama manida: dos personas sueñan con cambiar sus vidas y lo hacen ante un fenómeno natural que concede la petición y los pone ante uno y otro follón que termina por convencerles de la suerte que tenían antes y lo difícil que es la vida del otro.

‘El Cambiazo’ es la enémisa versión de la historia. ¿Qué cambia?, ¿qué tiene esta que no tenga las otras y que merezca la pena pagar entrada?, pues posiblemente nada, pero en la nueva comedia de David Dobkin, autor de los ‘Resacones’ en Las Vegas y Tailandia, todo está multiplicado por 100.

Gamberra, cerda, políticamente incorrecta, desagradable a veces y de contenido exclusivamente sexual en todas y cada una de sus escenas. ‘El Cambiazo’ es el ‘American Pie’ o ‘Resacón en Las Vegas’ del género ‘cambiacuerpos’. Excesiva a más no poder.

La trama es la misma. Dave (Bateman) es un abogado que no tiene tiempo para nada entre el bufete de abogados en el que trabaja (con una pasante de infarto, Olivia Wilde) y sus tres hijos, dos de ellos bebes. Su mujer, de paso, está tremenda (Leslie Mann). Mitch (Reynolds) es el clásico ‘vividor-follador’, sin escrúpulos, ética o ganas de trabajar. Ambos se conocen desde pequeños y en una mala noche desean poder estar uno en la piel del otro…y voilá, follón montado.

En este film uno tiene que tener los mismos prejuicios que en productos como ‘Resacón’, ‘La Boda de mi mejor amiga’ o ‘Algo Pasa con Mary’. Son r-rated y por ello hay barra libre para tacos, genitales, frases soeces y algún que otro episodio vergonzoso.

Por eso, ‘El Cambiazo’ es una de las comedias más divertidas del año si sabe como visionarse. No hay nada nuevo en la premisa básica del género. No hay nada fuera del típico cambio de cuerpo-enredo posterior-arrepentimiento de sus protagonistas-final feliz, pero todo lo que le rodea es lo que le da la singularidad.

Dobkin ha sabido escribir un guión en el que se suceden los gags y las situaciones más rocambolescas, pero que pierden congruencia todas juntas.  Esta forma de hacer cine en la que cada vez se va subiendo el listón está pasando factura a la comedia que ya no sabe como reinventarse.

Los mismos chistes contados con mayor grado de brutalidad y que de forma independiente nos hará más o menos gracia.

Mitch es un salido sin remedio, Dave es un sosainas absoluto y parece que todo lo que les pasa está relacionado con partes íntimas, sexo y fluidos corporales, con escenas tan logradas como ATENCION SPOILERS lel rodaje de la película de Mitch, la confesión conjunta a la esposa de Dave o la noche de pasión con ‘Tatiana’ FIN SPOILERS

Ahora, si uno busca guión y consistencia, se encontrará con el metraje más insultante de todo el 2011. Abstenerse mentes sensibles y que buscan un nivel aceptable de inteligencia humana.

Los dos actores aprueban holgadamente y quizás la hacen mejor comedia de lo que realmente es.

A Jason Bateman se le ve más hecho a su personaje que Reynolds, pero ambos consiguen demostrar que se lo pasan pipa con tanta guarrada amén de Leslie Mann, una actriz que está destinada a la comedia y que brilla por encima del resto. Olivia Wilde es el cañón de turno y cumple con su papel.

‘El Cambiazo’ es una ocasión de lujo de pasar una tarde en el cine sin complejos y con ganas de cachondeo. Quizás su escaso éxito en las taquilla norteamericanas venga motivado porque da los mismos golpes brutales que ‘Resacón en Las Vegas 2′, que estaba aún en las pantallas, aunque con menor originalidad.

Su mayor problema es que se deja ver igualmente en el salón de casa, y en tiempos de crisis y con Tom Cruise haciendo virguerían en la sala de al lado, el dato es a tener en cuenta.

• Vía Póster | elseptimoarte.net

El folclore de cada lugar designa un nombre específico para denominar a sus duendes autóctonos, de modo que podemos encontrar Leprechauns en Irlanda, Gremlins en Inglaterra, Hobgoblins en Escocia o Trasgos en España. Y de seguro que alguno de esos nombres ya os sonará gracias a la literatura y/o al cine.

Precisamente, mucho antes de que llegaran a los cines los Gremlins de Joe Dante (y sus respectivos sucedáneos) se rodó en 1973 una película para televisión con duendes titulada “Don’t Be Afraid of the Dark”. En España se estrenó directamente en formato vídeo bajo el título de “Frío en la noche” (sic), y a día de hoy sigue siendo una gran desconocida incluso para los amantes del terror.

De hecho, se podría decir que muchos la descubrimos por primera vez gracias a su anunciado remake, el cual generó interés principalmente por el nombre de su productor, un tal Guillermo Del Toro.

Sally Hurst (Bailee Madison) se muda a Rhode Island para vivir con su padre Alex (Guy Pearce) y su nueva novia Kim (Katie Holmes), en la mansión victoriana que están restaurando. La pequeña se siente una extraña en su nuevo hogar, y no ayuda mucho que su padre, obsesionado con sus aspiraciones como arquitecto, apenas le preste atención. Kim, por su parte, intenta establecer vínculos con ella, pero todos sus intentos caen en saco roto.

Sally decide evadirse de su entorno explorando la mansión, y a pesar de las advertencias del guardés, el señor Harris (Jack Thompson), Sally termina descubriendo un sótano escondido, abandonado desde la misteriosa desaparición, un siglo antes, del constructor de la mansión, el afamado ilustrador Emerson Blackwood.

Lo que una vez fue el estudio privado de Blackwood, la oscura, fría y húmeda cámara subterránea, guarda ahora los secretos de un siniestro pasado.

Tras un prólogo sugerente y prometedor, en dónde ya se nos ofrece algunas pistas (quizás demasiado reveladoras) acerca del misterio que aguarda en el sótano de la dichosa mansión, tenemos lo que vendría a ser la típica trama de casa encantada o con monstruos como indeseables co-inquilinos.

Este tipo de películas suelen estar casi todas cortadas por el mismo patrón. Empiezan con una mudanza a un gran caserón y acaban con sus protagonistas huyendo aterrorizados del mismo. Siempre se trata de familias con problemas (para terminar de amargarles su existencia) y casi siempre son los críos (o las mujeres adultas; madres o esposas), quiénes detectan que algo raro ocurre en su nuevo hogar. Desgraciadamente, nadie es capaz de hacerles el menor caso… hasta que ya suele ser demasiado tarde.

Al tratarse de un remake, es muy posible que su homónima original fuera, en su momento, bastante novedosa, pero llevada su historia a la actualidad, lo cierto es todo suena a ya visto. Y lo que es peor, a previsible al 100% (final –con posibilidad de secuela- incluido)

El mayor punto distintivo y resaltable que quizás diferencie a “No tengas miedo a la oscuridad” de otras propuestas es, sin lugar a dudas, su ente maligno: unos pequeños duendecillos muy feos y muy puñeteros dispuestos a todo con tal de satisfacer su hambre de dientes de niño, que son la base de su alimentación. Estos seres, que hasta entonces se hallaban encerrados en el sótano sin que (casi) nadie supiera de su existencia, aprovechan la inocencia y debilidad de una niña para librarse de su encarcelamiento y volver a las andadas.

A la hora de representarlos, los efectos especiales, sin ser especialmente destacables, cumplen con su cometido, y el diseño de los bichos (una mezcla amorfa entre una rata de cloaca y un gollum) resulta eficaz para producir un inmediato rechazo en el espectador.

De todos modos, considero que el mejor atributo que ostenta la cinta producida (y también co-escrita, que conste en acta) por Del Toro es ese aura a terror gótico-clásico que desprende y la habilidad del debutante Troy Nixey (a quién el mexicano fichó tras ver su corto “Latchkey’s Lament”) para librarnos del tedio aún contando con guión con tan poca sustancia.

Dado que el miedo aquí es imperceptible y la tensión escasa (los momentos del pinchito en la cerradura invitan a la sonrisa maliciosa más que a morderse las uñas), lo mejor hubiese sido optar por contar la historia con un enfoque más gamberro, en la línea de Gremlins o Critters. Quizás sólo así estaríamos hablando de una película más amena.

En lo que a interpretaciones se refiere, todos están correctos, y aunque al principio se le pueda coger algo de tirria a la niña (no queda claro si es muy inocente o muy boba), luego es la única que parece tener dos dedos de frente para saber a lo que se enfrenta e intentar hacer algo positivo al respecto (SPOILER– el momento en el que aplasta un duende con la estantería corrediza de la biblioteca no tiene desperdicio –FIN SPOILER)

En resumen, una propuesta de terror que, siendo generosos, aprueba por los pelos gracias a su ambientación y a ese sello inconfundible de Del Toro que se plasma en cada fotograma (e identificable sobre todo en las pequeñas y malignas criaturas).

• Vía Póster | elseptimoarte.net